El Arte del Arte

Gracias a todos por hacer posible "Visions Invisibles"

2012-01-26T17:25:00.000+01:00

¡Hola a todos!

Hacía muchos dias que no había escrito nada por el blog pero la exposición que he creado, como os contaba en el post anterior, me ha robado más tiempo del que imaginaba.

En este post me gustaría agradecer a toda la gente que estuvo en la inauguración de Visions Invisibles; hacer un poco de reflexión lo que ha sido para mi crear este proyecto y además os dejaré un par de links para que podáis ver un video y un album con las fotos del evento.

Antes de nada me gustaría agradecer a la gran cantidad de gente que quiso compartir conmigo la inauguración de mi primera exposición de fotos. Fue algo muy bonito y muy emocionante para mi. Gracias a todos por los animos que me distéis y los comentarios para que esta no fuera la primera y última muestra fotografica que hiciera. Me dijeron comentarios muy bonitos, los cuales los tengo en el fondo de mi corazoncito y también hubieron críticas constructivas que, como no, las agradezco mucho ya que estos comentarios son los que te hacen crecer como fotografa y también como "minicomisaria" de exposiciones.

Vino gente que hacía años que no la veía, también gente que sólo conocía mediante la red y, como no, también mi gente más cercana, los pobres que sufrieron mis cambios de humor, mis nervios, mis lloros y mis noches sin dormir con el proposito de que todo saliera perfecto. Así que a todos ellos mil gracias. Otra mucha gente no les fue posible asistir a la inauguración por distancia o por motivos personales pero en cierta forma estuvieron presentes en ella gracias a sus mensajes de mobil, WhatsApp, Mail, Twitter y Facebook, así que también gracias por acordaros de este día tan especial.

Crear una exposición parece muy fácil visto desde fuera, yo también lo creía cuando acepté el "reto" de crear la mía. Tenía claro que quería que fuera una exposición diferente a las que estamos acostumbrados a ver en bares o restaurantes, quería darle un toque original y sobretodo que reflejara un poco mi personalidad.

No queria colgar una foto al lado de la otra, quería crear composiciones tematicas que dispuestas en la pared la una al lado de la otra se desdibujaran los esquemas y quedara un grupo de fotos dispuestos de manera irregular en la pared. Pero antes de llegar a este punto tuve que trabajar mucho.

Primeramente en la busqueda del tema. Quise hacerla de viajes porque es otra de mis pasiones además de la fotografia. Para mi es la mezcla perfecta para mostrar mi manera de mirar el mundo y de que la gente pueda ver lo que yo veo cuando estoy de viaje o simplemente andando por la calle.

La selección de fotos fue algo más complicada, tenia en un principio una selección de unas 170 fotos validas para la exposición pero no podía ser, eran demasiadas y tenía que recortar mucho. Así que pedí ayuda a los amigos y familiares que me dieran su opinión sobre las fotos que les mostraba y si coincidian con las que yo veía más claras pues esas serían las escogidas para la exposición. De esa selección 71 fueron las escogidas.

Muchas de estas fotos las tuve que volver a editar, quería que todas tuvieran una uniformidad de colores y de tratamiento de la imagen fuera lo más parecido posible.

Una vez estaban todas las fotos correctas les otorgué unas medidas, fue una tarea dificil porque no sabía donde irían expuestas y si me sobraria mucha pared o por el contrario me sobrarian fotos.

Luego el trabajo logístico fue el protagonizó el resto de los dias: creación de formularios por si alguien quiere alguna foto, listas de precios, guías de codigos, video con todas las fotos para pasarlo el día de la inauguración, flyers, tarjetas, posters, cartelas, organización de las fotos por tematicas, composiciones, organización de las fotos en las paredes... mucho mucho trabajo.

Y ya, finalmente ,en el último día la colocación de las fotos en las paredes.

Con este proyecto me he dado cuenta que soy más exigente y perfeccionista de lo que me imaginaba. El hecho de que fuera la primera exposición para mi era un punto de partida muy importante ya que si quedaba bien la gente le podría llegar el mensaje que yo quiero mostrar y además para mi es una satisfacción y un empuje para pensar en realizar un segundo proyecto.

Estas palabras las debería haber dicho el día de la inauguración, lo se y os pido disculpas por no hacerlo. No lo hice porque no soy una persona que le guste hablar en público ya que me pongo nerviosa, se me traba la lengua y empiezo a tartamudear. Además de mis fobias la protagonista de ese día no era yo (ni lo sigo siendo), sino son y eran mis fotos. Ellas són realmente las importantes en la muestra.

Para terminar os dejo el video que os contava y las fotos del dia de la inauguración. Por cierto! Ya le estoy dando a la mente para nuevos proyectos y nuevas fotos!

"Visions invisibles" - Glo Ribas Fotografia

2011-12-15T17:21:00.000+01:00

Después de luchar contra viento y marea he decidido dejar mis miedos a un lado y dar el salto a la creación de una exposición de fotos.

Esta Exposición no nace de un día para otro, es un trabajo de más de un año en el cual he querido fusionar mis dos pasiones la fotografía y mi campo profesional de la historia del arte des del punto de vista del comisionado de exposiciones.

La muestra presenta un recorrido por los diferentes paises que he viajado a lo largo de mis años buscando las visiones invisibles que los configuran. Siempre nos venden la típica y topica estampa de un lugar y nos conformamos con ella pero, ¿qué pasa si le damos la vuelta al asunto? ¿Qué pasa si dejamos de mirar como nos han enseñado y buscamos más allá? Este es el objetivo de mi exposición mirar más allá de lo preestablecido y buscar otros elementos que configuran el paisaje pero que no los consideramos dignos de inmortalizarlos.

Esto es "Visions invisibles" y si queréis contemplar las 71 imagens que configuran la exposición sólo tenéis que venir a la inauguración el dia 14 de diciembre a las 19h al Brisac Restaurant de Sabadell y si no teneis tiempo de contemplarlas hasta el dia 4 de marzo.

Un saludo y gracias por vuestro apoyo.

"La Visión es el arte de ver cosas invisibles"

Jonathan Swift

Grandes dias por los EUA

2011-12-02T22:49:00.000+01:00

Por fin vuelvo a colgar alguna cosa por aquí el blog. Hacía muchísimo tiempo que no colgaba nada, he ido, como siempre, más que liada pero esta vez ha sido realmente horroroso... examenes, trabajo hasta los topes, preparación del viaje, el viaje y la vuelta al trabajo y a la universidad no ha sido menos liosa... pero ahora parece que todo vuelve a su cauce y puedo volver a dejar de vez en cuando alguna cosa por aquí escrita.

Me gustaría hablaros un poco del viaje que realicé este verano. Como muchos sabéis viajar es una de mis pasiones pero este año ha sido para mi el mejor de los mejores viajes que he hecho. Era el viaje de mis sueños y además era la primera vez que cruzaba el charco. El destino? Nueva York, Wilmington, Washington y Boston.

El sueño de mi vida era ir a NYC y lo he cumplido. Es una ciudad maravillosa, es impresionantemente sorprendente... todo lo que puedas imaginar si no lo encuentras en NYC no lo encontraras en ninguna parte. Parece que formas parte de una pelicula, una serie de televisión, un videoclip o un anuncio. Pasear por ella es como si lo conocieras de toda la vida, el hecho de verla tantas veces y sentir hablar de ella es como si ya hubieras estado. Los edificios, las calles, los parques, los museos, su gente... todo es espectacular... no puedo decir nada más que cosas positivas de la ciudad.

Wilmington era otro de mis sueños. Muchos no os sonará de nada esta ciudad del Carolina del Norte pero si sois fans de las series de adolscentes como Dawson Crece o One Tree Hill seguro que os suena perque es la ciudad donde fueron rodadas las series. Realmente hice el freaky en esta ciudad buscando localizaciones de las series y recordando capitulos y escenas que vi en su mmomento. Al volver he podido revivir los dias en Wilmington una vez al volver y terminar la serie de Dawson Crece. Hay muchas anecdotas que recordar pero supongo que la más especial fue cuando encontramos la casa del protagonista de Dawson Crece y pude hablar con su propietaria y me dejo pasear por su jardin, hacer fotos de la casa y andar por el muelle. Parecia increible, tantas veces que la había visto por la tele y ahora era yo quien andaba por ese jardín.

Washington fue una de las ciudades que más me sorprendió ya que no me imaginaba para nada del mundo lo que me encontraria. Imaginaba que seria la tipica ciudad con sólo los edificios institucionales y poca cosa más pero en realidad es mucho más. Avenidas anchas y largas, parques monisimos y en cierto modo tranquila en comparación con NYC. Es una ciudad hecha en horizontal todo al contrario de NYC.

Finalmente Boston fue la guinda del pastel. Al llegar allí estabamos sumamente cansados después de quince dias dando vueltas y de llevar a las espaldas 7 aviones y 3 escalas. Boston es una perla en estados unidos. Realmente parece que estés en Inglaterra, sus casas sus calles son de cuento. Realizando la ruta del Freedon Trail y es lo mejor para poder conocer la parte historica de la ciudad. La visita a Harvard fue también impresionante. Pensar friamente cuando estas allí que estas en el campus universitario más importante del mundo hacer que se te pongan los pelos como escarpias.

Más adelante os tengo que hacer una review de las diferentes atracciones turísticas visitadas en NYC sobretodo los museos que es lo que nos interesa en este blog.

Os dejo con el album de algunas de las fotos editadas de EUA. ¡Espero que os gusten!

RevoluciónArte

2011-05-21T20:24:00.000+02:00

Se les puede llamar la generación del #15-M o la #Spanishrevolution la cuestión es que miles de jóvenes, y no tan jóvenes, han decidido salir a la calle de forma pacifica y ocupar las plazas centrales de sus ciudades para decir “Basta ya”. Basta ya de toda la problemática que vive nuestro país y su situación precaria desde el punto de vista social, económico y laboral.

Anteriores ha ellos han habido muchísimos movimientos sociales reivindicativos. Muchos de ellos fueron tan relevantes que algún que otro artista decidió plasmarlo en un lienzo para que no quedara en el olvido o sólo fuera recogido por las crónicas históricas. Seguidamente tan sólo de se hablará de 4 obras, y con esto no quiere significar que no se encuentren más manifestación bajo esta temática, al contrario, pero estos pueden que sean los ejemplos más claros para hacer un recorrido por la historia.

Uno de los primeros cuadros que encontramos con este espíritu de revolución es el cuadro Los Fusilamientos del 3 de mayo de Francisco de Goya (1814) en esta obra podemos observar como un batallón de soldados franceses fusilan a un grupo de ciudadanos Españoles por no aceptar los términos que se firmaban en el tratado de Fontenebleau. El pueblo francés quería imponer la Revolución en nuestro país por los españoles no se muestran partidarios que ésta fuera impuesta por la fuerza. Ellos murieron por mantener sus ideales a flote y luchar por buscar ellos mismo el camino a la libertad sin tener que ser impuesta por alguien ajeno al territorio.

Otra muestra de revolución es la pintada por Eugéne Delacroix en “La Libertad guiando

al pueblo” (1830). Muestra las consecuencias de los hechos revolucionarios en Paris los días

27, 28 i 29 de julio de 1830 en cuales se produjo una sublevación popular contra el monarca

Carlos X. Podemos ver como obreros, artesanos y burgueses están siendo guiados por

la Libertad hacia sus derechos y libertades; en consecuencia hacia un mundo más justo e igualitario.

Otro de los países que vivió su propia revolución fue Italia. Giuseppe Pellizza da Volpedo inmortalizó la revolución obrera en su obra “El cuarto estado” (1891-1901). En ella nos muestra a un grupo de obreros que, cansados de su situación precaria y de formar parte del último estamento social del antiguo régimen, emigran hacia los barrios perifericos de las ciudades en busca de una nueva vida dejando atrás la situación precaria que vivían en el campo. En estos campesinos no se les ve desafiantes, ni provocando e incluso no se les ve valientes se les ve con ganas de hacer un giro de 180º a su situación.

Finalmente una obra más contemporánea es la creada por Juli González titulada ”El cap de la Montserrat cridant” Juli González se inspira muchas veces en la figura “La Montserrat” (1937) para crear otras Montserrat’s para seguir manifestando todo el dolor que puede vivir una mujer campesina durante la Guerra Civil. Esta escultura fue tratada como un símbolo en la época y era considerado el mayor exponente de la Libertad. Podemos observar la carga ideologica de los movimentos de avanguarda y compromiso a favor de la República. Fue tal su repercusión que fue expuesto en el pabellón español de la Exposición Universal de

Paris ya que era un reflejo magnífico de todo lo vivido tanto en España como en Francia.

Muchos de los valores que encontramos en las anteriores obras de arte las podemos ver en el movimiento #15M. Todos ellos luchan por un mundo mejor de una manera pacífica ya que se está buscando un mismo objetivo: la mejora y solución de los derechos de toda la sociedad. No sabemos si tras la #Spanishrevolution aparecerá alguna obra artística significativa de este movimiento social, pero sí que se tiene que tener claro que estos hechos marcan la historia de nuestro país y los jóvenes dejaran de ser vistos como conformistas para pasar a ser vistos como aquellos que luchan por sus derechos y por un país mejor.

“He emprendido un tema moderno, una barricada, y si no he luchado por la patria, al menos pintaré para ella.”

Eugène Delacroix

Praga, escapada a la bohemia

2011-05-02T17:39:00.000+02:00

¡Hola a todos!
A principios del mes de abril pude hacer una escapada a una de las ciudades más bonitas de Europa, Praga. Era un viaje que tenia ganas de realizar desde hacía ya unos años pero hasta ahora no pudo ser real. Estuve tres dias y como no me supo a muy poco... Se quedaron muchas cosas en el tintero que no pude ver así que tendré que volver a ir en otra ocasión con un poco más de calma.
Estos viajes en medio del año van genial para poder desconectar y poder cargar algo las pilas. como ya podéis imaginar hice unas cuantas fotos, os dejo por aquí el enlace de la galeria para que podáis verlas.
Espero que os gusten!

Colaboración en página web www.tonivecina.es

2011-04-29T16:09:00.000+02:00

¡Hola a todos!

Cuanto tiempo sin escribir ¿verdad? Esta vez lo hago para informaros que este mes de abril he empezado la colaboración en una pagina web llevando la sección de arte. en esta sección escribo articulos parecidos a los que escribo por aquí así que ya podéis imaginar que es lo que encontraréis.

Estoy sumamente contenta de poder participar llevando la sección de arte porque como ya sabéis me apasiona este mundo y poder hablar hacerlo a mi modo y bajo mis sensaciones.

Os dejo por aqui el link a la página y el link a los 3 articulos ya publicados. espero que os gusten y como no espero vuestros comentarios en la web.

http://www.tonivecina.es/

http://tonivecina.es/blog/categoria/arte/

#9 Vlog Examenes :S

2011-01-20T12:13:00.002+01:00

#8 Vlog Madrid y otras cosas

2011-01-20T12:12:00.000+01:00

#7 Vlog - Frases tipicas que te hacen siendo estudiante de Hª del Arte

2010-12-21T23:04:00.001+01:00

No hace muchos dias que mi amigo Victor colgó un video con las frases más celebres que le decían una vez comentaba que era estudiante de Psicología y cuando es ya Psicologo. Pensé que podía hacer lo mismo en mi caso pq tambíen hay cada perlita de frases que me dicen que no tiene desperdicio.

Espero que os guste!

Felices Fiestas!!!

2010-12-17T23:02:00.000+01:00

#6 Vlog - World Press Photo 2010 CCCB

2010-11-28T23:23:00.001+01:00

Un nuevo vlog donde os cuento mis impresiones sobre la exposición del World Press Photo 2010 en el CCCB.

¡¡Hasta Pronto!!

#5 Vlog De vuelta al blog

2010-10-13T22:50:00.001+02:00

Por aquí os dejo el link que os comentaba de la web en Facebook, ¡¡os espero por allí!!

Breve historia del Pop Art

2010-09-15T18:50:00.002+02:00

Rescato, de un trabajo universitario, un pequeño contexto historico sobre el movimiento del Pop Art que escribí. el texto esta en catalán, como los dos anteriores que colgué referentes a este tema anteriormente, perdonar las molestias a las personas que no lo puedan entender. Espero que os guste.

El Pop Art neix en l’època de finals dels anys 50 i principis dels anys 60. És en aquesta època on apareixen els luxes en els objectes que es creen i que adquireix la societat. El disseny té un gran paper pel que fa a la creació d’objectes i productes de consum, aquests es fan segons els gustos de la gent del moment. L’altre factor que fa que tingui més rellevància l’objecte, a part del disseny, és la publicitat. És un gran reclam per donar sortida a aquests productes i fa que es consolidin entre el món burgés.

Aquest moviment el que pretén i/o parodiar és, justament, aquest món consumista i donar rellevància a aquest les coses insignificants i sense valor, aquest fet fa que prenguin un altre concepte i es transformin en imatges crítiques.

“El Pop Art ha estat un reflex il·lustratiu de la situació de fetitxisme sota la que es troba el món neocapitalista” Lucy Lippard.

El moviment artístic del Pop Art neix , tal i com s’ha esmentat anteriorment, en l’època de finals dels anys 50 i principi dels anys 60 (del segle XX) a Gran Bretanya, posteriorment i amb pocs anys de diferència el Pop Art arriba als Estats Units i arrela amb molta facilitat.

Gran Bretanya

El moviment va néixer a partir de les converses que mantenien Richard Hamilton, Eduardo Paolozzi, Lawrence Alloway i Reyner Branham, aquest dos últims eren crítics d’art. Formaven part del Independent Group de l’Institut d’Art Contemporani de Londres. Totes les converses que tenien el tema central solia ser l’introducció dels mitjans de comunicació i de les noves tecnologies del moment en la societat.

Es van considerar que el primer artista pop va ser en Richard Hamilton però un altre exponent artístic del moment va ser en David Hockney. El propi Hamilton va fer un llistat de paraules que ell creia que es podien associar perfectament amb aquest nou art. Per ell el Pop Art era un art: popular, passatger, que pot donar-se de baixa, de baix cost, de producció en massa, Jove, sexy evasiu, atraient i d’alta finança.

Es van fer dues primeres exposicions on, per primera vegada, es mostrava el estil pop al públic. La primera va ser l’any 1953 i tenia com a títol “Paral·lel entre l’art i la vida” i la segona exposició es va fer tres anys més tard, el 1956, i rebia el títol de “This is tomorrow” (Això es el demà).

Estats Units

Pel que fa el moviment del Pop Art en els Estats Units, cal dir que va començar la seva trajectòria en l’any 1961 i s’estableix amb molta força tot i que els crítics no estan d’acord amb el moviment, a diferencia del públic i de les revistes que reben el moviment d’una manera molt bona. Tot i així el primer crític que fa una critica positiva i constructiva envers al grup dels popistes va ser Swenson l’any 1962. L’imaginaria creada s’assimila a primer cop d’ull com un factor purament americà.

La primera exposició que es realitza va ser l’any 1961 sota el títol “The art of assablage” aquí es mostraven les obres com si fossin un retorn al art Dada. Els artistes americans parodiaven les obres creades anteriorment pel grup dels expressionistes, posaven en el punt de mira el fet de la intervenció manual de l’artista.

Els primer representants del Pop Art als Estats Units van ser en Robert Rauschenberg i Jasper Johns, tots dos dominàvem la tècnica del collage. Posteriorment el grup dels artistes pop es van anar ampliant amb And Warhol, Jim Dine, Roy Liechestein, James Rosenquist, Claes Oldenburg i Tom Wesselman. Tot i que tots ells estaven a dins del moviment del Pop Art, cada un d’ells realitzava les seves obres amb un caràcter propi i amb una tècnica pròpia, per tant diríem que formen part del mateix grup no pel procediment de realització de les obres si no pel contingut i missatge d’elles. Tot i així els pintors realitzaven la seva activitat amb pintura acrílica perquè era la pintura que s’assimilava millor als colors plans del cartell.

Els artistes que englobem dins del Pop Art són gent que tenen una actitud conformista davant de moltes situacions de la vida però tenen una actitud inconformista davant del món artístic, rebutgen es convencions estilístiques i temàtiques de la tradició de classe benestant de l’art.

#4 Vlog Neue Pinakothek

2010-09-03T14:44:00.002+02:00

Os dejo un pequeño resumen fotografico de algunas de las obras que se encuentran en la Nueva Pinacoteca de Munich. Me gustaría dedicar este video a mi ciberfamilia, las canciones que suenan en este video tienen un significado muy especial para nosotros sobretodo porque nos recordaran grandes momentos de este verano radifonico.

Pero en especial quería dedicarle este video a Ana Meca, una componente de esta ciberfamilia, porque se que le interesa todo este mundillo del arte. ¡¡¡Ana va por tí!!!

A los demás ¡espero que os guste!

Neue Pinakothek, Munich

2010-08-31T18:54:00.003+02:00

Hace una semana que os conte mi experiencia en la Alte Pinakothek de Munich y me quedaba pendiente haceros la critica/ comentario sobre la Neue Pinakothek.

No se si me encandiló mucho más esta que no la antigua pinacoteca. En esta encontré buena parte del periodo de la pintora que me gusta, siglo XIX i fue una delicia poder gozar de ella en un espacio museístico tan ideal como el de la nueva pinacoteca.

Llegamos al museo a eso de las 10.30 de la mañana, fuimos de los primeros visitantes en entrar y como me pasó en la anterior pinacoteca había muy poca gente que estuviera de visita al museo. Lo que nos dejó más sorprendidos fue el precio de la entrada. Íbamos convencidos que con la entrada reducida para estudiantes nos costaría 5€ (lo mismo que me consto en la Ate Pinakothek) pero al comprar la entrada el señor de la taquilla nos informo que los domingos valía tan solo 1€ para todos los visitantes…. Sorprendente, ¿no?

Cogimos el mapa del museo y fuimos visitando las salas según el circuito que teníamos marcado. Y las 2 primeras salas habían las guindas del pastel, los impresionistas. En teoría estaban ubicados en otras salas al final del recorrido pero debido a la remodelación de las salas los ubicaron en estas primeras.

Entrar en ellas y empezar a ver Cezanne’s, Renoir’s, Degas’s, Manet’s, Monet’s evidentemente que me dejó sin palabras… pude aguantar mi emoción pero por poco rato ya que en la sala siguiente nos encontramos con una de las piezas estrellas del museo, una de las tres series de los “Girasoles” de Van Gogh. Habían un par de piezas más del autor y fue genial tener enfrente de ti una obra de tal calibre y poderla admirar con detenimiento y de cerca. Los trazos del pincel, la pintura “en relieve” y pensar que en él estuvo trabajando uno de los grandes maestros del Postimpresionismo hace que la piel se ponga de gallina.

En esta misma sala también nos encontramos con Gaugin’s otra gran maravilla… eran algunos de sus cuadros de su etapa por la Polinesia. Simplemente fantásticos…

Unos años atrás pude contemplar obras de los mismos autores en el Museo d’Orsay de París. Evidentemente allí se encuentran los grandes y puntales cuadros impresionistas de la todos los autores citados anteriormente pero sinceramente no los pude contemplar bien por el volumen exagerado de turistas que habían, en cambio en Munich disfruté al máximo.

Paseando por la diferentes salas encontramos grandes maravillas de Goya; Mengs, Constable, Jushua Reynolds, Friedrich, Mollet, Delacroix, Gericault, Daumier, Coubert, Kilt, Canova, J.L David, Turner… Sí, ya podeis imaginar que estaba alucinando mucho…

Es otra visita obligada a hacer si se va a Munich. El museo es muy completo y si os gusta la pintura de este periodo disfrutareis mucho. Sobretodo por el volumen de gente que se concentra en el museo ya que es muy poca. También os recomiendo que si tenéis la oportunidad de poder ir a primera hora será mucho más cómodo y al ir frescos no os cansará el ir pasando de sala en sala y viendo todas las obras.

Os dejo por aqui el enlace de la web del museo por si quereis echarle un vistazo: http://www.pinakothek.de/neue-pinakothek/

L'Alte Pinakothek de Munich, una parada obligada.

2010-08-24T12:31:00.001+02:00

Una de las cosas que hice en Munich durante mi estancia veraniega fue empaparme de pintura. De las tres pinacotecas de más renombre que hay en la ciudad visité dos, así que siempre me queda una excusa para volver a la ciudad y ver la que me falta.

Como ya sabéis porque había comentado por aquí que me hacía mucha ilusión poder visitar la Alte Pinakothek, mucha gente me la había recomendado y por lo que había leído de ella me parecía un lugar fascinante.

Después del tour que realice por la capital bávara fui a ver el museo. Eran las tres de la tarde, hora ideal para poder visitar un museo porque prácticamente no hay mucha gente que se aglomere enfrente de los cuadros. Si quiero resumir con pocas palabras mi experiencia en la pinacoteca diría que es “ESPECTACULAR” Todos los amantes de la pintura de los siglos XIV a mediados del siglo XVIII tienen una cita obligada en este lugar.

Me sorprendieron muchas cosas, y todas ellas para bien. La primera de ellas fue la calidad exquisita de los cuadros de Brughel. Siempre me habían dado un cierto reparo al decir que si me gustaban o no porque los veía bonitos pero no entendía porque mucha gente decía que son una maravilla. Ahora lo entiendo. No había visto unos cuadros con tanto detalle. Desde las migas de pan hasta la expresión de la cara de un personaje no demasiado grande quedan reflejados en su pintura.

Después también quedé encantada con el Gran Juicio Final de Rubens. Una obra colosal de 606 x 460 cm preside el centro de una sala. Empiezas a mirar hacia arriba y te faltan ojos para captar cada detalle de la obra.

Me quedé de piedra al tener delante de mi Rembrandt’s; Tintoretto’s; Guido’s Reni; Ghirlandaio’; Botticelli’s; Holbein’s; etc, etc, etc.

Pero me gustaría mencionar tres cuadros más. Estos tres cuadros me dejaron sin palabras, aun menos de las que ya tenía.

El primero de ellos es el gran autorretrato de Durero. La simetría, el detalle, la técnica del color son una maravilla. Mi tío me dijo que cuando estuviera delante de él me faltarían adjetivos para poderlo describir pero pensé que era muy exagerado porque sé que a él le fascina este tipo de pintura pero realmente tenía razón. Me quedé un buen rato delante de él y llegó a un punto que me daba la sensación que empezaría a pestañear y a mover los labios hablando conmigo.

El segundo de los cuadros es Altdorfer “La batalla de Isos”. Recordaba cómo nos lo habían comentado en la universidad y siempre me había llamado la atención. La representación en un mismo cuadro del día y la noche, la cantidad de soldados únicos (porque no hay dos de iguales), el desplazamiento del centro de la acción, los colores, la técnica… es una maravilla de cuadro. Este también le dedique un buen rato acercando la nariz casi casi a la tela para poder captar todo el detalle de los minúsculos soldados y quede muda al ver que estaban representados con todo tipo de detalles.

Finalmente quería hablaros de una obra que casi, casi consigue que me salte una lagrimita (ya sabéis porque comenté por aquí alguna vez que suelo emocionarme en los museos). Me sorprendió encontrarme con esa pintura allí, desconocía que se encontrara allí y al verla como digo me provocó una sonrisa en mi cara. Era la pintura de Bartolomé Esteban Murillo “Niños comiendo melón y uvas”. Siempre me había gustado ese cuadro, no me preguntéis la razón porque no la sé. Poder ver de cerca a esos dos pillastres comiendo con tanta hambre su botín me pareció sensacional. Había visto ya Murillos en el Museo del Prado y son una maravilla, de Murillo siempre me ha encantado la manera que tiene de representar a los niños en el lienzo, pero el que siempre había “soñado” con poder ver delante de mi era este, y en Munich conseguí poderlo contemplar.

Sin lugar a dudas l’Alte Pinakothek de Munich es una parada obligatoria si visitáis la ciudad. Cuando ves exteriormente el edificio no imaginas ni por un momento todos los tesoros que albergan en ella.

De vuelta de Baviera

2010-08-18T01:28:00.003+02:00

¡¡¡Hola familia!!!

Volví del viaje... que deciros de esta maravillosa semana por Baviera... si digo que es una maravilla me quedo corta, así que creo que no tengo ningun otro adjetivo que pueda resumir de alguna manera mejor todo lo que he hecho por Alemania.

Alemania es un país maravilloso. Lo conocía anteriormente por las dos veces que había estado por Berlín y con este viaje por el sur me acabo de reafirmar con todas mis impresiones que tenía de la gente. Son amables hospitalarios y simpáticos, la imagen seca del alemán en mi cabeza no la tengo porque en ningún momento he tenido la ocasión de tener por delante a alguien así.

Respecto al viaje no sé que puedo deciros... todo me ha gustado... Nuremberg es una ciudad con un encanto y con un ambiente embriagador. Entras al recinto amurallado y parece que te hayas sentado en una máquina del tiempo haciendo un viaje al pasado.

La Romantische Strasse es una maravilla... de ella me quedo con un pueblecito que me robó el corazón, este fue Rothemburg ob der Tauber. Sus calles empedradas, sus murallas, sus casas típicas hicieron que me faltaran ojos para captarlo todo.

Y como no, la otra zona que me robó el corazón fue la de Füssen y sobretodo Schwangau con sus dos impresionantes castillos Hohenschwangau y Neuschwanstein. El primero es una preciosidad pero el segundo ¡¡¡es sublime!!! Tanto su exterior como su interior hacían que no me creyera que estaba ahí, enfrente de él admirándolo como tantas veces lo había admirado por la televisión o por fotos. Además recalcar las vistas de Neuschwanstein des del puente de María (Marienbrücke), queda algo alejado del castillo y una vez llegas, si tienes vértigo o miedo a las alturas te piensas dos veces en ponerte al medio, pero vale muchísimo la pena poder estar colgado a unos cuantos metros de altura y poder contemplar toda su esplendor. Las vistas son maravillosas incluso bajo la lluvia y el frío, se crea una atmosfera mágica en su entorno (y lo digo por experiencia porque pude comprobar cómo son las tormentas bávaras en mi propia piel).

Munich es también una ciudad encantadora. Poder pasear por su casco antiguo y admirar y conocer todos sus rincones hacen que te adentres más de la ciudad. En Munich pude visitar la Alta pinacotek y la Neue Pinacotek. Os haré un post más adelante comentandolas pero os adelanto que las dos me encantaron. Los tesoros que albergan cada una de ellas hacen que te vayas sorprendiendo a me medida que cambias de sala.

Si tuviera que nombrar alguna cosa que no me haya gustado o no me haya acabado de hacer el peso pues simplemente citaría un pueblo que es Nördlingen. La única cosa interesante que tiene el pueblo es que está edificado en medio de un cráter cosa que es imposible divisar a pie de calle así que bueno por lo que es el pueblo hay poquita cosa. Schongau también seria de los pueblecitos que tienen poca cosa por ver pero al contrario de Nördlingen me gustó el ambiente que se respiraba.

En los próximos posts os hablare de los museos que he visitado, la Vieja y la Nueva Pinacoteca de Munich, y como no mis impresiones sobre los castillos Hohenschwangau y Neuschwanstein.

Os dejo de momento el enlace de flickr para que podais ver algunas de las fotos que he ido colgando poco a poco iré colgando más. Espero que os gusten.

¡¡Hasta pronto!!

#3 Vlog Feliz Verano!!!!

2010-08-06T14:49:00.000+02:00

Planning vacacional

2010-08-04T12:50:00.001+02:00

Acabamos de estrenar un nuevo mes, el mes de agosto y esto significa… ¡Vacaciones!

Este año no me voy tantos días como el pasado pero bueno no me puedo quejar del viaje que voy a realizar. Tengo ganas que llegue el lunes para coger el avión e irme hacia tierras alemanas.

Si de nuevo me voy a Alemania, algunos ya sabéis que he estado un par de veces en Berlín, ciudad que me encanta y no descarto visitarla una tercera vez. Pero este año nos vamos hacia el sur, la región escogida ha sido Baviera. Estaremos en Nuremberg, realizaremos toda la Ruta Romántica (Romantische Strasse) (430km desde Würzburg hasta Füssen) y finalmente pasaremos un par de días en Munich.

Hacía mucho tiempo que quería hacer dicha ruta. Había visto muchos reportajes por el canal Viajar de Digital+ donde se explicaba la ruta y se enseñaban buena parte de los castillos que la configuran y realmente quedé enamorada… Eso si tengo muchas ganas de llegar a Füssen para poder ver el mítico castillo de Nueuschwanstein, estar delante de él será como estar en un cuento de hadas. Queremos realizar la visita del interior de este castillo y del otro próximo de Hohenschwangau los dos propiedad del rei Luis II, más conocido como el rey loco.

En Munich tengo ganas de ir a la Alte Pinakothek y poder empaparme de todo lo que hay allí. Puede ser emocionante descubrir las pequeñas grandes obras de arte que alberga en su interior. Pero eso sí, todo dependerá del tiempo que tengamos… Pero sí, tengo ganas de verla, cruzaré los dedos para que me de tiempo.

Estas serán mis vacaciones, tan solo una semana de viaje pero que sin ninguna duda aprovecharé al 100%.

Con este post simplemente quería informaros de mis planes pero aun no me despido eso será dentro de unos días con algo especial.

Al volver del viaje, como no, os dejaré el link de Flickr con algunas de las fotos que he realizado para que podáis ver y os podáis hacer una pequeña idea de los paraje que he estado y también os haré algún review de los sitios visitados por si os animáis algún día a ir por aquella zona.

¡¡Hasta pronto!!

#2 Vlog exposición "Pat Andrea i Alícia"

2010-07-26T23:12:00.000+02:00

Exposición: "Pat Andrea i Alícia" Arts Santa Mònica (BCN)

2010-07-26T16:45:00.003+02:00

El sábado pasado fui a Barcelona a pasar el día, como hago frecuentemente. Cuando necesito desconectar bajo a la ciudad condal y me empapo de exposiciones, así mi mente se libera y dejo de pensar en los problemas cuotidianos.

El sábado visité tres exposiciones de las cuales en este post os voy a comentar sólo una, la que pude ver en el Arts Santa Mònica dedicada al cuento de Lewis Carrol, Alicia en el País de las Maravillas.

La exposición se llama “Pat Andrea i Alícia” os dejo la sinopsis que realiza el museo referente a la exposición:

Las pinturas de Pat Andrea inspiradas en los dos libros de Lewis Carroll Alicia en el país de la maravillas y A través del espejo se presentan en el Arts Santa Mònica en la primera gran muestra institucional en Cataluña de este artista holandés, considerado uno de los pintores figurativos más importantes de la actualidad.

La exposición, que se ha presentado anteriormente en Francia, Grecia y Holanda, consta de 24 obras de Alicia en el país de las maravillas y 24 de A través del espejo (150 x 180 cm cada una).

Comisariado: Juan Bufill

Organiza: Arts Santa Mònica - Departamento de Cultura y Medios de Comunicación

Produce: Arts Santa Mònica - Departamento de Cultura y Medios de Comunicación

Colabora: Galeria Víctor Saavedra

¿Qué decir de la exposición? Pues sinceramente: ¡me encantó! No esperaba ver esta muestra más que nada porqué ni sabía que existía. Los dibujos de Pat Andrea son fantásticos llenos de detalle y ubicando a una Alicia en nuestro mundo real, en el mundo que nosotros estamos viviendo. Me sorprendieron los dibujos que había en la escalera incitándote a subir siguiendo el cuello de ella y llevándote a la sala de exposiciones. Sin lugar a dudas es una exposición que tenéis que ver si os gusta el mundo de Alicia y sobretodo los que aun tienen dentro de si la melancolía de cuando se es pequeño y el mundo de los cuentos te envuelve como un manto de nuevos lugares y nuevas ilusiones.

Próximamente os dejaré un nuevo post con un video de unas cuantas fotos que pude hacer en la exposición. Veréis que no tienen demasiada calidad porque las tomé con el móvil, la cámara se quedó en casa y tenía que salvar la situación de alguna forma. Ya os informo que no hay ningún tipo de problema para realizar fotos en la exposición la única condición que te decían era que no fuesen tomadas con flash.

Os animo a todos aquellos que vayáis a Barcelona que la visitéis, seguro que os gustará. El último día para poderla ver es el 26 de septiembre del 2010.

¿¿Me podéis ayudar??

2010-07-22T16:40:00.000+02:00

Hola a todos,

Después del Vlog no había subido nada más por aquí, le podéis llamar falta de inspiración si queréis….

Con el post de hoy me gustaría pediros un favor. Ahora que se acercan las vacaciones y tendré la primera semana de agosto libre y la tercera (la segunda muchos sabéis que la pasaré en Baviera) además tendré unos 3 fines de semana libres me gustaría poder hacer un poco la “guiri” e ir de exposiciones por Barcelona. El problema está es que no se que ir a ver… lo que os propongo es muy sencillo, me gustaría que me propusierais exposiciones que estén bien ya sean de fotografía, pintura o incluso escultura (aunque no es que sea mi fuerte) en la ciudad condal.

Espero vuestras propuestas a modo de comentario por aquí o en el enlace del post en mi Facebook.

Un saludo y… ¡¡hasta pronto!!

#1 Vlog - Guias de Museo

2010-07-10T01:09:00.000+02:00

Propuesta... a ver que opináis...

2010-07-09T18:22:00.002+02:00

Hola a todos/as,

Quiero comentaros algo que se me ha pasado por la mente. Había pensado realizar un post hablando de una de las manías que tengo cuando voy a los museos. Ni más ni menos me compro las guías no tan solo como recuerdo sino también pensando en que posiblemente en algún momento u otro me pueden servir para buscar alguna obra de arte que necesito y no me sale por Internet y además porque también me gusta tenerlas. Había pensado enseñároslas pero en lugar de fotos había pensado en realizar un Vlog enseñando todas las guías que tengo ya que puede ser más sencillo que no ir colocando fotos. Creo que puede ser algo diferente y no tan pesado como ir viendo fotos de las portadas de los libros. Además de esta forma podría enseñar como son por dentro la calidad de las imágenes etc. etc. etc.

¿Qué os parece la idea? No tengo ni idea de como puedo hacerlo, si puedo colgar un video directamente al blog sin tenerlo que colgar en YT... no se ya me informaré si la idea os parece bien.

Espero que me digáis qué opináis y en función de vuestras opiniones haré una cosa u otra.

Muchas gracias por leerme.

Un beso

Glo

Benedetta Tagliabue - Fora de Context - Entre Lineas TV3 06/07/10

2010-07-07T14:41:00.001+02:00

Ayer emitieron por TV3 un reportaje dedicado a la arquitecta italiana, afincada en Barcelona, Benedetta Tagliabue.
He querido compartir con vosotros este video porque siempre vemos las obras arquitectónicas terminadas y muchas veces nos preguntamos cómo es la gente que hay detrás de ese proceso y quienes han sido las mentes pensantes de la obra.
Gracias a este pequeño reportaje nos podemos acercar un poco más a la figura de una de las arquitectas más relevantes, hoy por hoy, en el mundo de la arquitectura.
Espero que os guste (de nuevo el reportaje es en catalán disculpar las molestias)

Memoria fotografica - TV3 "30 minuts" Domingo 04/07/10

2010-07-06T19:03:00.001+02:00

Hoy os dejo por aquí un enlace con un video del programa “30 minuts” que se emitió el pasado domingo en TV3. Está dedicado a la problemática sobre el Arxiu Centelles y de los diferentes legados fotográficos que nos quedaran para nuestra memoria historica. Se cuenta con el testimonio de uno de los mejores, para mi, fotografos: Oriol Maspons.

Es un reportaje muy muy interesante sobretodo para los amantes de la fotografía. (Siento mucho que haya algunos de vosotros que no podais entender el video ya que está en catalán pero aun y así vale la pena ver las imagenes porque hay muchos elementos visuales que son maravillosos)

http://www.tv3.cat/videos/3001610 (Pequeño anuncio que se hizo del reportage en el TN Migdia)

¡¡¡¡Mil y una disculpas!!!!

2010-07-01T19:03:00.002+02:00

Mil disculpas por todo este tiempo de ausencia. Han sido muchos los motivos por los cuales he estado desaparecida del mundo blogger: universidad, trabajo, carné de conducir y vida personal.
Se que he dejado esto más que olvidado y no sabéis como me sabe de mal.
Os anuncio que este lunes termino los exámenes y luego tendré todo el tiempo del mundo para volver a estar por aquí, al menos estaré más tranquila y me podré combinar el estudio para septiembre con todo lo demás.
Así que de nuevo mil disculpas y en principio nos volvemos a encontrar por aquí y por Fotograma de Celuloide la semana que viene.
1 besazo enorme a todos y gracias por vuestra paciencia.
Glo

Mini cronica The Cramberries en concierto

2010-03-15T18:06:00.001+01:00

Como ya os conté en la última entrada del blog, el sábado estuve en el concierto de The Cramberries en el Palau Olímpic de Badalona.

¿Qué decir del concierto? ¡Fue una pasada! Empezó puntual a las 22.00h y su durada fue de 1.30h. En todo este rato se pudieron escuchar los mejores exitos de la banda irlandesa y de su cantante Dolores O'riordan (de sus dos trabajos en solitario).
El Palau Olímpic estaba lleno hasta los topes y el público se mostraba más que entregado a la hora de cantar y corear los éxitos de la banda.
Personalmente me sorprendió/impresionó muchísimo la voz de Dolores. Estas voces tan peculiares dan como un cierto “miedo” escucharlas en directo porque suelen defraudar pero no es el caso, sinceramente es impresionante.
Os dejo algunas fotos que pude hacer durante el espectáculo, ¡espero que os gusten!
(Por cierto si tenéis la oportunidad de verlos en esta nueva gira, no os los perdáis porque acabaréis encantados)

Mañana... The Cramberries en concierto

2010-03-12T11:56:00.000+01:00

Mañana por la noche asistiré al concierto que da The Cramberries en el Pavelló Olímpic de Badalona.

Hace mucho tiempo que no voy a un concierto de este tipo (y creo que de un grupo extranjero será el primero que vea porque siempre he asistido a conciertos de grupos nacionales.)

Tengo muchas ganas de poderlos ver en directo y como no cantar algunas de la canciones que me sé.

Intentaré hacer crónica post concierto.

Os dejo el video de una de sus canciones que me encanta.

¡Feliz fin de semana!

Andy Warhol y la Serigrafia

2010-03-11T12:23:00.001+01:00

Hace unos dias colgué una arte de un trabajo que realicé para la asignatura "Art de la II Postguerra". En aquella ocasión compratí con vosotros la biografía del magnífico pintor, simepre bajo mi punto de vista, Any Warhol. Hoy me gustaría compartir con vosotros la parte del trabajo donde hablaba de su metodo de trabajo, la sergrafía.

Antes de nada me gustaría disculparme porque el extracto esta en catalan ya qe el trabajo lo realicé en dicha lengua.Siempre podeis utilizar un traductor para poder leer el texto en castellano. Si tenéis cualquier duda, me dejáis un comentario y en cuanto pueda os lo resuelvo.

" “He intentat pintar-los (els quadres amb els bitllets de dolar) a mà, però em sembla més senzill utilitzar un tamís. Així no em fa falta manipular en absolut els meus objectes. Un dels meus assistents, bé, en realitat qualsevol d’ells, pot reproduir un estudi tant bé com jo mateix.”

Andy Warhol

32 Dollar Bills, Andy Warhol, 1981

Amb aquestes paraules l’artista s’excusava a l’hora d’explicar el perquè treballava mitjançant la tècnica de la serigrafia. L’obra d’Andy Warhol, com ja se sap, és molt extensa i en diferents etapes de la seva vida, tal i com s’ha anat esmentat en la biografia del autor, va utilitzar diferents tècniques de creació de les seves obres. Tot i així la tècnica que més va utilitzar i amb la que se’l recorda i se’l identifica és amb la tècnica de la serigrafia.

La serigrafia és un procediment d’estampació planigràfic. No resulta ser una tècnica senzilla però un cop es domina els resultats que es poden obtenir son molt precisos.

Warhol en el seu llibre Popism. The Warhol Sixties, els diaris d’Andy Warhol on explica el fenomen del Pop Art a New York en els anys 60, explica d’una manera molt despreocupada com es el procés de creació d’imatges a través de la serigrafia: “Operant amb la serigrafia, prens una fotografia, l’amplies, la passés al sedàs amb vernís i apliques llavors el color, que traspassa el sedàs però no el vernís. Així sempre obtens la mateixa composició, cada vegada amb petites diferències. Era tot tant senzill... jo estava entusiasmat amb allò.”

Però la realitat era que no resultava ser tant fàcil com ho explicava en Andy, la manera que te d’explicar-nos quin és el procés de creació sembla que ho faci des de un punt de vista modest, restant-li importància al desenvolupament i fent creure que qualsevol que no domini la tècnica ho pugues realitzar quan en realitat és una tècnica més complicat que el que ell explicava en la seva publicació.

Passos per crear una serigrafia

1. Es parteix d’una fotografia i s’amplia el clixé inicial per obtenir al mida desitjada de la que serà posteriorment l’obra. El resultat serà una pel•lícula tramada que permetrà emulsionar a la pantalla.

2. S’envernissa la pantalla de serigrafia amb un producte fotosensible que permeti que la imatge amb la que volem treballar quedi fixada en ella.

3. Es fixa la imatge a al pantalla i s’exposa el conjunt a una llum molt viva durant un temps determinat.

4. Seguidament es neteja la pantalla amb aigua, les zones negres que no han quedat impreses es dissolen i d’aquesta manera les malles de la pantalla queden lliures. Pel contrari les zones blanques queden impressionades en ella i fa que aquesta malla s’endureixi i s’obstrueixi. Aquesta primera imatge que tenim en la pantalla de serigrafia seria el negatiu per les posteriors impressions.

5. A continuació es deixar assecar la plantilla, un cop aquesta estigui seca es col•loca sobre el suport que es vol imprimir, ja pot ser paper com pot ser tela.

6. Un cop damunt del suport s’aplica la tinta desitjada damunt de la pantalla i s’escampa. Amb la ajuda de una paleta es pitja bé la tinta perquè l’imatge traspassi bé les malles que han quedat lliures del teixit.

7. Finalment un cop aixequem la pantalla trobem la imatge en positiu. Aquesta pantalla / clixé es pot fer servir tantes vegades com es desitgi.

Els resultats que podem obtenir amb la tècnica poden ser sempre els mateixos o poden ser totalment diferents depenent de la quantitat de tinta que es fes servir en les diferents impressions. “No hi ha dues Marylin’s iguals” amb aquesta afirmació, Andy Warhol confirma el fet de modificar o fer diferent una d’aquestes imatges a partir de com utilitzava la pantalla en la següent estampació.

Hi ha un gran número d’obres en que Warhol simplement utilitza dos colors, el del suport del paper i el de la tinta que emulsiona sobre la pantalla. Però en altres obres es veuen molts d’altres colors apart d’aquests dos principals. El fet que hi hagi més d’un color al resultat final de la composició comporta que hi hagi tantes planxes com colors hi hagi a la composició final. Per tant l’obra d’art que a simple vista sembla senzilla pren complexitat i valor.

La serigrafia era un procediment ben vist en el món publicitari ja que era una tècnica ràpida per crear cartells però en el món del art i més concretament el de la pintura era tot el contrari.

En l’àmbit de la pintura, tot i estar a mitjans del segle XX, el que encara era ben vist era la pintura al oli sobre tela perquè s’elaborava una obra única que difícilment, per no dir impossible, tingués una altra d‘igual. Per contra amb la serigrafia aquest valor de la unicitat desapareix pel fet de reproduir tantes vegades com sigui la imatge però, tal i com s’ha esmentat anteriorment, això no ha de ser perquè així.

Però això és art?

A partir d’aquest argument, s’han creat molts debats en quant si el que realitzaven els artistes Pop i sobretot Warhol era o no era art.

La gent es plateja aquestes qüestions a partir dels resultats finals, del que es pot veure penjat en una paret d’un museu i seguidament afirmen que allò no és art i no és digne de ser penjat en un espai museístic. Molta d’aquestes persones ataquen al Art Contemporani d’aquesta manera perquè esperen que l’obra els aporti sensorialment un missatge, un sentiment, una història... però en el cas del món contemporani i en el moviment artístic del Pop Art, que es el que ens ocupa en aquest treball, no es així. Sovint amb aquest tipus d’art, el que veiem en la imatge no ens diu res simplement es una imatge que s’ha transformat en una icona i no veiem més enllà. Però, com ja s’ha esmentat, el Pop Art és un art conceptual i el que realment importa és tot el que hi ha al darrera de l’obra: el seu missatge particular, el missatge del moviment, la idea en conjunt de tota l’obra del seu artista, la biografia del autor... si es coneix bon part d’aquesta informació l’obra pren un altre calibre.

En el cas d’Andy Warhol, ja que es el protagonista d’aquest estudi, a més a més de tenir en compte tots aquests factors anteriors relacionat amb la part conceptual de l’obra, també s’ha de tenir en compte el procés de realització. Perquè el resultat final sigui una imatge senzilla no ha de ser també senzill el procediment.

Si deixem a una banda el contingut i ens centrem en la temàtica de les obres d’art del Pop també és un altre aspecte que surt sovint a debat. No s’entén com una llauna de sopa o una caixa de sabó puguin ser les protagonistes d’una obra i siguin admirades per un seguit de persones, ja que són objectes comuns que es poden veure cada dia al supermercat o casa.

Deixant de banda tot el que s’ha comentat amb anterioritat respecte al rerefons de la creació com de la tècnica, el que fa el propi Warhol és descontextualitzar l’objecte i donar-li un altre significat. Es pot entendre aquesta acció amb el pensament de què qualsevol cosa pot ser art, qualsevol objecte per quotidià que sigui aïllant-lo del seu entorn més habitual pot serà admirat d’una altra manera, d’una forma singular i fins i tot podem veure la seva més artística. Per tant, tot el ens rodeja és art el que passa que no sempre som capaços de veure el factor artístic dels elements."

MACBA + DHUB = Sábado de exposiciones en BCN

2010-03-09T16:53:00.002+01:00

El pasado sábado 6 de marzo me decidí hacer algo que hacía mucho tiempo que no realizaba: ir a Barcelona a ver exposiciones. Antes si que, cuando tenia algo más de tiempo, bajaba constantemente a Barcelona, normalmente entre semana porque encontraba a menos gente, y me iba a ver museos o exposiciones de arte sola. Con el paso de los años esto me es imposible ya sea por el ajetreo de la universidad como el ajetreo del trabajo. Finalmente este sábado tenía un hueco y he vuelto a hacerlo. Simplemente fue maravilloso poder dedicar prácticamente todo un día a una de mis grandes pasiones, el arte.

Rodney Graham

John Baldessari

Primero fui al MACBA. Hacía muchos años que no lo visitaba y siempre me decía, un día de estos volverás a ir pero, como comentaba, por una cosa u otra me era imposible.

Iba con la intención de dedicar bastante rato a la exposición permanente la cual recordaba con un montón de obras y algunas de ellas muy interesantes. Mi sorpresa fue que al verla muchas de las obras que recordaba ya no estaban... el motivo no lo sé pero no estaban. Tenia ganas de mirarme por todos los lados una escultura hecha con chocolate y mensajes escritos en tiras de papel, tenia ganas de volver a ver un gran seto de jardín de color blanco creado a partir de soldaditos de plástico mutilados... pero, no ha podido ser.

Visité, además de la exposición permanente, las dos exposiciones temporales. Primero dediqué mi tiempo a la exposición de Rodney Graham titulada "A través del bosc" Personalmente no me acabó de hacer el peso. Había obras bastante interesantes y los montajes de algunas fotos en duratrans (fotos montadas en pantallas de luz) me gustaron mucho pero la exposición en sí no me llenó.

Por el contrario la exposición de John Baldessari titulada "Pura bellesa" me gustó muchísimo. Se trataba una exposición básicamente de arte conceptual. Creo que era la primera vez que veía una de ellas y me dejo sin palabras. Las explicaciones en las cartelas del porque se mostraba la obra de esa manera y no de otra hacía que el espectador lo entendiera todo mejor.

Después de 2 horas en el MACBA fui a ver la exposición "Outumuro LOOKS. Vint anys fotografiant moda" en el DHUB (c/ Montcada, 12) Simplemente excepcional. La cantidad de obras expuesta era muy, muy extensa y la calidad de las fotografías excelente (aunque alguna de ellas al acercarse uno se encontraba con la sorpresa de resoluciones muy bajas o exceso de ruido) pero en general la calidad era muy buena. Este tipo de exposiciones sirven, para todos los que somos amantes de la fotografía y sobretodo del retrato, para coger ideas para trabajos que posteriormente nos gustaría realizar. Os recomiendo al 100% la visita de esta muestra.

Outumuro

Espero que os sirvan estas pequeñas recomendaciones por si tenéis ganas de ir de exposiciones por Barcelona.

El Gran Andy Warhol

2010-02-10T14:51:00.000+01:00

Comenté en un otro post que hice para la universidad un trabajo de Andy Warhol y la serigrafía.

Comparto con vosotros la biografía de este magnífico artista. Siento que la explicación esté en catalán pero como podeis comprender he aprovechado el cuerpo del trabajo.

"Andrew Warhola, o Andy Warhol, va néixer a Pittsburgh (Pennsylvania) el 6 d‘agost del 1928. Provenia d’una família humil d’exiliats eslovacs, primer va marxar als Estats Units el seu pare Andej l’any 1914 i la seva mare Julia va trobar-se amb ell el any 1921, juntament amb els dos germans grans d’Andy els quals van néixer a Eslovàquia. Era el petit de tres germans tot i que abans que ell neixes va morir la única filla que hagués format part de la família Warhola, Justine.

Amb tan sols 8 anys (octbre de 1938) li van detectar la malaltia de Corea de Sydenham, més coneguda com “el ball de san Vito”, aquesta malaltia va provocar problemes en el sistema nerviós fent que no pogués controlar els seus moviments i, a més a més, també va afectar a la pigmentació de la seva pell. Va estar més d’un mes prostrat en un llit, per tant va haver de deixar d’anar a l’escola durant tot aquests atacs. Es va recuperar però amb el temps va torna a tenir diferents episodis de la malaltia, tot i que ell mai va comentar res de forma verbal però si que va deixar-ne constància d’una manera o una altra a les seves obres d’art. Aquesta malaltia va alterar el sentit del tacte d’Andy i va fer que es tornes hiperestèsic, rebutjava qualsevol contacte físic amb la gent.

Tant sols amb l’edat de 13 anys va enfrontar-se a la mort del seu pare. Aquest va estar tres mesos en un llit malalt a per causa de haver begut aigua enverinada. Per Andy va ser un trauma tenir el cos embalsamat del seu pare al pis inferior de casa seva durant tres dies (tal i com marca la tradició catòlica bizantina). Ell no va voler-se acomiadar del cos inert del seu pare però, amb els anys, li fa un petit homenatge en la pel•lícula que ell mateix va gravar “Sleep”(1963) on podem veure durant 5 hores a John Giorno dormint.

Un any abans que es matriculés al Institut de Tecnologia de Carniege, va patir un altre trasbals a la seva vida. Van detectar-li càncer de colon a la seva mare que van haver-la d’operar i col•locar-li una bossa al exterior del seu cos on recollia tots els seus residus. Va ser un altre fet que va marcar molt la carrera de Warhol i va ser un altre punt que es veu reflectit en la seva obra anys desprès.

Un cop va entrar al Carnegie Tech va especialitzar-se en disseny gràfic. Desprès de patir alts i baixos en els seus estudis va aconseguir graduar-se l’any 1949 i seguidament va traslladar-se a New York on va començar una nova vida amb un nou cognom, Warhol en lloc de Warhola.

A la ciutat dels gratacels va començar una nova vida com il•lustrador publicitari i de diferents revistes com er exemple Vogue, Happer’s Bazaar i The New Yorker. Aquestes feines li van permetre tenir una estabilitat econòmica que li va permetre comprar-se una casa i posteriorment va traslladar-se a un apartament on poc desprès, en el 1952, la seva mare aniria a viure amb ell i 20 gats que tenia com a mascotes. Es en aquesta època que presenta la seva primera exposició individual a la Hugo Gallery de New York, la exposició constava de 15 dibuixos inspirats en Truman Capote el qual va ser amic del artista durant molt de temps.

Va ser l’any 1953 quan va començar a tenir problemes de calvície i va ser quan va adquirir la seva primera perruca, va ser també aquest any quan a passar pel quiròfan a realitzar-se una operació de cirurgia plàstica, concretament una rinoplàstia, però els resultats no va ser els que ell esperava. En aquest mateix any va conèixer a Alfred Carlton Willer, el qual va ser parella sentimental de Warhol. Cal dir que en Andy mai va tenir una parella estable, sempre acabaven malament les seves relacions.

Comença a treballar amb la tècnica del Blotted Line, era una tècnica que es feia servir molt sovint en el món publicitari i que ell ja la coneixia anteriorment pel seu pas per l’escola. Warhol es servia dels seus amics més pròxims perquè l’ajudessin a la creació de les seves obres, sobretot per donar-li color. Celebra a casa seva el que es coneixia com les “coloring party” i era quan es duien a terme aquestes accion. Durant els anys 60 el seu assistent, en la majoria de les seves obres serigrafiades, va ser en Gerard Marlanga.

A finals d’aquesta dècada fa cas del seu administrador i crea la companyia Andy Warhol Enterprises i amb aquest fet passa de ser només artista a ser també empresari amb una marca. També es en aquest moment quan en Jasper John fa la seva primera exposició de Pop Art i Andy se’n adona que aquest tipus d’art s’ajusta perfectament al que ell realitza i pot obrir-li moltes portes.

En la dècada dels anys 60 passa de ser un il•lustrador comercial a ser un artista d’èxit en el panorama artístic americà. En el 1963 funda The Factory (1963 – 1968), el seu estudi, tot ell folrat en paper d’alumini, on crearà les seves obres i on es reunirà amb les celebritats del moment, la majoria d’elles del món Underground. A més a més de crear allà la seves serigrafies i litografies, rodava les seves pel•lícules i celebrava les estes més escandaloses de New York.

Va començar a crear les seves obres “en sèrie” i va ser amb aquest aspecte que va revolucionar al cultura pop americana. En el 1962 es va realitzar en el MOMA de New York un simpòsium sobre el Pop Art. En ell, la crítica no accepta tot allò que feia en Warhol ho veia com un escàndol. En les conclusions del seminari es va demostrar que l’art i els cercles artístics estaven canviant i molta culpa la tenia en Andy Warhol.

S’inaugura en el 1964 l’exposició The american Supermarket en la Paul Bianchinni Gallery de l’Upper East Side de Manhattan. Exposa junt a altres artistes Pop on es recrea el típic supermercat americà. Va ser aquí on va veure per primera vegada la llum i la va poder contemplar el públic una de les seves ores més famoses, la llauna de la sopa Campbell.

No només es va centrar la seva carrera artística en la pintura, la escultura i el cinema si no que també va treballar en el camp de la música. En el any 1965 va conèixer el grup The Velvet Underground liderat per Lou Reed. Amb qüestió de molt poc temps es va convertir en el manager del grup i va unir al grup una amiga seva. En el 1967 va produir-lis un àlbum que va ser titulat The Velvet Underground and Nico: Andy Warhol.

També per aquest mateix moment funda la revisa Interview.

Un altre succés tràgic secceseja a la vida de l’Andy Warhol. El 3 de juny 1968 Valerie Solanas, dramaturga feminista i membre de la Factory va disparar-lo fins a 6 vegades en el pit i a diversos llocs del seu cos juntament amb el crític d’art Mario Amaya, aquest últim va tenir ferides lleus i va ser donat d’alta a les poques hores però en el cas de Warhol va ser més greu, el van haver d’operar d’urgència durant 6 hores a cor obert. La raó de l’atemptat va ser perquè Valerie Solanas havia estat expulsada de la Factory després de haver reclamat un guió que ella mateixa havia escrit i a Warhol se li havia traspaperat. A la mateixa Solanas la podem veure en un film gravat amb anterioritat titulat: I, Am Man (1968).

Com es de suposar, després de tal incident l’artista va quedar força traumatitzat per la resta de la seva vida i fa que molta de la seva obra tingui reminiscències en aquest fatal succés. També cal citar que després de tot això el accés a la Factory va ser controlat fins al més mínim detall. Es podria dir que la Factory dels anys 60, tal i com era a principi de dècada, va arribar a la seva fi.

Amb els anys es va crear un film que explica tal fet. Va ser titulat I shot Andy Warhol.

Els anys 70 van ser un anys molt controvertits. Va ser la poca més tranquil•la de Warhol però a la vegada la més prolífica i emprenedora. Va fer els retrats dels artistes i empresaris del moment, dels seu amics, dels clients habituals de la discoteca Studio 54 i també va ser contractat per empreses automobilístiques per realitzar dissenys exclusius pels seus cotxes de competició. És en aquesta època que crea la sèrie de serigrafies de Marylin Monroe i comença a crear les seves “Capsules del temps”, capses de cartró on guardava objectes quotidians, va arribar a tenir-ne 610 i les va començar a crear a l’any 1974.

L’any 1979 va exposar per primera vegada en el Whitney Museum de New York la seva sèrie de retrats Portraits of Seventies.

També va publicar en el 1975 el seu primer llibre The Philosophy of Andy Warhol. En ela publicació explica les seves teories sobre l’art i sobre el seu punt de vista de la vida.

En la seva ultima etapa de la seva vida, els anys 80, Warhol ja era consolidat totalment com artista. Els sectors més crítics l’anomenaven “l’artista dels negocis” per la seva facilitat de convertir tot el que tocava en una gran suma de diners.

En aquests últims anys no va deixar de treballar, el 1981 va crear un sèrie de dibuixos partint de la base de pintures del Renaixement i de autors tant destacables com Botticelli o Leonardo da Vinci.

Va ser en aquests anys que va tenir contacte amb la cultura espanyola. Realitza pel cantant Miguel Bosé l’any 1983 la portada del seu àlbum Made in Spain que posteriorment també utilitza per l’àlbum Milano-Madrid. Warhol també visita Madrid i coneix a Pedro Almodóvar entre d’altres personalitats.

L’any 1986 pinta el que serien les seves últimes obres, bàsicament retrats i autoretrats.

Warhol ens va deixar un 22 de febrer de 1987 amb tan sols 57 anys. Va ser operat de vesícula que va superar molt bé però mentre descansava va tenir un atac de cor en el va ser impossible de reanimar.

Es va enviar el cos, pels seus germans, a Pittsburg on va rebre sepultura al costat dels seus pares. Fins i tot, un cop mort, les seves excentricitats eren presents. Va ser enterrat en un taüt de bronze massís amb adorns daurats i suports blancs. Van vestir el cos de Warhol amb un vestit negre de caixmir, amb una corbata estampada, amb la seva perruca platejada i les seves inseparables ulleres de sol. A les mans duia una rosa vermella i un breviari.

El testament del artista deixava tot el que tenia al seus familiars i volia que amb els que els deixava es crees una fundació dedicada al “avenç de les arts visuals”. Després de subhastar els seus bens personals es va crear la fundació tal i com havia deixat escrit el artista aquesta rep el nom de Andy Warhol Fondation for the Visual Arts.

“Tot el món ha de tenir els seus 15 minuts de fama” era una frase que li agradava repetir i ell sense cap mena de dubte els va tenir. "

¡¡NUEVO BLOG!!

2010-02-04T23:53:00.002+01:00

Hola de nuevo!

¡¡Os comunico que ha nacido un nuevo blog!!

Al final me he decidido en crear un nuevo blog eso si dedicado única y exclusivamente al mundo del cine. Tengo ganas de empezar con él porque como ya sabéis me encanta este mundo.

Así que por aquí difícilmente volveréis a leer otro artículo de cine pero ya os iré anunciando en un post cuando actualice el nuevo blog, de esta forma también dejo constancia por aquí del tema que trato.

Espero que todos los que paséis por ahí os guste y como no estáis invitados a hacer los comentarios que queráis.

Adios al mes de enero!! (Por fin!!)

2010-02-03T11:46:00.008+01:00

Hola a todos!

Como digo, por fin nos despedimos del mes de enero. Os prometí en el post anterior que actualizaría mucho más amenudo pero... una no recordaba que los examenes los tenía a la vuelta de la esquina así que lo de actualizar no ha sido posible en este mes pasado.

Repaso del mes de enero:

Ya os comenté que asistiría a la presentación del último libro de Joan Minguet sobre Segundo de Chomón en la Filmoteca de Catalunya. ¿Qué decir de la presentación? Fue muy bueno poder ir descubrir algunos entresijos del contenido del libro. Y por lo que hace al reportage de Dolors Genovès... ¡¡¡Una maravilla!!! En una hora se pudo hacer un recorrido tanto a la vida de Chomón como del cine de atracciones.

Comentaros también que este mes de enero realizamos con unas compañeras de clase en la asignatura "Fonts per la historia de l'art modern i contemporani" (Fuentes para la historia del arte moderno y contemporaneo) una exposición oral sobre el trabajo que realizabamos para la asignatura. El trabajo trata del estado de la cuestión de la pelicual de Luis Buñuel, Un Chien Andalou. La exposicion oral la dividimos en varias partes, la primera explicando el porque habíamos escogido ese tema, ese director y esa pelicula, el segundo dedicado a Buñuel y a su film explicando un poco la biografia y el argumento y finalmente el último punto de la exposición fue hablar un poco de las fuentes consultadas. Los nervios estuvieron presentes durante toda la explicación pero aun y así salimos con un muy buen sabor de boca.

Siguiendo en el mundo universitario, también realicé un trabajo para la asignatura "Arte de la segunda postguerra" un estudio dedicado a Andy Warhol y a la tecnica de la serigrafia. Reciclaré alguna parte del trabajo para compartirla con vosotros, así podreis conocer un poquito más de él y como no de su metodo de trabajo.

Seguidamente llegaron los examenes así que pocas novedades hubieron al empezar con el estudio... bueno... algo sí, visioné la pelicula Bagdad Cafe. También os haré una nueva crítica
sobre lo que me pareció la película.

Estoy viendo con claridad que debo crear un nuevo blog dedicado al mundo del cine... de esta forma tendré todo lo relacionado con el mundo cinematográfico en un solo lugar... Proximamente noticias de cuando esté creado este espacio.

Ahora si que ya tengo un camino libre delante de mi, así que las actualizaciones seran más frecuentes.

¡¡Hasta pronto!!

Poti poti para empezar el 2010

2010-01-11T10:50:00.004+01:00

¡¡ Hola a tod@s!!

Antes de nada mil disculpas por haber estado desaparecida dutante tantísimo tiempo... Entre una cosa y otra se me ha hecho imposible dedicarme al blog, así que nada.... año nuevo vida nueva en el blog. Intentaré ir actualizando con frecuencia e iros informando, como anteriormente hacía, de actos, exposiciones y como no mis visiones del arte y sus derivados.

Este post es un poco miscelánea desde la última vez que escribí, que si no recuerdo mal fue el post dedicado a Stieg Larsson y la adaptación de la novela "Millenium I" al mundo del cine. No han pasado demasiadas cosas desde entondes pero aun y así os hago un resumen. el proyecto del libro sigue para delante, simplemente tengo que hablar con la persona en concreto apra empezar a hacer las entrevistas, ya os iré informando de como va el proceso; el proyecto de mi exposición de fotos este mes de enero, si no pasa nada, empezará a rodar. Comenzaré con las sesiones de fotos tanto a mis modelos como los autoretratos, ¡por fin encontre un hilo conductor que em gustaba! Ahora ya con el porfolio de la exposicon medio hecho me atrevo a materializar todo lo escrito; en este tiepo he ido adquiriendo nuevos libros tanto de arte como de cine, en breve os haré un review de ellos; también tengo varias películas nuevas y varias visionadas también os debo articulos explicando lo que me han parecido aunque no se si lo hare en este blog poruqe llebo tiempo pensando en crear un nuevo blog solo dedicado al mundo cinematográfico... aun esta por ver que hago. tema universidad, como sabeis ya empecé el nuevo curso con un montón de créditos, mis espectativas del 2010 es parovarlo todo e ir liquidando cosillas, ya os iré explicando las cositas que vamos tratando.

Creo que el momento "remember" ya lo he terminado... ¡pasamos al 2010!

Primeramente me gustaría desearos un muy feliz año y espero que todos vuestros propósitos se lleven a cabo. Mi inicio de año no ha estado nada mal, de moemnto todo muy tranquilo aunque ya se sabe que a la mínima se gira la tortilla y se alborota.

Me gustaría haceros un pequeño resumen de las cosillas relacionadas con el arte que me han regalado para reyes:

Pack "80 aniversario de Audrey Hepburn - Edición especial limitada Sombrerera"
Pack "Colección Alfred Hitchcock - Edición limitada cofre metálico"
DVD "El curioso caso de Benjamin Button" de David Ficher
Libro: "Momentos clave de 100 años de cine" Editorial Blume
Series: 5a temporada completa de Grey's Anatomy (se que en el panorama artístico pinta poco pero la incluyo porque la clasifico dentro del mundo del DVD)
CD: Vetusta Morla, "Un día en el mundo"
Peluche: Claude Monet

Diría que no me dejo nada. De los packs de pelis ya iré comentadno las que vaya viendo, de momento ya tengo tres visionadas... ¡eso significa que se me acomula el trabajo! jejeje

Siguiendo con este artículo un poco caotico, os informo que hoy se hace la presentación del último libro de Joan Maria Minguet en la Filmoteca de Catalunya. El titulo del libro es "Segundo de Chomón. el cinema de la fascinació" Como no, iré a la presentación del libro ya que el autor, exprofesor y amigo me invitó al evento. En cuanto pueda os hago una cronica del acto que además de la presentación de la publicación se proyectará la película de Dolors Genovès "Chomón" la cual tengo unas ganas terribles de ver.

Y ya para terminar, quiero compartir con vosotros este video de Youtube. Se trata del trabajo de una artista neoyorquina llamada Lena Gieseke. ella es experta en el dominio de la infografía digital. Su proyecto ha sido darle cuerpo y volumen a las figuras de uno de los cuadros más importantes de la historia del arte español e internacional, el Guernika de Pablo Picasso. Una tecnica muy interesante que nos da una visitón totalmente diferente de la obra de arte que estamos aciostumbrados a ver. Espero que os guste.

Hasta aquí el post de hoy. Como veis ha sido muy largo pero debía hacerlo de esta forma para crear un puente entre el 2009 y el 2010.

Nos vemos pronto por estos mundos, y como no... ¡gracias por pasaros por aquí!

Millenium I - Del papel al celuloide

2009-11-11T16:34:00.005+01:00

Hace un tiempo que ya dediqué un post a la adaptación de novelas en el mundo del cine. En él comentaba lo complicado que suele ser para los guionistas de cine adaptar una novela a la gran pantalla y sobretodo que partes seleccionar para ser mostradas al espectador.

Hoy me gustaría hablaros de otra adaptación literaria al mundo cinematográfico. Esta vez no solo me ceñiré en hablar de los factores que se llevan a cabo para la adaptación sino que hablaré de de la obra literaria y de la película por separado y luego buscaré los puntos de unión y los que no aparecen reflejados en el film.

Ayer por la noche visioné, por fin, la adaptación a la gran pantalla del Best Seller “Los hombres que no amaban a las mujeres - Millenium I”. Tenía muchísimas ganas de verla porque el libro, y la saga entera, me fascinó y me enganchó desde su inicio a su fin. A la vez me daba algo de reparo verla. Sabemos que nunca las adaptaciones son buenas o cuentan la historia como puede ser más vendible.

¿Qué decir de la saga de libros? Pues simplemente que son una maravilla. Al comprarme la primera parte iba con algo de miedo por si no me agradaba el tema o la historia que se contaba en él. Pero… fue todo lo contrario. En menos de una semana me había leído el primero y el segundo lo terminé una semana más tarde, así que en un periodo de 15 días me leí las dos primeras partes. La espera a la salida al mercado del tercer volumen se hizo eterna porque el final de la 2ª parte es de los finales más abiertos que he leído jamás. La durada del tercer volumen también fue de una semana y media. Es un tipo de literatura que engancha, son de aquellos libros que no puedes dejar y aunque se te caigan los parpados por la invasión del sueño a altas horas de la madrugada siempre acabas diciendo “Me termino el capitulo y apago la luz.”
De los tres volúmenes me quedo con el segundo. La historia es mucho más tensa con mucha más acción y con un encadenado de causas y efectos impresionantes. (No quiero desvelar detalles por si alguien aun no ha disfrutado de la lectura).
Finalmente me gustaría destacar en la parte literaria el personaje de la gran Lisbeth Salander. Personalmente, es uno de los mejores personajes de ficción creados jamás. Una mujer con las ideas claras y con un pasado más que turbulento al que sale adelante colocando a todo el mundo de su pasado en el lugar donde debe estar.

Respecto a la película decir que la adaptación de las partes es buena. Los detalles mostrados en la película se reproducen al 100% en la gran pantalla, simplemente el detalle de la casita que se aloja Michael Blomvisk en Hedestad es tal y como yo la tenia en mente mientras leía el libro. Pero como no, hay puntos entre comillas decepcionantes. Sabemos que adaptar un libro de casi 800 páginas al cine es complicado porque muchos detalles, muchas historias que pueden parecer de segundo rango no aparecen (pero una vez lees la saga ves que son cruciales para el final de la trama). También me ha parecido en un momento de la película que se “saltan” el orden de la trama, tampoco estoy demasiado segura porque hace ya muchos meses que me leí el libro así que no lo puedo afirmar con totalidad. El reparto de los actores también es muy bueno. Siempre tenemos en mente al atractivo periodista cincuentón y a una exuberante Erika Berger en al mente y una vez los ves dices “¡Ui! Creo que no son los mismos que yo había imaginado” pero si afirmar que el personaje de Lisbeth es tal y como la imaginaba. Dieron en el clavo en el casting de Noomi Rapace porque físicamente reúne todos los rasgos característicos de la heroína de papel. (Claro está que vestuario y maquilladores en este personaje se les debe dar un 10)

Bajo mi humilde punto de vista os recomiendo leer la novela. Siempre se recomienda pero en este caso aun más por el hecho de dejarse miles de detalles en la manga y realmente Millenium se disfruta leyéndolo. Si habéis visto ya la película también os recomiendo la lectura. Como digo la película es un resumen de las partes más importantes del libro pero leyéndolo se pueden entender muchas de las cosas que quedan en el aire en el film.

Me queda por ver la segunda parte “La chica que soñaba con una cerilla y un bidón de gasolina” una vez vista sin duda alguna os haré mi humilde critica. A ésta si que iré a verla fijándome en todo porque, ya he dicho anteriormente, para mi es el mejor de los tres libros, eso me puede llevar a tener una gran decepción pero… me arriesgaré.

"Dies Irae" Carl Theodor Dreyer (1944)

2009-11-02T16:53:00.004+01:00

Hacía tiempo que tenía pendiente una sesión de cine con Dreyer. El cine que realiza es denso dentro de su simplicidad así que se tiene que estar prevenido a lo que se va a visualizar.

El sábado me decidí a ver Dies Irae, como digo al tenía pendiente desde hacía tiempo (Igual que Orden y Gertrud, que siguen a la espera de una sesión.) me conciencié a lo que iba a ver y… “¡Luces, cámara y acción!”

¿Que decir de la película? Es una obra maestra que debe verse una vez a la vida. Dejo una pequeña sinopsis que he encontrado por Internet para situar a todos aquellos que no han visto la película:

“Marta de Herlof es acusada de brujería y condenada a la hoguera. Acude en busca de ayuda a casa del Pastor de la Iglesia, Absalon, para que la salve de la misma manera que salvó a la madre de su joven y actual esposa Anna. Este se niega y Marta le amenaza con denunciar el hecho pues, según la ley, la hija de una bruja también debe morir en la hoguera.”

Si alguien ha visto alguna película de este gran director verá que sigue sus características típicas de toda su producción: Simbolismos por doquier en las escenas (en Dies Irae se ve una gran cantidad de cruces en formas de sombras en los fondos de las escenas, y una muy clara tanto en el encabezado como en el fin de la película, las cuales nos hacen pensar en como puede acabar todo); grandes silencios creando más tensión en las escenas; planos cortos muy interesantes donde se pueden ver realmente los personajes como son (no son tan cortos como en su película Juana de Arco pero se le asemejan); su falta de maquillaje en todos los actores (es un punto que me gusta de Dreyer no disfraza a sus actores con algo que no son o quieren aparentar ser) son lo que se ve; los movimientos de cámara también delatan al director, algunos planos fijos, planos (algunos) bastante generales pero todos con escaso movimiento que hacen que el ritmo del film sea más lento; y para finalizar la escenografía sigue siendo austera y fría como se ve también en Juana de Arco.

Como no os al recomiendo que la veáis. Eso si, advertiros que no esperéis ver una película con un ritmo rápido y amena (de esas que son duras pero que el tiempo pasa volando como por ejemplo “El niño con el pijama de rallas” o “Philadelphia” -se que son ejemplos bastante alejados temporalmente al film que hablo en el articulo pero pueden servir de referencia-) sino que es una película lenta, seca, amarga y complicada. Soy consciente que todos estos adjetivos hacen tirar para atrás a cualquiera pero no tengo que decir una cosa por otra y luego os encontráis con la realidad.

Como he dicho en el inicio tengo pendiente aun Orden y Gertrud así que una vez las visualice ya os haré una pequeña mención en el blog.

Una llamada con buenas noticias

2009-10-23T17:23:00.002+02:00

El otro día recibí una llamada que me hizo muchísima ilusión atender.

Mi interlocutora era Isabel Marín, responsable del Archivo Biblioteca del Real Cercle Artístic de Barcelona. Si recordáis en entradas anteriores e incluso en mi blog de las prácticas de museologia (http://aventurasdeunaestudianteenpracticas.blogspot.com) ya había hablado de ella ya que fue quien me hizo el seguimiento de mis días en la entidad.

La llamada era para invitarme, ayer jueves, a la presentación del nuevo boletín del RCA. Querían que estuviera presente porque les hacía ilusión que compartiera ese momento con ellos y además porque aparecía mi nombre en la publicación como colaboración en el montaje de una exposición y además volvía aparecer en los créditos porque utilizaron unas fotografías que realicé en su día en una exposición.

Fue una muy buena sorpresa/noticia. Me hace ilusión que mi nombre aparezca en esta publicación ya que no solo llega a los socios de la entidad sino que lo reciben más agrupaciones, asociaciones y entidades culturales de la ciudad de Barcelona. Desgraciadamente no pude asistir a tal evento por motivos laborales pero me guardan un ejemplar.

Cuando lo publiquen en la página Web ya colgaré el enlace para que podáis verlo.

¡¡Retomando la actividad!!

2009-09-21T23:00:00.002+02:00

¡Hola a tod@s!

Sé que he estado mucho tiempo sin colgar nada pero vuelvo a la carga.
De nuevo el curso empieza en el blog, seguiré la tónica que hasta ahora he ido llevando a cabo: artículos de arte, mis visiones sobre este mundo desde un punto de vista personal y como no seguiré con la saga de “Las mujeres y el Arte”.

Si no pasa nada también seréis testigos presenciales de una cosita que tengo en mente y quiero llevar a cabo sí o sí a lo largo del curso que depara. Eso sí… no os desvelo nada porque quiero que sea sorpresa.

Por lo que hace al verano deciros que ha ido genial.

El primer destino, la semanita por el sur de Francia, fue fantástico. He podido visitar rincones de ensueño con un trasfondo histórico más que importante… Carcassonne parece ser sacado de un cuento de hadas; Colliure las huellas de la república están en cada esquina y emociona poder rendir homenaje visitando la tumba de Machado; de Elna emociona poder ver la sede de la Maternidad Suiza creada por Elisabeth Eidenbenz donde se acogieron tantas mujeres en peligro durante la guerra y en donde pudieron dar a luz a sus hijos… a todo esto se debe añadir la mejor compañía para descubrir estos parajes, sin él no hubiera sido para nada igual.

Mi segundo destino, el Interrail por Austria, que decir de él… ha sido la mejor experiencia que he vivido nunca… el hecho de poder recorrer todo un país en tren en 10 días es una maravilla. He descubierto lugares preciosos; he paseado por centros históricos con tanto encanto que parecía que estuviera soñando; me he reído con mi compañera de viaje lo que no está escrito y sobretodo nos hemos organizado de una manera espectacular haciendo que todo lo que estaba previsto ver (ver ruta en http://vamosparaaustria.blogspot.com/) se realizara de arriba abajo. Tengo algunas de las fotos (a medida que vaya pudiendo las iré retocando y subiendo en flickr) están colgadas en mi galería si os apetece verlas ¡estáis invitad@s! http://www.flickr.com/photos/gloribas/sets/72157622193539636/show/

Como veis el post de hoy es un poco, por no decir total, Off Topic pero tenía que hacerlo así… al menos podéis ver que estoy bien ;)

Sin más dilataciones me despido con un besazo enorme para tod@s y como no… ¡nos vamos leyendo!

Cerrado por vacaciones!!!

2009-08-07T10:55:00.002+02:00

Pues lo dicho... cierro el chiringuito por vacaciones... ¿mis planes? Del 13 al 16 me voy hacia la zona de Carcassonne, Colliure, Elna, Ceret... vamos el sur de Francia. Y luego la GRAN escapada... del 19 al 28 estaré de interrail por Austria.

A la vuelta cronica completa de estos dias!

1 beso muy fuerte a todos los que seguís el blog (y mil gracias por leerme)

FELICES VACACIONES!

Las Mujeres y el Arte: Gerda Taro

2009-07-27T17:27:00.005+02:00

Ayer por la mañana pude disfrutar de la exposición de fotos en el MNAC de Robert Capa y Gerda Taro bajo el titulo “Això és la Guerra!”. La Exposición nos mostraba de forma diferenciada los trabajos realizados por Capa y Taro durante varios conflictos bélicos entre ellos sus famosas fotos de la Guerra Civil Española.

Realmente la exposición se lleva su interés la parte de Capa ya que como fotógrafo de guerra era de los más importantes a finales de los años treinta pero sorprendentemente me sorprendió la figura de Gerda Taro.
Las fotos de Robert Capa las podríamos clasificar como fotoperiodismo. Él, básicamente, se centró en fotografiar las acciones que llevaban a cabo el bando republicano en el campo de batalla pero por el contrario Gerda se dedico a buscar la vida en el campo de batalla, como era un día a día en él y como vivían y como eran los milicianos y milicianas republicanos.

Sinceramente me gustó muchísimo más la forma de ver tras el visor de Gerda que no de Robert. Sus instantáneas tienen un fondo, un sentimiento, una historia que tan sólo verlas nos imaginamos en la mente. Nos imaginamos los diálogos entre las milicianas en el campo de batalla; nos imaginamos lo que le pasa por la mente al niño huérfano tomándose un plato de sopa; nos imaginamos la historia amorosa entre una pareja de milicianos sonriendo sentados en unas sillas en un momento de descanso; nos imaginamos la sensación de entrar en una sala de reconocimiento de cadáveres con los civiles tumbados en sus lechos… Son imágenes duras, muy duras pero reales. Ella supo captar todas estas historias con encuadres simples, composiciones limpias y con una verosimilitud que hace que el espectador se estremezca ante ellas.

Biografia

Gerda Taro se llamaba en realidad Gerta Pohorylle, y era hija de judíos polacos. A pesar de sus orígenes burgueses, desde muy joven entró a formar parte de movimientos socialistas y obreros. Por eso con la llegada de los nazis al poder, y tras haber sufrido una detención, decidió huir con una amiga a París.

En París conoció por casualidad a Andre Friedman, un judío húngaro que intentaba ganarse la vida como fotógrafo. Gerda y Andre se hicieron novios, y Andre le enseñó a Gerda sus conocimientos de fotografía.

Como no les iban bien las cosas, y no recibían trabajo, se les ocurrió una curiosa idea. Inventarían un personaje llamado Robert Capa, que supuestamente era un reputado fotógrafo llegado de Estados Unidos para trabajar en Europa. Como es tan famoso, vende sus fotos a través de sus representantes: Friedman y Pohorylle, al triple del precio que un fotógrafo francés. Este truco funciona perfectamente y al poco tiempo reciben montones de encargos y por fin ganan dinero.

En 1936 da comienzo la Guerra Civil Española, que marcaría decisivamente a ambos. Se trasladan a España para cubrir el conflicto. Fueron testigos de diferentes episodios de la guerra, y realizaban reportajes que luego eran publicados en revistas como "Regards" o "Vu".

Al principio la marca "Capa" era utilizada indistintamente por ambos. Luego se produjo cierto distanciamiento entre ellos y Andre Friedman se quedó con el nombre de "Robert Capa".

Del trabajo de Gerda en solitario su reportaje más importante fue el de la primera fase de la batalla de Brunete. Gerda fue testigo del triunfo republicano en esta primera fase de la batalla. Este reportaje fue publicado en "Regards" el 22 de julio de 1937 y dio a Gerda un gran prestigio.

Sin embargo poco después las tropas franquistas iniciarían un feroz contraataque, y Gerda decidió volver al frente de batalla en Brunete. Allí Gerda fue testigo de los salvajes bombardeos de la aviación del bando nacional, y realizó muchas fotografías, poniendo en riesgo su vida. En aquel infierno murieron miles de republicanos y finalizó en derrota.

Gerda Taro perdió la vida en un accidente durante el repliegue del ejército republicano. Gerda se subió al estribo del coche del General Walter (miembro de las Brigadas Internacionales). En un momento dado, unos aviones enemigos volando a baja altura hicieron que cundiera el pánico en el convoy y Gerda cayó al suelo, tras una pequeña elevación del terreno. En ese momento un tanque republicano entró marcha atrás al camino saltando la elevación tras la que se encontraba Taro y cayendo sobre ella. La cadena del carro de combate la destripó, por lo que fue trasladada urgentemente al hospital inglés de El Goloso de El Escorial. Allí murió pocas horas después, en la madrugada del 26 de julio de 1937, seis días antes de cumplir 27 años. Su cuerpo fue trasladado a París, donde recibió todos los honores como una heroína republicana.

(Fuente: Wikipedia)

Tras ver la exposición y conocer un poco más la figura de esta fotografa sin lugar a dudas me gustaría poder llegar a ser un poco como ella. Luchar por unos ideales tras un visor y mostrar al mundo la cruda realidad del momento en que vivimos.

Así que en honor a Gerda… Salud y Republica!

Amadeus

2009-07-21T17:06:00.003+02:00

Ayer al llegar del trabajar me senté en el sofá y me puse una película que hacía muchísimo tiempo que no veía, “Amadeus”. Era una de mis películas que quería ver antes de irme a Austria para poder entender un poco mejor la figura del gran compositor.

Me di cuenta que cuando la vi por primera vez que no la entendí al 100% porque no tenia todo el conocimiento necesario sobre la figura y sobre el contexto histórico de la época, ahora al verla ha sido una gozada y el hecho de llegar a lo más profundo del personaje y dejando al margen la gracia que me hacia escuchar su característica risa ha sido totalmente cautivante.

Cierto es que es un film, y como no en los films con base histórica y sobretodo los biográficos siempre hay fallos. Cosas que nunca habían ocurrido o cosas que no se cuentan de la forma exacta que vemos en la pantalla pero sirven en cierto modo de hacernos una pequeña visión de cómo se vivía en la época, de cómo era aquella persona que conocemos solo por su música, de cómo se le trataba en los diferentes círculos sociales etc.

Me voy a atrever hacer una comparación algo peculiar i en cierto modo difícil de entender por la distancia en el tiempo y por las características de cada uno. Al finalizar la película me di cuenta que la figura de Mozart en cierta forma tenia un gran parecido con la figura de Michael Jackson.
Los dos empezaron en la música muy jóvenes; los dos trabajaron como locos para superarse a ellos mismos en sus nuevas creaciones; cosecharon sus mayores éxitos en su carrera; los dos tenían una vida privada llena de excesos (ya le podéis llamar alcohol, en el caso de Mozart, o fármacos, el caso de Jackson); los dos se casaron y formaron una familia; los dos fueron títeres de muchas de las personas que les rodeaban para conseguir y sacar provecho de su talento; y finalmente los dos murieron jóvenes.
La única diferencia que de momento puedo ver entre ellos es que uno fue enterrado en el más mero olvido y soledad en una fosa común del cementerio de San Marx en Viena y el otro recibió un funeral multitudinario en el Staples Center de Los Angeles donde se reunieron miles de fans junto a su familia y amigos y se le homenajeó con sus canciones.
Ya advertí al inicio de este párrafo que la comparación era algo surrealista pero en cierto modo tienen muchos puntos en común los cuales, como digo, me aparecieron en la mente tras ver la película.

Para acabar invito a cualquier amante del cine y de la música a ver este film y adentrarse y conocer un poco mejor a este gran genio de la música clásica. (Siempre teniendo presente que es una película y muchas veces se distorsiona la realidad)

Ficha técnica:
Título Original: Amadeus
Año: 1984
Música: John Strauss
Música no original para la película: Wolfgang Amadeus Mozart, Giovanni Battista Pergolesi, Antonio Salieri
Dirección: Milos Forman
Fotografía: Miroslav Ondricek
Producción: Michael Asuman, Bertil Ohlsson, Saul Zaentz
Género: Musical/Drama
Guión: Peter Shaffer
País: Estados Unidos
Duración: 158 min.
Reparto: F. Murray Abraham (Antonio Salieri), Tom Hulce (Wolfgang Amadeus Mozart), Elizabeth Berridge (Constance Mozart), Simon Callow (Emanuel Schikaneder), Roy Dotrice (Leopold Mozart)

SINOPSIS

La película, que retoma la leyenda vienesa sobre la muerte en el siglo XVIII del genio de la música Wolfgang Amadeus Mozart, se inicia desde un manicomio, en donde el anciano compositor de la corte Salieri (F. Murray Abraham) recuerda lo que ocurrió treinta años antes cuando el joven Mozart (Tom Hulce) empezó a ganar el favor del emperador austriaco José II (Jeffrey Jones).
Salieri no puede entender que Dios pudiera bendecir a un ser tan vulgar e insoportable como Mozart con las dotes divinas de la música y, como es incapaz de competir con el talento del otro, Salieri se sirve de su influencia en la corte para sabotear la carrera de su joven oponente. Tras la máscara de benefactor misterioso, Salieri encarga el complicado "Requiem" que le costará a Mozart la salud, el dinero y la vida.
Entre las muchas perlas de diálogo, la mejor es sin duda la del emperador cuando rechaza una composición de Mozart porque "tiene demasiadas notas". Amadeus ganó 8 Oscar, entre ellos a la Mejor Película, al Mejor Director, al Mejor Guión Adaptado y al Mejor Actor para F. Murray Abraham.

(Fuente: http://www.tecnison.es/Ultimas_Producciones/Amadeus.htm)

Destino vacacional

2009-07-10T10:57:00.007+02:00

Los bañistas de Asnières, George Seurat, 1884

La llegada del verano supone en mucho de los casos que el destino turístico elegido por muchos de los veraneantes sean ciudades donde la cultura y los museos sean su mayor atractivo.

Mi verano está a un mes de su llegada y, como no, mis vacaciones ya están planteadas y como aquel que dice más o menos organizadas. El destino de éste año es Austria. En un principio con mi mejor amiga habíamos hablado de solo ir a Viena pero al ver del tiempo que disponíamos decidimos hacer un ínter raíl por todo el país. Visitaremos las cinco ciudades más importantes e incluso un día nos escapamos de Austria para visitar el país vecino, Eslovaquia, y su capital, Bratislava. La durada del viaje serán 10 días.
Tenemos ganas de sumergirnos en la cultura y las costumbres austriacas aunque sólo sean durante estos días y poder llenar nuestro diario de viaje de muchas experiencias y anécdotas que quedaran en el fondo de nuestra memoria al cabo de los años.

Para la preparación del viaje he creado un nuevo blog http://vamosparaaustria.blogspot.com/ dónde explico todo lo referente a la previa del viaje: los vuelos que hemos escogido, por cuales albergues nos hemos decantado; el planning y las cosas que debemos ver durante el viaje… Os invito a que paséis a verlo y que disfrutéis como yo lo hago con la preparación.

Caminante, son tus huellas

el camino y nada más;

caminante, no hay camino,

se hace camino al andar.

Al andar se hace camino

y al volver la vista atrás

se ve la senda que nunca

se ha de volver a pisar.

Caminante no hay camino

sino estelas en la mar...

Antonio Machado, Proverbios y cantares (XXIX)

Hasta siempre Michael

2009-06-26T13:28:00.002+02:00

Hoy es día triste para los amantes de la música, nos ha dejado el rey del Pop el gran Michael Jackson. Todos conocíamos su cara fabulosa en el mundo de la música y como su otra cara no tan buena en su ámbito personal, pero personalmente una cosa no saca la otra y él era el Rey de la música pop.

Estoy escribiendo estas líneas con la canción de “I’ll be there” de fondo y no puedo evitar emocionarme. Fue ayer por la noche que vía facebook conocí la noticia, sinceramente no quería creer que había muerto, me aferraba a al teoría que permanecía en coma o bien simplemente hospitalizado de urgencia pero una vez que la CNN y Los Ángeles Times confirmaron la noticia mi incredulidad seguía presente. Debo decir que no soy una fan acérrima de Michael pero si que soy seguidora de sus canciones y como amante de la música una amante de sus canciones.
Hoy al despertarme y al escuchar a mi madre darle la noticia a mi hermana creía que lo de ayer era solo un sueño y que solo había pasado tal noticia en mi mente pero me di cuenta que no fue así…

Pensándolo fríamente me veo como los fans de Elvis ante su perdida, sin creerme lo ocurrido. Creo que el mito y la leyenda de Michael podrá llegar a parecer a la del mito de los años 50. Comentándolo con diferentes personas hemos llegado a la conclusión que quedan muy pocos de estos mitos vivos y será muy complicado que nazca en el panorama artístico alguien que pueda crear leyenda como lo han hecho ellos…

Desde aquí mi reconocimiento al gran Michael Jackson. Él nos ha dejado pero siempre nos quedará su música para recordarle. Good bye Micheal.

Todo es arte??

2009-06-17T23:08:00.004+02:00

No hace mucho tiempo que me pasaron este video por correo electronico.

Es muy interesante el "experimeto" que llevó a cabo este programa de televisión. El experimento en sí consistia en colar un cuadro pintado por niños en la feria de ARCO de Madrid. Una vez dentro y expuesto la reportera preguntaba a los diferentes visitantes de la muestra que sentian delante de tal obra y como creian que era su autor. Los comentarios de los visitantes no tienen ni el más minimo desperdicio.

Ante tal video me pregunto ¿Todo es arte? y sobretodo ¿Todo el mundo puede teorizar sobre arte? Sinceramente al ver el video me sentí no decepcionada pero si algo "molesta" al ver que mucha gente puede llegar a hablar de arte como si realmente fuera un tema del que hablar sea fácil y accesible a todos pero en realidad este mundo es muchísimo más complicado de lo que parece.

Espero que isfruteis del video y vosotr@s mism@s podais sacar vuestras conclusiones.

El Buscador de Historias, Tele5

Quiero agradecer desde aquí a Maria Sanchez que fue la persona que me facilitó tal documento gráfico

Las Mujeres y el Arte: Artemisa Genitilleschi

2009-06-04T11:19:00.004+02:00

Artemisa Lomi Gentileschi va néixer a Roma un 8 de juliol de 1593. Filla del pintor toscà Orazio Gentileschi es pot denominar com la primera dona pintora de la història ja que va seguir les passes del seu pare.
Artemisa va començar a pintar en el taller familiar que tenia el seu pare. Orazio tenia una relació d’amistat molt estreta amb Caravaggio i part de la seva obra estava influenciada per ell. Les primeres obres de la jove podem veure una clara tendència a seguir les passes del seu pare pel que fa a tècnica però s’allunyava d’ell en aspectes temàtics.

Va estar sota l’aprenentatge del mestre Agostino Tassi. Aquest va rebre aquesta responsabilitat per part de Orazio ja que tots dos treballaven junts en un projectes i degut que en aquells temps les Escoles de Belles Arts només hi podien estudiar els homes. Tassi va violar a Artemisa el 1612 i li va prometre casar-se amb ella per salvar la seva reputació. Això no es va poder dur a terme perquè Tassi ja restava casat. Orazio no va dubtar en denunciar tal fets al tribunal papal. Aquest tribunal, desprès de la investigació, van condemnat a un any de presó i l’exili dels Estats Pontífexs per altres fets indignes. Tot i així Artemisa va haver de passar un examen ginecològic i una tortura molt cruel per comprovar que la pintora deia la veritat sobre els fets ocorreguts. Es per aquest fet que es considera la primera versió de Judit decapitant a Holofernes de 1612- 1613 com una via d’escap a tota aquella violència que havia patit la jove.
Al cap d’un mes Artemisa va contraure matrimoni amb Pierantonio Stiattesi un modest pintor florentí que va donar-li un estatus amb suficient honorabilitat.

El 1614 el matrimoni es van traslladar cap a Florència. Va ser la primera dona en accedir a la Accademia dell Desegno en el 1616. Allà va entrar en contacte amb altres pintors importants del seu temps com va ser el cas de Crisofano Allori o inclús va aconseguir estar sota el mecenatge del gran duc Cosme II de Medici i la duquessa Cristina.

Es pot entendre que en les diverses obres de Artemisa apareix ella representada com l’heroïna de totes les accions. Era habitual que la persona que encarregava el llenç demanés que apareixes ela representada ja que la seva fama dia darrera dia anava en augment. Es per aquest motiu que ens aventurem a afirmar que en la versió de Judit decapitant a Holofernes de 1620 la protagonista de la acció era la mateixa Artemisa i el rostre de Holofernes el reserva per Tassi on es mostren part dels sentiments que va tenir.

Durant la seva estança a Florència el matrimoni va tenir quatre fills i una filla, Prudenzia, dels quals només la noia va poder arribar a la edat adulta. Tot i passar un període d’esplendor a la capital toscana va haver de marxar d’ella. Els problemes amb els creditors i amb el seu marit van fer que el 1621 tornés a Roma junta amb la seva filla.

Va torna a Rom. Allà va viure amb les seves filles, va tenir una altra filla natural probablement l’any 1627. Tot i tenir unes grans expectatives posades en Roma, no va resultar tan complaent com ella creia, encara que va accedir a la Accademia dei Desiosi. Només se li proposaven encàrrecs de caràcter d’escenes heroïnes bíbliques però no se li confiaven grans cicles de fresos o rics retaules ja que estava vetada per fer tal feina.

Es creu que va abandonar Roma entre els any 1627 i 1630. Va dirigir-se cap al nord, Venècia. Esperava que allà se li poguessin confiar tot el que Roma li havia prohibit.

L’any 1630 va abandonar la ciutat de Venècia i es va traslladar aquest cop cap al sud, Nàpols. En aquells moments Nàpols era una ciutat plena de tallers i amants del món artístic, per tant se li obria al davant una bona oportunitat laboral.

A Nàpols, Artemisa va trobar l’estima i les oportunitats que esperava trobar en el seu moment a Roma. Es en aquesta ciutat on comença a treballar en la catedral creant diferents quadres per la seva decoració.

Va seguir a Nàpols fins al final de la seva carrera tot i que en alguna ocasió va fer una escapada a Londres on es va tornar a retrobar amb el seu pare el 1638 on ell es va convertir en pintor de cort del rei Carles I d’Anglaterra. Apart de la visita al seu pare ella va ser convidada per part del monarca. Orazio morí l’any 1639. Aquesta va haver de fer-se càrrec e tots aquells encàrrecs que tenia contractats el seu pare. A marxar d’Anglaterra sobre l’any 1642 per causa de la Guerra Civil.

Va tornar cap a Nàpols on encara seguia activa amb la seva professió. Se saps que encara es mantenia en actiu l’any 1650 gràcies a una carta escrita dirigida al seu mentor on explicava la feina que duia a terme en aquell moment.

Primerament es va creure que Artemisa morí l’any 1653 però estudis recents ens informen que encara el 1654 acceptava encàrrecs però cada vegada necessitava més l’ajuda del seu assistent. Per tant podem arribar a creure que la data definitiva de la seva mort va ser l’any 1656 per causa de la plaga que hi va haver-hi a Nàpols.

Fou enterrada en l’església de Sant Joan dels Florentins de Nàpols però la seva tomba va ser destruïda desprès de la Segona Guerra Mundial. Desprès de la seva mort la figura de la primera pintora de la història va ser oblidada.

“Les meves obres parlen per mi”

Artemisa Gentileschi

Renovatio Arragonis, gran exito!

2009-05-12T16:39:00.003+02:00

“La recreación histórica es una de las cosas que más enganchan” alguien me dijo esta frase una vez y como no le traté de medio chiflado. Pero ahora mismo puedo afirmar todo lo contrario, la recreación engancha muchísimo.

Como ya comenté en el post anterior este fin de semana pasado llevamos a cabo en Sabadell la primera edición de la Renovatio Arragonis y realmente fue un éxito. Asistió muchísima más gente de la que nos podíamos haber esperado en un inicio (unas 750 personas en todo el fin de semana y unos 200 chavales participaron en los talleres organizados.) A simple vista puede parecer que no sea demasiado público asistente pero para ser el primer acto organizado a gran escala y sobretodo bajo el punto de vista de nuestros 6 meses de vida da mucho que decir.

El sábado empezamos con miedos, nervios y sobretodo con una gran presión para que todo saliera clavado. La respuesta de la gente del primer día fue genial, tanto la del público como los que estábamos de organización. El público se mostraba interesado en los actos propuestos y también sentían interés por la asociación. Los niños se sentían entusiasmados al ver los legionarios de la Legio VIIII haciendo su recreación de batallas, alucinando se quedaron al ver como se realizaba en la época una trepanación y interés al escuchar la explicación de la construcción de una calzada romana como en la Via Augusta en el caso de Sabadell. Así que la frase que más se escuchaba por boca de ellos fue “¡¡Mañana volvemos!!”
Y sí, volvieron. Volvieron ellos y vinieron por primera vez muchísima más gente. Los cuales reaccionaron de la misma forma que la gente que pudo presenciar nuestra recreación el sábado.

A titulo personal acabé las dos jornadas destrozada de cansancio pero de aquel cansancio que vale la pena. Valió la pena ver que la gente sentía interés por lo que estábamos haciendo, por el interés que mostraron hacia la historia antigua, la sonrisa en la cara de los niños al ponerles la túnica… no hay palabras.
Sinceramente, y muchos que me conocen lo saben, no quería vestirme de patricia en un principio pero ahora digo que si no lo hubiera hecho me hubiera arrepentido de por vida. Dejas tu vida del siglo XXI a un lado y pasas de ser Glo a ser Lucrecia, en mi caso, y entras en una dimensión desconocida trasladada unos siglos atrás pero con algunos tics del presente.

Para terminar quisiera hacer una lista de agradecimientos a titulo personal:

* A Francesc, por en su día presentarme el proyecto de Arraona Romana y animarme a formar parte de este sueño.

* A los participantes de las jornadas:

- A los socios de Arraona Romana por la ayuda prestada estos dias y por ayudarnos a hacer este sueño realidad.
- A los miembros de la Asociación Hispania Romana, por colaborar y ayudarnos a montar el sarao que montamos.
- A la Asociación Atenea Promakos, por venir y compartir estas jornadas con nosotros.
- A Olalla García por su conferencia sobre Hypatia de Alejandria, protagonista de su próxima novela y por su apoyo incondicional con la agrupación.
- Sobretodo a los protagonistas de la fiesta al público que nos visitó estos dos dias.

Pasó todo demasiado deprisa pero sin lugar a duda ya estamos pensando en las jornadas del año que viene, que si sale bien lo que tenemos en mente serán realmente… ¡espectaculares!

“Todo pasa y todo queda, pero lo bueno es pasar…”
Joan Manuel Serrat, Cantares

Renovatio Arragonis

2009-05-04T16:14:00.006+02:00

Benvolguts amics i amigues:

Em plau comunicar-vos que l'Associació cultural ARRAONA ROMANA, amb el suport de l'AJUNTAMENT DE SABADELL i amb el patrocini de VIENA, JOIERIA GRAU-LUXOR, MONCUNILL AUDITORS i NORMA CÒMICS SABADELL, està organitzant pels dies 9 i 10 de maig de 2009, coincidint amb l'Aplec de la Salut. unes jornades de reconstrucció històrica de l'època romana que amb el nom de RENOVATIO ARRAGONIS es celebraran al Parc de la Salut (Ctra de Caldes) de Sabadell i que rememoraran el passat romà de la Ciutat.

Les jornades es dividiran en diverses seccions:

Divulgació arqueològica del patrimoni romà de Sabadell.
Recreació de activitats, amb la participació de la LEGIO VIIII HISPANA y ATHENEA PROMAKHOS.
Tallers infantils realitzats per ARMILLUM.
Cuina romana a càrrec del grup SILICERNIA.
Libreria, amb la participació de NORMA CÒMICS SABADELL i LLIBRERIA TÈCNICA

A més a més, i en el marc de les jornades, el dissabte dia 9 de maig a les 19,30 i al Casal Pere Quart (rambla, 69 de Sabadell) em preparat una conferència de l'escriptora d'Alcalá d'Henares OLALLA GARCIA, sobre el personatge històric de la filosofa i científica d'Hypatia de Alejandria

En el blog de l'Associació està el programa complert: http://arraonaromana.blogspot.com

Esteu tots convidats a participar activament en totes les activitats que hem preparat.

Us esperem !!!!

ARRAONA ROMANA

La vista puesta atrás

2009-03-26T18:04:00.002+01:00

Estar varias horas en la sala de reservas de un museo da para pensar mucho sobre temas muy interesantes que a menudo la gente de la calle ni se puede imaginar lo que puede contener un simple cuadro. Los primeros días que pasé en ella estaba como asustada con tanto arte a mí alrededor y además tenía una sensación de miedo o responsabilidad con las telas con las que tenía que trastear para arriba y para abajo. A medida que han pasado las horas de tratar con ellas ya las coges y las trasladas de un lado a otro como si nada. Creo que es la misma sensación cuando nace un niño, la familia los primeros días no sabe como cogerlo, como cambiarle los pañales pero a medida que pasa la convivencia con él todo ya se vuelve como una rutina como una acción normal.

Este articulo no quiero hablar de las formas típicas de cómo conocemos una obra de arte, por al parte frontal, sino que quiero dedicar este articulo al dorso. Este dorso muchísimas de las veces puede ser mucho más interesante que no la parte frontal y realmente es en ella donde la mayoría de las veces los historiadores del arte nos permite indagar sobre el autor y sobre la obra en concreto.

Hay lienzos que desgraciadamente no nos aportan ninguna información, hay telas que una vez llevadas a enmarcar el enmarcados nos ha privado de conocer su historia cubriendo la parte posterior con madera, papel o incluso arrancando etiquetas importantes. Pero por otro lado se conservan las “joyas de la corona”. Estas joyas son las que de un modo u otro encontramos algo en el dorso tanto sean sellos de propiedad de la entidad que tiene patrimonio; como la firma y la fecha del autor; como sellos de exposiciones o como las que tienen incluso un currículo completo del artista. Seguidamente pasaré a detallar cada tipo de dorso.

El primer tipo de dorso que detallo es el dorso que se le puede llamar simple. Este tipo de dorso simplemente podemos encontrar el sello de la entidad que posee la pieza. Suele estamparse el sello de tinta en la tela para asegurarse que con el paso de los años y por si en algún momento la pieza se desmontara del vestidor quede constancia que pertenecía a aquella entidad. Desconozco, aunque puedo arriesgarme a afirmarlo, que si la pieza era adquirida por otro museo o entidad se le volvía a estampar el sello de propiedad de esta forma se podría hacer un seguimiento de los diferentes lugares donde ha pertenecido.
Un segundo tipo podríamos denominarlo con el nombre de datos básicos. En este punto encontraríamos las obras que en su dorso encontramos pintado o escrito los datos básicos de la obra: nombre del autor, fecha de creación, titulo de la obra, lugar donde ha sido pintada. Una muy buena parte de las pinturas están de esta forma. En cierto modo los artistas se aseguraban que quien poseía la pieza tenia conciencia de quien era el autor, cuando y donde la pintó, y como no su titulo. A veces las firmas en las obras son ilegibles y muchas temáticas son indescifrables (sobretodo si se trata de pintura abstracta) así que gracias a los datos posteriores nos puede ayudar a entender un poco mejor todo lo expresado en el frente,
La tercera topología serían los que encontramos la información básica más los sellos de las exposiciones. Como ya se ha contado en el punto anterior de que trata la información básica me centrare a detallar en que consisten los sellos de las exposiciones. Los sellos de las exposiciones son unas pequeñas etiquetas que se pegan al margen del bastidor o incluso en la tela donde se explican en que exposición ha estado expuesta la obra (nombre, lugar, durada) Es interesante encontrarte con alguna pieza que contenga más de uno de estas etiquetas porque se puede reseguir el recorrido establecido por la obra e incluso poder ver que importancia podía haber llegado a tener en la época.
Finalmente, en cuarto lugar, me gustaría comentar es el dorso con currículum. Este tipo de informaciones son muy escasas en los cuadros pero de “de haberlas ailas” Los artistas añadían a la parte posterior de la pieza, además de la información básica y si se daba la ocasión los sellos de las exposiciones, se incluía un pequeño currículo artístico del autor. Se pueden encontrarse pegados a modo de nota breve en los marcos de los vestidores como un pequeño sobrecito adherido a la tela y dentro de él un papel, delicadamente doblado, con todo lo que había realizado el pintor hasta el momento. Incluso he podido ver como, una obra al ser una donación de la viuda del pintor, se encontraba en el sobre una fotocopia de la hoja de la enciclopedia donde se encontraba la biografía de éste y su necrología.

Es sorprendente encontrar todo lo que se encuentra en esta parte oculta de los cuadros. Viendo lo visto me da por pensar que debe haber tras las mayores obras de la pintura… ¿Cuantos sellos de exposiciones pueden tener? ¿Contendrán escrito de puño y letra del autor la información básica? ¿Habrá curriculums para ser posiblemente contratados por alguien que este comisionando una exposición? Seria muy interesante poderlos ver e incluso poder hacer una exposición con esta temática… se me ocurren varias formas de cómo se podría montar pero no lo voy a revelar por si alguna vez tuviera la posibilidad de hacer una exposición te este tipo.
Lo que si que tengo claro, y nunca se me había pasado por la mente, es que si finalmente me decido a hacer una exposición con mis fotografías aportare en el dorso gran parte de la información de ellas nuca se sabe que puede pasar con ellas y al menos que se tenga constancia de su pasado.

"La Pintura es la gran pizarra de la Historia"
Francisco Umbral

NOTA: La clasificación de la topología de dorsos es algo sumamente personal. Están divididos de esta forma para facilitar el entendimiento de los lectores. Este tipo de topología no podrá ser encontrado en ningún tipo de publicación.

Mestizaje historicos

2009-03-17T23:30:00.003+01:00

Glo Ribas, Buona Notte Roma, Roma 2009

Tan sólo hace una semana que he vuelto de Roma. Realmente han sido los 3 días que he estado han sido maravillosos. En el post anterior comentaba que me daba como miedo el hecho de volver a la ciudad y llevarme una decepción al comparar mi otra estancia con la actual pero sinceramente no ha sido así. He apreciado muchísimo más la ciudad y todo lo que veía lo encontraba en el fondo de mi memoria con un dato, con un nombre o con un porqué histórico.

Disfruté de la Roma clásica pero aun más de la Roma renacentista. Coliseo, Foro, Panteón, Fontana di Trevi, Piazza Navona, Piazza Spagna… todos estos rincones de la ciudad y todos los demás que no he nombrado respiran historia, arte, cultura, personajes de lo más relevantes… y detenerte ante estos lugares y pensar todo lo ocurrido en estos emplazamientos o pensar como trabajaban los artistas en crearlos, al menos a mí, se me ponen la carne de gallina.

Roma es una ciudad que, según como, me ha recordado mi estancia en Firenze. Mires donde mires hay una historia oculta tras los muros de los edificios tanto sean las historias que han pervivido a lo largo de los siglos como aquellas cuotidianas que jamás han visto la luz.

Puede sonar algo típico pero estando enfrente del coliseo rodeada de turistas haciendo fotos y de guías de grupo dando las explicaciones pertinentes al edificio a una le vienen a la mente muchas cuestiones que es posible que jamás tengan respuestas… ¿Quanta gente dejo su vida trabajando en el edificio? ¿Qué aspecto real debería tener y que impacto produciría a los romano de la época? ¿Qué sensación tendría la gente una vez entraba al recinto a través de las vomitorias? ¿Cómo era realmente el “espectáculo” de las luchas de gladiadores y como sería el momento de tensión en que el emperador “dictaba sentencia”? Podría estar horas y horas formulando preguntas sobre el coliseo pero otras muchas me vinieron a la mente al pasear tranquilamente por el Foro Imperial ¿Cómo debería ser la vida real un día normal en el foro? ¿Qué majestuosidad nos aportarían sus edificios? ¿Cómo sería una sesión en el senado o en la Basílica de Massenzio? Y un larguísimo etcétera.

Otras muchas cuestiones me vinieron a la mente con la Roma del siglo XV aunque estas cuestiones quedaron un poco más ocultas al tener un conocimiento un poquito más completo y al tener unos cuantos datos más respecto a la época. Aunque no me planteaba dudas del impacto social que podían provocar ciertos edificios si que me planteaba como deberían trabajar los diferentes artistas y su equipo en los distintos edificios o me planteaba como podía ser de grande el egocentrismo de Miguel Ángel con sus diferentes aportaciones a la ciudad y la espectacularidad de hacer pública su obra a la ciudad dejando a más de uno pasmado ante tanta perfección.

Como no también he recordado momentos no muy lejanos en el tiempo dentro del arte y como no los he recordado gracias al cine… Vacaciones en Roma y la Dolce Vita han sido dos de los referentes cinematográficos que más he pensado en los paseos por la ciudad… la secuencia del paseo en Vespa de Audrey o el baño en la fuente de Santa María del Trastevere de Anita me venían una y otra vez a la mente e intentaba imaginar el jaleo que se debería haber montado al rodar los diferentes exteriores en las calles romanas.

La verdadera cuestión es que he vuelto a la realidad… he dejado el mestizaje de épocas atrás para volver al presente. Me llevo muchos recuerdos de esta última estancia en la ciudad… recuerdos personales, profesionales, curiosos y un larguísimo etcétera.

Pero tengo la gran esperanza de un momento u otro volver a Roma. Espero que la moneda lanzada de espaldas a la Fontana di Trevi me conceda, como hace 8 años, el deseo de poder deambular por las calles de la apasionada Roma y dejarme de nuevo empapar de cultura, historia y sobretodo… arte.

Cuenta atrás para Roma

2009-03-02T18:11:00.002+01:00

La cuenta atrás para la escapada a Roma ya esta en plana marcha. El sábado por fin el día D, el día de llegar a la ciudad eterna, a la ciudad romana, a al ciudad renacentista, a al ciudad barroca… el día de disfrutar de sus calles, de sus rincones, de su historia y de sus historias…

Realmente no tenemos fijada una ruta por la ciudad pero el hecho que yo ya hubiera estado hace un tiempo tengo las cosas claras de que se puede ver y que cosas dejar en el tintero para una próxima vez.

Tengo ganas de ver ciertas cosas, cosas que pueden ser insignificantes para una persona que al igual no esté muy metida en el mundo de la historia del arte, cositas que puede pasar en cierto modo desapercibidas pero que para mi tienen un cierto encanto y que he ido descubriendo a través de las diferentes asignaturas de la universidad… una de estas “cositas insignificantes” es el Obelisco Sopra Minerva. Es una belleza de pieza…. No es muy conocida pero personalmente al verla en clase me enamoré de ella… no por nada en especial de su historia sino por lo “cuca” que llega a ser… un obelisco soportado encima del lomo de un elefante.
El Obelisco, de granito rojo, es el más pequeño que se encuentra en la ciudad de Roma con tan sólo 5.47 metros de altura. Sus caras son cubiertas de jeroglíficos. Se encontraba en la ciudad egipcia de Sais. Se encontró bajo el templo de Isis en el año 1665. Primeramente fue puesto en el claustro de la iglesia de Santa Maria Sopra Minerva pero dos años después el papa decidió cambiar el emplazamiento situándolo enfrente de la basílica. El elefante es de mármol blanco y se cree que el diseño de este pertenece a Bernini pero fue esculpido por Ercole Ferrata. La simbología del elefante se equipara a las virtudes que sustentaron la fe cristiana. Pero esta preciosa pieza paso de llamarse Elefantino a Il Porcino (el cerdito) porque la gente del pueblo le encontró más parecido a un cerdo que no a un paquidermo.
La localización no es que esté muy oculta en la ciudad, simplemente detrás del Panteón de Agripa así que solo quedará rodearlo para disfrutar del precioso Elefantino.

Hay otros emplazamientos típicos de la ciudad que ya visité pero tengo ganas de volverlos a ver y sobretodo verlos con la perspectiva de los años que han pasado de la vez anterior… tengo ganas de embobarme con la Fontana di Trevi y volverme a cuestionar como el gran genio del mármol pudo crear tal maravilla e intentar ponerme en la piel de quienes le rodeaban y entender como podían aguantar su fuerte personalidad y su poca simpatía por la gente que según él le podían hacer sombra (Evidentemente estoy hablando de Miguel Ángel).
Quiero descubrir en los Museos Vaticanos la Sala de Signatura y el fresco de La Escuela de Atenas, otro gran punto de interés en la visión renacentista de la filosofía y disfrutar del pequeño tributo de Rafael a Miguel Ángel.
Emocionarme de nuevo al ver la Capilla Sixtina… creo que me volverá a impresionar tanto o más que la primera vez que me topé con ella… y como no buscar a la belleza de la Sibila de Delfos que creo, bajo mi punto de vista, que de las sibilas representadas es la que tiene un encanto especial.
Alucinar con dos Caravaggios originales en la iglesia de Santa Maria del Populo y ver como la gente les pasa por delante y ni se da cuenta que están allí y tener un momento para mirarlos como si solo estuviéramos ellos y yo solos en la nave lateral de la iglesia.

Aunque sólo esté citando obras renacentistas también que tengo ganas de ver cosas del mundo clásico. Sobretodo tengo ganas de volverme a cuestionar y a no entender bajo ningún concepto como pudieron crear lo que crearon con los medios que tenían en aquella época. La gran estructura del panteón, la ingeniería del coliseo, la maravilla de los releves de la columna trajana, imaginarme la vida social de los romanos en su época paseando por las calles y hablando en el foro… son muchas de las cosas que se pueden llegar a pensar sobre la vida que llevaban aquella gente…

Pero bueno como podéis ver me tira más el siglo XV i XVI en la ciudad… supongo porqué ya tengo algo olvidado el tema clásico y el tema renacentista lo tengo algo más presente.

Antes de acabar me gustaría hacer referencia a una gran película rodada en la ciudad, una película que me encanta y que la he visto en más de una ocasión y siempre que lo hago me quedo aun más enamorada de la ciudad y de su historia. No podía ser otra que “Vacaciones en Roma” de Willyam Wyler y protagonizada por la Gran Audrey Hepburn y Gregory Peck. Creo que estos días puedo sentirme como ella descubriendo la ciudad milímetro a milímetro pero eso si, sin la ayuda de una Vespa Piaggio.

And the Oscar goes to… PENELOPE CRUZ!

2009-02-23T11:40:00.002+01:00

Ayer por la noche fue la noche del cine, del CINE en mayúsculas, la noche de los Oscars.

Siempre me gusta quedarme y ver el programa previo a los galardones, la alfombra roja y si puede ser el primer Oscar, al menos de esta forma puedes ver como realmente se vive en Los Ángeles éste acontecimiento. Pues ayer fue otra noche de estas que me quedo sola en el comedor y el resto de la familia está durmiendo plácidamente. En cuanto a la famosa Red Carpet, gran pasarela de moda durante 1.30h y con mayor influencia que cualquier otro desfile de moda, destacar a varias actrices con vestidos y joyas (prestados obviamente) de una preciosidad increíble. Como es el caso de Amy Adams, Viola Davis, Angelina Jolie, Kate Winslet, Sarah Jessica Parker, Anne Hathaway y para mí la mejor en la alfombra roja fue Taraji P. Henson con un bellísimo vestido blanco y una gargantilla de diamantes espectacular.

Lo poco que ví de ceremonia me gusto mucho… tanto el diseño para la ocasión del Kodak Theater, sobretodo la colocación de los actores sentados muy próximos al escenario, que me recordó bastante a la ceromonia de los Globos de Oro aunque sin cenas ni mesas de por medio, y sobretodo el aire musical de la gala… sinceramente invitaba a quedarse sentado y disfrutar del show conducido por el actor de musicales Hugh Jackman.

Ayer además de ser la gran velada había un aliciente añadido para quedarte un ratito más despierto y ver la ceremonia. La nominación al Oscar como mejor actriz de reparto de Penélope Cruz por su papel en “Vicky, Cristina, Barcelona” Debo decir que Penélope no es una de mis actrices favoritas del panorama nacional, pero tampoco me desagrada.

Muchas películas de muchos estilos diferentes son las que ha protagonizado la actriz española, algunas con papeles más bueno que en otras como en el caso de “Volver” o “Belle Èpoque” o por lo contrario en “Vanilla Sky” (Remake de la gran “Abre los ojos” de Alejandro Amenabar) o Woman on Top.

Sin más, hoy dedicado a una mujer que ha dado un pasito más en la historia de las mujeres y el arte consiguiendo un Oscar como mejor actriz de reparto.

A continuación adjunto las palabras que pronunció Penélope al recoger su Oscar:

This is not going to be 45 seconds, I can say that right now. Has anybody ever fainted here? Because I might be the first one. Thank you so much to the Academy. I want to share this with my fellow nominees and with the amazing ensemble of actors that I had the privilege to work with in this movie. Thank you, Woody, for trusting me with this beautiful character. Thank for you having written over all these years some of the greatest characters for women. And I cannot talk about great female characters without thanking my friend Pedro Almodóvar for having made me part of so many of his adventures. Thank you, Bigas Luna, Fernando Trueba, for giving me my first movies. Thank you, Harvey Weinstein. I wanted to dedicate this to my parents and to my brother and sister, to my friend Robert Garlock, who is not with us anymore, and to everyone who has helped me from the beginning and you know who you are and I thank you from my heart. I grew up in a place called Alcobendas, where this was not a very realistic dream. And I, always on the night of the Academy Awards, I stay up to watch the show and I always felt that this was, this ceremony was a moment of unity for the world because art, in any form, is and has been and will always be our universal language and we should do everything we can, everything we can, to protect its survival. So I thank you so much and I have to say something in Spanish, because everyone: Todos los que desde España ahora estén compartiendo este momento conmigo y sientan que esto también es de ellos, se los dedico. Y a todos los actores de mi país. Muchísimas gracias.

Nota informativa

2009-02-20T16:20:00.001+01:00

Hoy también publico otra nota en el blog… extraño que lo haga dos días seguidos pero simplemente para informaros de un nuevo espacio.

Crearé en breve otro rinconcito personal en a red, vamos otro blog. Éste también estará dedicado a la historia del arte pero desde una vertiente un poco más personal que este. Se tratará una bitácora de mis días de estudiante en prácticas en una institución barcelonesa. En él, explicaré las tareas que llevaré a cabo y mi punto de vista sobre la asignatura de Prácticas de Museología. Además esto me puede servir también para la ir recordando todas las cosas que haga durante los días que asista al Real Círculo Artístico de Barcelona para el trabajo final de la asignatura para presentar en la Universidad.

Espero vuestras visitas y vuestros comentarios en el nuevo blog.

http://aventurasdeunaestudianteenpracticas.blogspot.com

¡¡Hasta pronto!!

Roma... la cittá eterna

2009-02-19T18:58:00.004+01:00

Recuerdo la sensación hace 8 años, cuando aun era una chiquilla de 16 años, de poder conocer la ciudad eterna, la ciudad del amor. Nos íbamos de viaje de fin de curso con el colegio a Roma. Nervios, ilusión, amistad, risas, fotos, pasta, monumentos, historia, cultura, arte… todo esto y mucho más esperábamos encontrar en la capital italiana.

Salimos tempranísimo de Sabadell, parece que fuera ayer cuando el viernes antes de irnos íbamos pegando gritos por los pasillos del colegio diciendo “¡El domingo a las 5.30h en la puerta de cole!”

Y así fue, el día D a la hora H nos encontramos, subimos al bus de camino al aeropuerto, muchos de nuestros padres nos acompañaron para despedirse. Embarcamos y… ¡a volar! Llegamos a Roma, fuimos a la zona de Termini, donde teníamos nuestro hotel… solo llegar la gran desgracia del robo del dinero por parte de unos huéspedes del hotel mientras los profesores hacían el check in en el hotel… Las ganas de Roma se esfumaron, 50 adolescentes diciendo que querían ir al aeropuerto a buscar los ladrones pero nuestro afán para emular a Indiana Jones desapareció y queríamos volver a casa. (Suerte al ser un colegio de monjas había una congregación del colegio en el barrio del Trastevere y nos prestaron lo necesario para nuestros días en la ciudad)

El día continuo “bonito” con varios robos a varios compañeros en el metro y un intento de robo también a una profesora en plena calle… los ánimos estaban bajo cero hasta que empezamos a ver emplazamientos dignos de postal… la Piazza Spagna fue la primera que divisamos, nos sentamos en las escaleras, miramos el movimiento de la gente, disfrutamos de la Barcaccia de Brunelleschi… seguimos paseando y aunque la Piazza Spagna nos subió un poco la moral aun estábamos un poco tocados… andábamos por al calle y de repente escuchamos ruido de agua… ¿Qué será? Pasamos la esquina que nos ocultaba el enigma y… ¡¡la Fontana di Trevi!! Creo que fue un aliciente para todos. Nos sorprendió al verla, sinceramente todos nos la imaginábamos más grande de lo que es pero su esplendor, su magia, sus esculturas… era la primera vez que estaba frente “Un Miguel Ángel” y me llenó hasta la medula. Pero ahí no acaba la historia… de repente oigo una voz diciendo “¡¡Es Leo DiCaprio!!” nadie se creyó a esa voz, lo volvió a repetir… nos giramos y… “¡¡Oh, es él!!” (Emulando el libro de Maruja Torres) corrimos detrás de él hasta que entro en un coche… Parecía que la suerte había cambiado en cuestión de segundos.

El viaje siguió a la perfección. Y creó que fue allí donde se me acabó de destapar mi vena por al historia del arte... mientras mis compañeros se sentaban al entrar a una iglesia, después de haber visto muchísimas, yo seguía paseando por las naves laterales y la central contemplando los frescos, las esculturas y la disposición arquitectónica. Después de todo lo visto y vivido en Roma solo me quedo con un recuerdo que fue imborrable… lo sigo teniendo en la mente como si esta mañana hubiera estado allí, la Capilla Sixtina.

Cierto es que todo el mundo habla maravillas de ella pero no es hasta que no estas dentro y ves todo lo que realizo el genio de Miguel Ángel no lo puedes llegar afirmar. Recuerdo a mis compañeros entrar y pegar un vistazo y decir que estaban listos para irse pero yo no, yo quería quedarme más rato, mirar y remirar, si pudiera tumbarme en el suelo y captarla en su esencia… se que suena cursi o frikie pero incluso la sensación de dejar caer una lagrima para ver aquello que tenia delante de mi que tantas veces había admirado en los libros.

Eran tal y como cuento las sensaciones de una niña de 16 años que espero poder a retomar o ver desde otra perspectiva a los 24.

En cierto modo me da miedo. Miedo al ver las cosas distinta a como las vi en su día. Miedo a recordar a algo con un encanto especial y ver que no estaba en lo cierto. Aunque creo que es posible que no ocurra.

Mis conocimientos acerca de la ciudad son muchísimo más mayores que en anteriormente, tanto desde el punto de vista de la Roma clásica a la Roma renacentista y barroca. Ésta vez sabré lo que estoy viendo, sabré su historia y su porque… supongo que la visión será mucho más amplia y no será ni mejor ni peor el recuerdo, simplemente será diferente.

Os dejo un video de artehistoria.com que he encontrado en internet, espero que os guste y que podais disfrutar un poquito más de la ciudad:

http://www.youtube.com/watch?v=f9o7U9K1iUU

Il Ritorno

2009-02-17T14:46:00.000+01:00

Hoy me salgo del discurso habitual del blog para poderos contar mi ausencia por estos mundos bloggeros y de pasada también os puedo situar más o menos por donde irán los “tiros” a partir de hoy en las publicaciones de los artículos.

Pues bien a partir de hoy la actividad del blog volverá a la normalidad. Hasta día de hoy he estado algo liada con los exámenes universitarios de fin de semestre y por eso el motivo de mi gran ausencia tanto de publicar como de visitar los blogs que sigo y de ir comentando los artículos de los compañeros bloggers desde pediros a todos disculpas y nada me tocará ponerme al día…. ¡¡Cuanto trabajo me espera!!

La línea de publicación de artículos seguirá siendo la misma de antes del parón. Artículos de arte siempre desde mi punto de vista, mis sensaciones y mis intereses. Seguiré con la saga de “Las mujeres y el arte” Sé que solo hay un par de artículos con este hilo conductor pero poco a poco voy recapitulando información y voy descubriendo nuevas personalidades que me fascinan y me invitan a hacerles un pequeño tributo porque gracias a ellas podemos tener otra visión del mundo artístico.

Pero antes de recuperar todo esto como hilo conductor haré varios escritos sobre la gran ciudad eterna, Roma. El jueves pasado recibí un gratísimo regalo de cumpleaños, un fin de semana a “la ciudad de las siete colinas”. Por la cual cosa antes de irme el día 7 de marzo me gustaría dedicar algunas líneas a la ciudad, a la mezcla de periodos históricos, sus lugares más emblemáticos… vamos un poquito de todo.

Sin más me despido hasta el próximo post.

¡Un abrazo sincero a todos!

Glo

Por las noches antiguas y música lejana.

2009-02-08T18:01:00.002+01:00

Siempre es conocido el hecho de la adaptación de novelas al mundo del cine y muchas veces estas no son realmente fieles al texto original. El caso que quiero hablaros no es para nada de éste tipo, bajo mi punto de vista.

Como sabéis por el post anterior, ando liada en época de exámenes y en teoría me tendría que encerrar en una biblioteca o en una sala, rodearme de libros y apuntes y estudiar hasta altas horas de la madrugada. Pero según que asignatura requiere otros métodos de estudio como por ejemplo la forma que me preparo para el examen de Teoría del Lenguaje Cinematográfico. ¿Cuál es la mejor forma de preparar esta asignatura? Mirar películas e ir captando los planos, angulación de la cámara, tratar de distinguir los movimientos de cámara y los métodos de transición de plano a plano (entre otras muchas cosas). Otro punto que tratamos en esta asignatura fue la adaptación de la novela a la gran pantalla y fue esto lo que hacía tiempo que no comprobaba.

Hace un par de días me dirigí a la biblioteca de casa para leer alguna cosa diferente a lo que estoy acostumbrada a leer y encontré entre los diferentes libros que tenemos Los Puentes de Madison County de Robert James Waller. En cierto modo sentí un poco de recelo leerme la obra ya que había visto con anterioridad y varias veces la película dirigida por Clint Eastwood y me daba miedo ver grandes diferencias entre una y la otra y en consecuencia desprestigiar la novela o bien la película. Hablé con mi madre, la cual se había leído el libro antes de ver el film, y me dijo que no me decepcionaría en ningún momento y que seguro que mientras lo leía me vendrían a la mente las escenas de la película.

Abrí el libro y empecé a empaparme de la historia real de Francesca Johnson y Robert Kincaid. Iba pasando las páginas a una velocidad que hacía tiempo que no lo hacía con ningún libro. Realmente mi madre tenía razón, la descripción de las situaciones era totalmente iguales a la película y eso que hacía años que no la veía. Sorprendentemente ayer al terminar la novela me vi llorando, emocionada, por la historia y la situación que vivieron los personajes igual como me ocurre al ver el film.

Ésta mañana he visto de nuevo la película. Y, como ya me había acabado de dar cuenta ayer, la gran adaptación hecha por Eastwood de la novela para el cine. La interpretación tanto de Meryl Streep como la de Clint Easwood es excelente, la fotografía de la película inmejorable y la banda sonora una delicia para los oídos. La recreación de los espacios descritos en el libro, como el caso de la cocina, es sublime… la mesa de formica amarilla, la nevera, la radio, las cortinas, la puerta con la mosquitera… Por no hablar de la adaptación literal de los diálogos de los protagonistas que aparecen en el film, esto hace que nos remita de una forma más fiel a la novela. Como es normal en el film el hilo conductor de la historia es distinto al que encontramos en la novela. En la gran pantalla la historia es introducida gracias a los flashbacks en la lectura de los diarios de Francesca por parte de sus hijos, Carolyn y Machael, tras muerte de su madre y la lectura de sus últimas voluntades. En la novela nosotros somos, en cierto modo, los lectores de los diarios de Francesca Johnson y conocemos de primera mano sus emociones y sus sentimientos hacia el fotógrafo del National Geographic.

Para terminar sólo me gustaría expresar mi satisfacción al ver y leer las ambas versiones de la historia y ver que tanto una como la otra me ha emocionado de una forma que no esperaba no tan solo por un motivo argumental sino que también al ver que no siempre es imposible hacer una buena versión para el mundo cinematográfico de una magnífica novela.

“Sólo tengo una cosa que decir, una sola; nunca volveré a decírsela a nadie, y te pido que la recuerdes: en un mundo de ambigüedades, esta certeza viene una sola vez, y nunca más, no importa cuántas vidas le toque a uno vivir”

Los Puentes de Madison County, Robert James Waller

Se acercan los exámenes!

2009-01-17T11:38:00.003+01:00

Exámenes, Glo Ribas, 2007

Esta semana ya entro en el proceso pre exámenes, vamos encerrarse en casa para estudiar. Es lo que toca en esta época del año. Al tener un par de semanas libres para poder estudiar significa que la actividad del blog no se detendrá… puede que no se actualicé tan a menudo como ha sido hasta ahora pero habrá alguna actualización… El blog es una de mis escapatorias mentales y por un momento desconecto de lo que me rodea para escribir 4 líneas.

Así que me despido hasta la próxima actualización. Quería dejaros esta nota ya que es posible que dedique algún artículo a los exámenes… como decía puede ser una vía de desconexión aunque sea hablando de ellos.

De la unión nacen nuevos mundos

2009-01-14T00:27:00.004+01:00

La música nos invade cada día. Sinceramente no se que haría si en un día de mi vida no escuchara una canción o una simple melodía. La música tanto nos puede transmitir sensaciones de felicidad o todo el contrario pero eso sí, siempre nos transmite alguna cosa.

Eso mismo me pasó al escuchar unas versiones de unas canciones que había escuchado cientos de veces. Las nuevas variaciones de estas canciones me transmitieron unas sensaciones que jamás había sentido al escuchar las originales.
Siempre he creído que los mestizajes son buenos, a cualquier ámbito de la vida, y los que encontramos en el ámbito musical, como he dicho anteriormente, pueden legar a transmitir sensaciones jamás escuchadas.

Hay muchos tipos de mestizajes musicales desde el Heavy Metal hasta llegar al mundo de flamenco y todos ellos nos aportan enriquecimiento, dejando a parte el hecho que nos guste más o menos, al tema interpretado y nos sorprende cuando lo escuchamos por primera vez.

Sorpresa fue lo primero que sentí al escuchar por la radio a fusión de estilos de la que os hablaré. Últimamente la gente siente admiración por el artista del que hablaré sólo por el hecho musical porque sus versiones les han gustado pero sin ver un poquito más allá, sin ver desde que canción proviene y el enriquecimiento que ha adquirido con ésta nueva fusión.

¿Qué pasa cuando unimos el pop, flamenco, soul y gospel? Pues que obtenemos las versiones por las cuales he decidido crear éste artículo y las que me han hecho reflexionar acerca de las fusiones de estilos. El artista que ha creado éste mestizaje es Antonio Álvarez Vélez, “Pitingo”. Con su disco Souleria se ha hecho con el puesto durante varias semanas del número uno de las listas de ventas y recibiendo diversos galardones por este álbum.

A continuación me gustaría mostraros varias de las versiones que él ha realizado comparándolas con las canciones originales para que, de ésta forma, podáis ver de que forma estas se han enriquecido y han adquirido valores totalmente diferentes a la versión original.

I will survive, Gloria Gaynor

I will survive, Pitingo

Every breath you take, Police

Every breath you take, Pitingo

Yesterday, The Beatles

Yesterday, Pitingo

"Contra gustos, no hay disputas"
Joan Manel Serrat

Retomamos la actividad en el blog

2009-01-12T23:51:00.000+01:00

Después de las fiestas navideñas El Arte del Arte vuelve a estar de nuevo activo en Internet. Hay muchos temas que están en el tintero y sin lugar a dudas se irán publicando en este pequeño espacio en la red.
Arquitectura, escultura, pintura, cine, fotografía, música, exposiciones, anécdotas, las mujeres y el arte… todos estos temas y muchos más trataran de sorprenderte este año que hace escasos días que hemos inaugurado.
Aprovecho este post para agradecer a todas aquellas personas que han pasado y han dejado su huella durante el 2008, siempre es agradable ver que aquello que se escribe es leído y como no comentado.
Sin más, me despido hasta el próximo post (que no se tardará mucho en pubicarse)

Felices fiestas

2008-12-22T21:26:00.003+01:00

Foto: Mateu Ribas; Modelo: Glo Ribas

Premio Blog Dorado

2008-12-17T18:12:00.003+01:00

Haciendo un off topic del tema principal de este blog, me gustaría publicar este premio que se me ha otorgado, el premio blog dorado. Este premio se atribuyo entre bloggers a los blogs que se toman como interesantes en su tematica.

Desde aquí agraceder a Mariel la otorgación ya que hace poquísimo tiempo que me encuentro en este mundo, para mi es todo un alhago que alguién lea lo que escribo y encima lo encuentre interesante.

Me toca a mi pasar el testigo de este premio a cuatro blogs que encuentro interesantes en sus tematicas. No por eso quiere decir que no siga otros bloggers porque como podeis ver tengo una lista de links bastante importante.

Hijos de Marte: Es uno de los blogs que con sólo leerlo me entran ganas de coger a los clásicos y leerlos de cabo a rabo. La forma que se tiene de transmitir la pasión por la literatura clasica es algo sublime.

Sententiae Discipvlorum: Por su genialidad en su conjunto ya que es, al menos para mi, admirable escribir todo un blog en la lengua mater, el latín.

Mujeres de Roma: Leer las historias desde el punto de vista femenino y ambientadas en la antigua Roma tienen un calibre singular que hacen transportarte a un pasado que parece no muy lejano

Iuris: La miscelania en temas romanos en los articulos publicados de este blog hacen que tengas una visión más completa de la grandeza de Roma.

Associació Cultural Arraona Romana

2008-12-14T17:43:00.001+01:00

ES CONSTITUEIX A SABADELL L’ASSOCIACIÓ “ARRAONA ROMANA” AMB L’OBJECTIU DE DIFONDRE EL PATRIMONI ARQUEOLÒGIC ROMÀ DE SABADELL AIXÍ COM ELS COSTUMS I TRADICIONS DE L’ANTIGA ROMA.

El dia 15 de juliol de 2008 es va constituir a Sabadell l’associació CULTURAL ARRAONA ROMANA amb l’objectiu de difondre el patrimoni arqueològic romà de l’antiga Arraona, promocionar la cultura clàssica així com el de recrear i recuperar els costums i tradicions de l’antiga Roma.

Poca gent sap que la ciutat de Sabadell te unes sòlides arrels romanes, només cal recordar que pel bell mig de la nostra ciutat hi passava la Via Augusta aquella importantíssima infraestructura vial que unia les ciutats de Roma i Gades (Cadis). Es per aquest motiu que al seu entorn van néixer i desenvolupar-se diferents vil·les (villae) sent la més coneguda fins aquest moment la Vila Romana de la Salut –a on es discuteix si podia estar ubicat la mansio Arragonem que dóna nom a la ciutat- que ja ha estat objecte de diverses intervencions arqueològiques i els objectes trobats es troben al museu de la ciutat (entre ells destaca el mosaic de Neptú).

Cal recordar que avui, s’estan portant a terme les excavacions de la Vil·la Romana de Sant Pau de Riusec que tot apunta que podria tractar-se d’un jaciment important.

Per aquest motiu molts sabadellencs i sabadellenques creiem que estem en deute amb la nostra herència romana i per això hem cregut oportú posar en marxa aquest projecte amb la intenció de col·laborar amb una major difusió del nostre patrimoni arqueològic i promocionar la cultura clàssica greco-romana entre els sabadellencs i especialment, entre els nostres escolars.

La presentació oficial de l’Associació cultural Arraona Romana es farà el proper dimarts dia 16 de desembre a les 19,30 hores a l’auditori de la Biblioteca del Vapor Badia (c/ Tres Creus, 127-129) i en ella el Sr. Isaac Álvarez Brugada, Comissionat del Patrimoni de l’Ajuntament de Sabadell dissertarà sobre: Roma: El baix imperi i l’antiguitat tardana a Sabadell.

En acompanyarà en aquesta presentació un representant de la Legio VIIII Hispana que recentment ha estat portada de la revista Muy Historia i que vindrà vestit amb el seu equipament de legionari, per tal de poder apreciar com eren i vestien aquells soldats que varen ajudar a construir la Via Augusta.

Paisaje(s) del cine mudo en España (II) Crónica de la presentación

2008-12-10T17:15:00.005+01:00

La semana pasada, como ya os conté en el post anterior, asistí a la presentación del libro de Joan Minguet “Paisaje(s) del cine mudo en España” en la Filmoteca de Catalunya (Av. Sarriá 22) y tal y como os dije os hago una pequeña crónica de la tarde.

Eran las 17.45h cuando cogía el tren hacía Barcelona. Estaba intrigada con la presentación, en mi mente tenia todo tipo de pregunta acerca de lo que vería esta vez… qué es lo que diría Joan, qué es lo que diría Fèlix… tan solo llegar a la ciudad condal me dirigí con el metro, la línea azul, hasta la para da de Hospital clínico… iba con cierto miedo a perderme ya que tengo experiencia en este tipo de cosas y además iba con los ojos bien abiertos ya que hacía más de medio año que había estado por la zona y no recordaba del todo como llegar. Lo encontré a la primera y me alegré que mi memoria no me jugara una broma. Me acerqué a la puerta de la Filmoteca y miré la cartelera de actos, comprobé que realmente estaba en el día D y a la hora H para asistir al acto. Pero fue en ese momento cuando me encontré con una grata sorpresa: “Proyección del Film Sangre y Arena (1916) de Blasco Ibáñez con música en directo a cargo del maestro Pineda”. Era temprano, así que entré en el bar de la Fimoteca hacer un café. Allí la “preocupación” sobre como sería la presentación se esfumó y he empecé a darle vueltas al tema de la proyección de la película. Sangre y arena… de que iría? Blasco Ibáñez? Pero… ¿no era escritor? ¿También dirigió películas? Miro mi reloj, las 19.15h. Me levanto y me voy a la taquilla a comprar la entrada para la presentación y proyección. Seguidamente se abren las puertas de la sala y me siento en la butaca. Al poco rato entra un miembro de la Filmoteca, Joan y Fèlix. Empieza la presentación. Tras unas breves palabras introductorias del miembro de la Filmoteca le pasa la palabra a Fèlix. Como ya conté anteriormente, ya conocía el tipo de discurso de Fèlix porque fue mi profesor de arte contemporáneo en la universidad y también sabía que tras escuchar todo lo que tenía preparado para decir acabaría encandilada y con ganas de tener el libro entré mis manos. Y así fue. Tras hablar de su amistad y su trabajo en la universidad, Fanés resumió brevemente lo que encontramos en el libro compuesto por seis capítulos. Cada capítulo corresponde a un artículo publicado en una publicación tanto nacional como puede ser internacional… resumiendo Minguet ha hecho en este libro una selección de sus mejores artículos y los ha recopilado en este libro. A continuación Fanés pasó la palabra a Minguet. Este tras agradecer las palabras de Fèlix acabó de puntualizar aspectos del libro. Para finalizar su intervención habló sobre el film que nos disponíamos a ver. Explico que era una obra del año 1916 que se había dado por perdida pero fue recuperada por Rafael Ventura no hace demasiados años. Fue la única incursión en el cine de Blasco Ibáñez y muchos la tildan de una obra que no logra cautivar al espectador, quizá porque carece del artificio americano, que al fin y al cabo era lo que buscaba el público de la época (http://www.arteylibertad.org/articulo-1924/sangre-y-arena-1916#1) Posteriormente se hicieron otras versiones de ella la más carísmatica fue la protagonizada por Rodolfo Valentino y dirigida por Fred Niblo (1922) y luego en 1941 Robert Mamoulian hizo otra versión de la obra protagonizada por Tyrone Power, Rita Hayworth y Linda Darnell.
Finalmente empezó la proyección todo un lujo ver una obra del 1916, restaurada, en pantalla grande y con el acompañamiento al piano en directo. Para los que nos gusta el cine de estos primeros años es una joya en bruto... los planos, las interpretaciones, los virados, los efectos de transición de una escena a otra... simplemente genial. Eso sí durante el visionado tenía en mente una pregunta o más bien una cierta inquietud... el presupuesto del film. Ahora muchos al leer esto os sonará extraño que me pregunte por el presupuesto de un film al ver esta pregunta pero ahora os explico el por qué. A menudo als películas de esta época estan rodadas en un escenario “generico” (por llamarlo de algun modo) Un escenario que no nos aporta una información concreta de un lugar... puede estar rodado en Barcelona simulando un cortijo andaluz (es lo que ocurre en la pelicula de Segundo de Chomón “Superstition Andalouse” 1912) pero en ésta esto no es así. Por la trama de la pelicula el protagonista, torero de profesión, va a varios puntos de España tanto para formarse como torero y para torear. Hasta aquí ningún problema pero mis preguntas vienen a la mente cuando se ven en diferentes escenas localizaciones del lugar: las calles de Sevilla, el barrio del albaicín de Granada, la Cibeles en Madrid... no es habitual así que bueno... salí con esta gran duda en mi mente... Se encienden las luces de la sala, final de la presentación y de al proyección. Me despido de Joan, de vuelta al metro y al tren para llegar a casa y contar todo lo que he visto y conocido en menos de 2h.

Ya tengo el libro pedido en la libreria y espero y deseo que no tarde demasiado en llegar, tengo ganas de poderme meter algo más en el tema de los primeros tiempos del cine español y conocer un poco mejor el tema.

En momentos así veo como puede decantarse mi formación hacía el estudio de este tipo de cine... un mundo complicado, poco explorado pero muy gratificante y fascinante.

"Hay muchos que producen novelas porque cuando ellos nacieron ya las habían escrito otros. Si al venir a la vida no hubiesen encontrado libros, nunca se les hubiese ocurrido escribirlos. Yo, en cambio, tengo la certeza de que al nacer en un país salvaje, sin literatura, sin novelas, sin lenguaje escrito, habría hecho por las mañanas varias leguas de marcha para llegar a la cabaña del vecino más próximo y decirle: "Compañero, vengo a contarle una historia muy interesante que se me ocurrió anoche..." Yo he nacido para contar historias. Siento la necesidad de crear novelas, tan imperiosamente como necesito comer y beber."

Vicente Blasco Ibañez; Valencia 1867 - Francia 1928; Escritor, periodista y político.

Paisaje(s) del cine mudo en España

2008-12-02T11:44:00.003+01:00

Esta tarde asistiré a las 19.30h a la Filmoteca de Catalunya con motivo de la presentación de un nuevo libro de temática cinematográfica.

Su autor, Joan Mª Minguet profesor del departamento de Historia del Arte en la UAB, imparte las clases de Historia del Cine, Teoría y Lenguaje del Cine, Teoría e Historia de la Fotografia y Crítica del Arte. Además es comisario de exposiciones. Ha publicado más de veinte libros, entre ellos: Salvador Dalí, cine y surrealismo(s) (2003); Segundo de Chomón, beyond the cinema of attractions (1999); Buster Keaton (2008).

El Libro, Paisaje(s) del cine mudo en España en el cual encontramos la parte de lo que habitualmente está denostado por los críticos y no siempre auspiciado por el público, el primer cine español se convierte aquí en un objeto de estudio repleto de fascinantes posibilidades hermenéuticas.

La presentación irá a cargo por el mismo Joan Minguet y por Fèlix Fanés, catedrático de Historia del Arte de la Universidad Autónoma de Barcelona y director del Centro de Estudios Dalinianos. Tanto Fèlix como Joan han sido profesores mios en la universidad y poder disfrutar de presentación de éste libro a cargo de los dos puede ser una maravilla.

Como os digo el evento pinta ser muy bueno, ya os contaré que tal ha ido.

De 2D a 3D

2008-11-17T18:57:00.005+01:00

Ya desde los antiguos las matemáticas y el arte han estado unidas de una forma especial. Ya sea en busca del canon, ya sea en busca de proporciones o simplemente para crear la perspectiva estudiada por Alberti.

El arte contemporáneo siempre nos llega como algo caótico, sin orden ni concierto y sin ninguna regla a seguir ya que lo que importa son las sensaciones que pueda transmitir de una forma u otra una obra. Pero estudiando bien el periodo también vemos que hay una rama de éste gran conjunto que tiene unas bases matemáticas muy claras y gracias a ellas estas obras existen. Éste movimiento es el conocido como Op-Art.

No es una tendencia demasiado conocida y muchas personas son las que ponen cara extraña cuando les explico que me interesa este género. A continuación de mirarme de forma rara siempre me formulan la misma pregunta ¿Qué es el Op-Art?
Aquí es cuando me quedo callada para poder explicar de la mejor forma posible en que consiste esta disciplina. Seguidamente les digo algo parecido a: el Op-Art es movimiento pictórico que trata de crear desde una base bidimensional algo tridimensional y en ocasiones dotar de movimiento un representación estática.
La gente sigue mirándome con cara de extrañeza y a menudo les pongo por ejemplo algunas imágenes de ilusiones ópticas que podemos ver en libros o bien en los típicas presentaciones de Power Point que nos pueden pasar por correo electrónico… es aquí cuando, a veces, ya entienden el movimiento.

Este género pictórico, por decirlo de algún modo, lo conocí en mi etapa preuniversitaria en el instituto (incluso una de las preguntas del examen de selectividad entraba una de las obras más populares del movimiento). Jamás había escuchado hablar pero al ver las proyecciones de los más importantes representantes me quede fascinada y empecé a informarme.
El Op-Art nació en EUA el 1958 pero el nombre no se acuño hasta 1964 en un articulo de la revista Times donde se hablaba de unos artistas que pretendían crear ilusiones ópticas como forma de obra de arte (Optical-Art). Un año después, en el 1965, se creo una exposición, bajo el titulo The Responsive Eye, en el MOMA donde los principales autores del movimiento presentaron sus obras de arte, fue después de ella cuando se consolidó éste estilo. Este arte está influenciado por el suprematismo, el constructivismo, el De Stijl y la gran fabrica de arte contemporáneo, la Bauhaus.

Hay muchos grandes artistas del Op-Art pero personalmente me quedo con el maestro de Maestros, Victor Vasarely.
Húngaro de nacimiento (Hungría 1906- Francia 1997), primeramente se interesó y curso la carrera de medicina pero la abandono para dedicarse al mudo artístico centrándose en el mundo abstracto donde se sintió atraido por Mallevich y Mondrian. A principios de los años 30 se trasladó a París donde trabajo como grafista. Fue en paris donde crea su primera obra de Op Art, considerada la madre de todas las venideras: Zebra.

Zebras, 1950, Vasarely

Se creó un modelo propio de arte abstracto basado en formas geométricas dotadas de efectos ópticos de movimiento y ambigüedad de formas. Utilizo varias materias pero siempre creando sus obras con los mínimos colores posibles.

Interesante su obra y sus resultados. Dejo algunas obras de su colección para que las podáis disfrutar.

Triond, 1973, Vasarely

Boo, 1978, Vasarely

Vega-Kontosh, Vasarely

Arlequín, 1935, Vasarely

El arte contemporáneo es, o un aprendizaje, o una farsa
Elliot Gould

Inocencia tétrica

2008-11-11T18:30:00.006+01:00

Mark Ryden en su estudio

Normalmente podemos decir que conocemos a los artistas por sus obras colgadas en las paredes de los museos o en las galerías de arte. A menudo, sobretodo en el mundo del arte contemporáneo, te quedas con el nombre del artista o el de la obra que te ha impactado y una vez en casa indagas sobre el y su obra a través de Internet.

Como conocí el artista que dedico el espacio no fue así. Lo hice a través de un programa de televisión dedicado al mundo de los tatuajes, Miami Ink. Una chica quería hacerse una reproducción de uno de los dibujos del artista en la parte baja de la espalda. Al verlo me quedé fascinada por el dibujo. Era macabro pero a la vez precioso.
Evidentemente que quedé con el nombre del artista y me fui de cabeza al ordenador a buscar más obras de él. Su nombre es Mark Ryden.

Al ver su galería en primera instancia puedes ver imágenes dulces e incluso infantiles pero una vez vas analizando parte por parte, elemento por elemento ves que realmente no son tan tiernas e inocentes sino que su mensaje va más allá del goce estético. Viendo sus obras también nos podemos trasladar en cierto modo en el mundo del surrealismo, pero yo me atrevería decir que sería un resurgimiento del surrealismo.

Snow White, Mark Ryden, 1997

St. Barbie, Mark Ryden, 1994

Hay muchas obras que destacar de su extensa galería pero sin duda alguna me quedo con la serie Blood (Sangre). Son unos dibujos que no dejan indiferentes a nadie, son como extraidos de una película de terror, pero a la vez desprenden una magia especial que hace, al menos personalmente, que te dejen atrapado y mirar y remirar cada detalle.

Rose, Mark Ryden, 2003

Además de hacer éstas pinturas también ha creado portadas de discos para los artistas más consagrados en el mundo de la música. Es el caso de Michael Jackson que creó para él la portada del disco Dangerous. En éste enlace podeis ver el analisis de la iconografía del la cubierta y podreis observar el significado de cada elemento y ver que está allí por un motivo determinado.

Portada del disco de Michael Jackson, Dangerous, Mark Ryden, 1991

Para finalizar me gustaría recomendaros que pasarais por al web de Mark Ryden y así podeis ver algunas obras más de las que he colgado por aquí.

http://www.markryden.com/index.html

Show must go on!!

2008-11-05T23:47:00.005+01:00

Desde hace mucho tiempo que soy una gran seguidora del genero musical en el cine.

Soñaba con ser Olivia Newton John en Grease o cantar como Lauren Hill en Sister Act 2 o bailar como Catherine Zeta Jones en Chicago…
Pero no fue hasta hace un par de años que pude sentir el Musical mucho más cerca de mi, fue la primera vez que me senté en un teatro para poder gozar del espectáculo.

Fue el mes de julio en Londres, en el Teatro Princesa de Gales. Esa tarde noche íbamos a disfrutar del espectáculo Mamma Mia! No sabía que iba a ver, fue sentarme en la platea del teatro y… ¡a disfrutar!
Ese mismo año, el mes de noviembre, que disfrute del segundo musical en directo. Esta vez era en Madrid, en el teatro MoviStar y la obra Hoy No Me Puedo Levantar (HNMPL). Entré con el reparo de la durada del espectáculo, 3 horas y media... pero nos sentamos en el palco y… ¡a disfrutar!
Finalmente en el mes de diciembre en Barcelona en el Teatro Victoria, esta vez era Grease. Esta vez iba con ilusión ya que era una de mis películas favoritas… me senté en el palco y… ¡a disfrutar!

Me gustaría hablaros de los tres espectáculos e incluso me gustaría hablar de cómo se han adaptado del cine al teatro y viceversa.

Empezando con Mamma Mia! Me maravilló la obra, su sencilla escenografía, la magnífica forma de actuar y de cantar de los actores, la transmisión de alegría constantemente desde el inicio hasta el fin… podría estar halagando la obra sin parar. Me imagino que me marcó porque era la primera obra musical que veía en directo.

Al volver de Londres se estrenaba en Barcelona la misma obra, sinceramente me negué en a ver de nuevo el espectáculo. El hecho que las canciones de estuvieran traducidas al español fue el principal motivo de no irlo a ver, la mayoría de veces pierde su esencia principal por este factor.

Hace pocos meses que fui al cine a ver la película. Sinceramente iba con miedo, con miedo que la película me defraudara, porque ya sabemos como son las adaptaciones literarias al mundo del celuloide. Ésta vez no fue así. La adaptación era muy buena, prácticamente no había cambiado nada del teatro. La interpretación de los actores, los emplazamientos, la fotografía…. Muy buena adaptación.

Que decir de HNMPL para mí de los tres musicales vistos en directo el mejor. Decía que me daba miedo la durada del espectáculo pero realmente no fue así. Fueron tres horas y media que pasaron como si hubieran sido cinco minutos. La historia es maravillosa y banda sonora son las canciones de mi vida porque en parte he crecido con Mecano. Revivir las canciones en un espectáculo como tal y poder enmarcarlas en un contexto pues ya es una pasada ya que las dotas de un sentido que anteriormente no lo tenían. Más que una obra de teatro es un show. Ya desde un principio la Voz en Off te dice que puedes cantar, saltar, bailar, gritar, levantarte… nadie nos atrevíamos hacerlo en un principio, pero al final se convirtió todo en una especie de concierto… Puedo decir que ha sido en el único espectáculo en que he reído, cantado, bailado y llorado. Simplemente no tengo palabras y es recomendable al 100%

Finalmente Grease. Mi film favorito tanto de pequeña como de grande. La he visto mil veces, se me que va a pasar en cada momento, me se el guión de carrerilla y, como no, he bailado y bailaré las canciones como si se tuviera que terminar el mundo.
Fui a ver el espectáculo con muchas ganas para ver la puesta en escena y la adaptación al teatro pero… mis ganas se esfumaron al ver el espectáculo. La adaptación no estaba mal pero el hecho de haber visto muchísimas veces la película hace que veas todo lo que falta de ella y las claras diferencias entre una y la otra. Y creo que la segunda cosa fundamental que me acabó de derrumbar la obra fueron las canciones traducidas al español. Se entiende que se traduzcan para que el espectador entienda lo que ocurre en la obra pero, tratándose de provenir de una base tan conocida como el film, creo que no hacía falta la traducción. Podría decir, muy a mi pesar que la adaptación no llegó a las expectativas que yo esperaba.

No siempre las adaptaciones son buenas pero lo que si se puede conseguir durante el tiempo que dura la obra es disfrutar y olvidar todos los problemas que nos rodean.

No importa si ganas o si pierdes sino lo haces con tus zapatos de baile
Grease, 1978

Reflexiones tras el visor

2008-11-03T11:55:00.007+01:00

Hay muchos tipos de arte que nos rodean a todas las personas en general, es el arte que podemos encontrar en los museos, en la calle, en los libros. Pero particularmente tengo un arte que me rodea, se puede decir, desde que nací: la fotografía.

He nacido en una familia de fotógrafos. Mi abuelo lo era, mi padre lo es y yo, en cierto modo, me encantaría hacerme un huequillo en este mundo, sé que es muy complicado pero creo que poco a poco y con un poco de empeño se puede conseguir.

Desde muy pequeña he crecido rodeada de cámaras, fotos, negativos, diapositivas, álbumes… y esto creo que es lo que condiciona en mirarte el mundo desde otra perspectiva. Es curioso ir por la calle y mirarte situaciones en personas ajenas que piensas automáticamente “Qué bonita foto podría ser este instante”. Me gusta sentarme en los bancos de la calle o en un rincón de una cala de la Costa Brava con mi cámara e ir inmortalizando escenas habituales, que pueden no significar nada pero en realidad no es así. Es en momento así que Cartier- Bresson se me aparece en la mente con su cámara en las calles de París tratando de captar los gestos de los parisinos, algunos de ellos, inconscientes de que pasarían a la posteridad.

Personalmente me gustan este tipo de fotos. Estas fotos que muestran las pequeñas cosas del día a día: esos gestos, miradas, sonrisas, objetos, situaciones… que en un día normal nos pasan a todos desapercibidos pero que inmortalizados en un foto pueden llegar a tener un calibre totalmente diferente. Sí, en cierto modo me considero, viendo mis fotos, como una pequeña discípula Warhol y su pop art, descontextualizando las cotidianidades y elevando su significado.

Se Terminó el Juego, Glo Ribas, Noviembre 2006

En algún momento, en una de las webs donde publico fotos, me hicieron un comentario que en cierto modo me hizo sonrojarme. Decían que al ver mis fotos les recordaban a la obra de una de las grandes en la fotografía del autorretrato, Cindy Sherman (será una de las protagonistas en los artículos de Las mujeres en el Arte). Tanto ella como yo, por falta de modelos se autorretrataba. Hay momento que cuando realizo mis autorretratos pienso que mucha gente puede llegar a pensar que soy una ególatra pero la realidad no es esta. Conmigo misma pruebo diferentes tipos de composición que, con otras personas, puede que sean imposibles llevar a cabo ya sea por lo que yo puedo buscar mirando por el visor –aquel gesto, aquella mirada…- , por las sensaciones que quiero que se transmitan o simplemente por como quiero que sea la caracterización. A veces resulta muy complicado poder guiar a alguien que haga todo aquello que yo misma puedo resolver de una forma sencilla.

GloGlo, Glo Ribas, Octubre 2007

Pero donde llego a encontrar todos los gestos, miradas, enfados y sonrisas verdaderamente sinceras sin tener que forzar en ningún momento la situación es en los niños. Son un mundo muy especial, un mundo que no todos los que nos gusta a estar detrás de un visor se atreven a adentrarse. Es un mundo difícil, se tiene que tener mucha paciencia porque en estas fotos el que realmente manda no es el fotógrafo sino que el protagonista de las fotos. En este sentido tengo suerte de tener en casa mi modelo particular, mi hermana Maria. Como yo, ella también ha nacido en este mundo de la imagen y estar enfrente de una cámara. Para las dos estra delante de un objetivo es como estar manteniendo una conversación con alguien, algo que ya lo vemos normal y no un acontecimiento singular. Trabajar con ella es algo muy productivo ya que no se pone nerviosa, no se pone tensa y con una mirada capta lo que realmente quiero captar de ella.

Maria, Glo Ribas, Octubre 2008

Como digo, a mí la fotografía me invade día a día, aunque no esté detrás del visor en todo momento. Creo que es uno de las mejores cosas que he podido “heredar” de mi familia ya que hay poca gente que haya podido crecer en un ambiente de este tipo. No digo que sea mejor o peor que otro pero si digo que gracias a él tengo otra visión del mundo.
Sé que, donde sea que esté, mi abuelo estará contento y orgulloso al ver que aquello a lo que se dedicó, de pura casualidad, los que le hemos sucedido lo vemos como una forma de vida y no sólo como una mera afición.

Hacía días que tenía que hacer un artículo de este tipo.
Apartar por unos momentos el arte en mayúsculas y centrarme un poquito en "mi arte". Creo que de ésta forma los que vean mis fotos se las miren de una forma diferente y entiendan un poquito más lo que quiero transmitir con ellas. También de ésta forma podéis conocer un poquito más a la persona que se esconde tras estos artículos ya que muchas veces no todo el mundo que cree conocerme tal y como soy.

Fotografiar es colocar la cabeza, el ojo y el corazón en un mismo eje.
Henry Cartier- Bresson

El segundo plano también es importante

2008-10-31T17:57:00.003+01:00

Émile Zola en el estudio, Edouard Manet, 1868, Museo d'Orsay, Paris

Hace tiempo que conozco está obra, ni más ni menos que la descubrí hace unos 6 años en clase de Arte Contemporáneo con el profesor Félix Fanés. Al principio de conocer la obra completa de Manet, si tener más conocimientos que lo que simplemente vemos, no era uno de los pintores que me llamaran la atención. Sus obras eran bonitas pero para mi eran eso, bonitas simplemente.

Fue gracias a Fanés, y su gran forma de explicar algo tan complejo como el arte, que descubrí un Manet más profundo. Un Manet que no pintaba las cosas por pintar sino que cada elemento en su lienzo estaba por un motivo y tenía un significado.

Ésta obra le tengo un cariño especial. Sí, suena extraño pero siempre recordaré que fue la obra que marcó mi camino como universitaria. En el primer examen de carrera me preguntaron sobre esta obra. Era un examen sencillo, simplemente la foto del cuadro y explicar todo lo que sabíamos. Parece sencillo pero se puede estar 3h de examen escribiendo sin parar sobre ella y sobre su autor.

Aquí simplemente me dedicaré a la descripción de la obra y a contaros los pequeños detalles de la iconografía de ésta que para muchos es desconocida.

Como vemos en primer plano encontramos a Émile Zola sentado en su estudio, bueno eso es lo que nos hace creer Manet en el titulo de la obra pero en realidad era el estudio de Manet, el cual poso siete u ocho veces para realizar la obra. Enfrente de Zola vemos una mesa repleta de libros. Estos libros hacen referencia a la profesión de Zola, escritor. La colocación de estos libros y el tintero no solo eluden a la profesión del retratado sino que estaban colocados allí y de esa forma ya que fue una de las composiciones que se heredaron de la tradición flamenca y hace referencia a la simpatía que le tenía Manet a este tipo de pintura.
No es en el primer plano donde hay la miga de al obra sino que tenemos que mirar en el fondo para poder observar las grandes inquietudes del artista y que nos quiere hacer saber.
Si empezamos a analizar el fondeo desde la parte izquierda vemos la aparición en escena de un biombo y de una xilografía japonesa. La aparición de estos dos elementos viene dado por la admiración que se tenía en aquella época por el arte asiático que no solo compartían el artista y el escritor sino que otros artistas de al talla de Van Gogh también admiraban. (Este último reprodujo varias estampas japonesas y se encuentran en su catalogo de oras, eso sí de las menos conocidas)
Al lado de la xilografía del samurai podemos observar dos postales más. En la parte superior hay representada la obra de Velásquez: Los Borrachos. ¿Por qué aparecen Los Borrachos en éste cuadro? Manet consideraba a Velázquez el pintor de pintores y bien se cree que tenia la estampa o bien como motivo de inspiración o como tributo al artista español. Finalmente bajo Los Borrachos encontramos la Olimpia. Su obra más polémica. Manet siempre defendió esta obra porqué fue de las que más ataques recibió respeto a su significado.

Como se puede observar en la descripción Manet no es solo aquello que se puede apreciar a través de los sentidos sino también en el trasfondo de su obra. Esto no solo ocurre con él sino con la mayoría de los artistas. Nos limitamos a decir si nos gusta o no solo por la sensación sensorial pero pocas son las veces que nos detenemos a leer sobre la obra o bien sobre el artista.

El año pasado tuve la oportunidad de ver la obra en directo en el Museo d’Orsay en Paris. Realmente impresiona. Impresiona ver que el lienzo no era tan pequeño como nos podemos imaginar, impresiona poder ver las texturas de la pintura, impresiona recordar todos los detalles de la pintura y tenerla enfrente tuyo en esos momentos.

Como bien me dijo no hace muchos días una persona al tener enfrente al obra real muchas veces no te paras a pensar en que aquella tela fue la que tocó, dibujó y pintó el artista, y, cuando caes en la cuenta de que eso es así, es cuando aparecen todas las sensaciones que se deberían tener siempre cuando se está enfrente de una obra de ese calibre.

El talento no se enseña, crece en el sentido que le place
Émile Zola, escritor

Las Mujeres y el Arte: Mary Pickford

2008-10-30T18:52:00.004+01:00

Mary Pickford (1892-1979)

En este primer episodio sobre las mujeres y el arte me gustaría dedicarlo a una de las primeras actrices de cine de nuestros tiempos, Mary Pickford.

¿Por qué dedicarle a ella el primer capitulo de la saga de artículos dedicados al tema de las mujeres en el arte? Simplemente porqué fue una de las mujeres que pudo ver como se le reconocía su talento en vida y no cayó en el olvido como otras muchas mujeres que en otros escritos hablare de ellas.

Era complicado ser mujer e introducirse en el mundo del cine ya que era un lugar “dominado” totalmente por hombres, sobretodo en la época de los primeros tiempos. Los inicios del cine, como ya es conocido por una gran mayoría, fue como una evolución de lo que se estaba habituado ver en los escenarios teatrales. A menudo muchos de los espectáculos eran los mismos pero, eso sí, vistos sobre una gran sabana blanca.

Gladys Louise Smith, más tarde conocida como Mary Pickford era canadiense de nacimiento (1892-1979) resultó ser uno de los iconos del cine mudo interpretando la mayoría de sus películas entre los años 1915 y 1925. Se convirtió en el mito cinematográfico de los años 20 y la llegaron a llamar la “Novia de América”. Logró, gracias a su fama, la remuneración económica adecuada para los actores de Hollywood.

Caundo apenas Gladys tenía 6 años su padre falleció de alcoholismo y quedó junto a su madre y a sus dos hermanos. A esa edad, se introdujo en el mundo del teatro, por consejo de una compañera de trabajo de la madre de Gladys, resultó tener madera de actriz y se convirtió en todo un fenómeno. A la vez fue un punto positivo porque gracias a lo poco que ganaba con sus representaciones podía ayudar, en medida de lo posible, a su familia económicamente, pronto la empezaron a llamar Baby Gladys. Cabe decir que fu la pionera de una familia de actores ya que sus dos hermanos menores, Lottie y Jack, también se dedicaron al mundo de la interpretación.

Con 15 años emprende un viaje hacia Nueva York donde se encuentra con el productor David Belasco para pedirle trabajo y éste la hace triunfar en los escenarios Brodway (1907). Fue por recomendación de Belasco que Gladys se cambió el nombre por el de Mary Pickford (Pickford resultaba ser el apellido de soltera de su madre). Fue en esta epoca teatral en la que conoció a las hermana Gish, una de ellas Lillian también llegará a trabajar en la gran pantalla. Poco después conoció el mundo del cine gracias a David Wark Griffith con el que posteriormente grabo varios cortos. La primera película que grabo junto Griffith fue en el 1909. Ésta recibía por titulo “Mrs Jones Entertains”

En el 1911 se trasladó a la compañía de Carl Leammle pero en el 1912 volvió con Grffith para cambiarse de nuevo en el 1913 con Adolf Zucker para forma parte de los Famous Players.
En los años 20 las apariciones de Mary en la gran pantalla disminuyeron sobretodo por la participación en la producción y en la creación de guiones después de fundar junto Charles Chaplin, Duglas Fairbanks y David Wark Griffith la United Artists.

Contrajo matrimonio el 28 de marzo de 1920 por segunda vez con el prestigioso actor Duglas Fairbanks. Anteriormente estuvo casada con Owen Moore, desde 1911 hasta 1920, compañero de reparto en su primera época como actriz.

Tras co-protagonizar varias películas con Fairbanks, en 1937 su relación se rompió y ella contrajo por tercera y última vez matrimonio con Charles Rogers, con quien descubrió el verdadero sentimiento del amor y adoptan a dos niños Ronald y Roxanne

Con la llegada del cine sonoro el mito de la Novia de América fue desapareciendo. Aun y así fue ganadora de un oscar en el 1929 por su interpretación en “Coquette”. En 1933 apareció por última vex en pantalla con la película “Secrets” posteriormente se centraría a la producción cinematográfica poniendo como emblema su nombre.

En el 1935 Chaplin y Pickford se hacen con la parte de Griffith y Fairbanks de la United Artists y fue en 1953 cuando la vendieron e incrementaron sus ganancias.

Como colofón final de su carrera cinematográfica le atorgaron en 1975 el Oscar honorífico por su contribución al desarrollo de la industria del cine. Cuatro años más tarde, la gran Mary Pickford nos dejaba el 29 de mayo de 1979, a la edad de 86 años, en la ciudad estadounidense de Santa Mónica a causa de un derrame cerebral .

Como se ha podido mostrar en esta pequeña biografía de la artista, no era una mujer cualquiera y como se ha dicho en un principio fue de las pioneras en el mundo cinematográfico a dar pasos e iniciativas no solo delante de la cámara sino que también tras ella.

Wilful Peggy, David Wark Griffith, 1910

"Make them laugh, make them cry, and hack to laughter. What do people go to the theatre for? An emotional exercise. . . . I am a servant of the people. I have never forgotten that."
Mary Pickford

La filosofia de la música

2008-10-29T22:16:00.009+01:00

Los pitagóricos fueron los primeros que se plantearon la idea de música. Para nosotros ya escuchamos y concebimos la idea de música como una cosa habitual pero para ellos resultaba ser una disciplina singular. Escribieron varias teorias respeto al tema. Una de las teorías que formularon, y que para mi es una de las teorías filosóficas más bonitas que he escuchado nunca, nos sólo evoca la idea de belleza sino que nos además transmite una idea de como ellos podían concebirla.

Esta teoría decía que las esferas cósmicas estaban unidas mediante la música. Estas esferas cósmicas al moverse transmitían melodías ya que los antiguos creían que el universo estaba cerrado. Ellos lo concebían como un conjunto de diez esferas que rodeaban la tierra que de forma concéntrica.

Diorama del sistema Tolomaico, Armengol de Béziers, Breviari d'amor, s. XIV

Lo que nos aportaron los Pitagóricos en esta concepción del universo era que al moverse las esferas producían unos sonidos armónicos y según ellos eran las melodías más perfectas que nadie podía escuchar. Estos decían que Pitágoras las podía escuchar y eso significaba que era sensible a las demás armonías. No todo el mundo las escuchaba porque eran muy sutiles, también se justificaban de ello diciendo que al no haber un silencio permanente les era imposible poder escuchar.
Ésta idea tuvo una herencia muy sensible en las teorías/ estéticas musicales. La belleza no solo la podemos ver sino que también la tenemos que sentir ya que todo es música. El hecho de poder escuchar la belleza es de origen divino y si esto se puede llevar a cabo significa que hay inteligencia.

En los textos antiguos aparece otra teoría que trata sobre la ejecución y descubrimiento de las armonías básicas de los instrumentos musicales en relación al peso de las materias. Pitágoras relacionaba los sonidos, con los números y la teoría de los instrumentos musicales. Esta además de ser una teoría filosófica tiene un punto un poco más científico. Pitágoras escuchó un herrero golpeando un yunque mientras fabricaba herramientas. Se fijó en que dependiendo el peso del martillo sonaba de una forma u otra. Estudió el peso de los martillos y el sonido que producían lo relacionó directamente con una nota musical.

Theoria musice, Franchino Gaffurio, 1492

La música según los pitagóricos tiene efectos terapéuticos. En el libro de la República de Platón amplia la idea de la pedagogía i respeto al tema terapéutico mencionaba que la música adecuada podía calmar las penas y las pasiones de la alma.

Estos son de los primeros conceptos sobre la música. Realmente son pensamientos que nos hacen parar y pensar de una forma muy distinta a la que estamos acostumbrados hoy entenderla en día.

Para finalizar os dejo con un pqueño clip de sonido. Se trata de uno de los temas del ultimo trabajo de Mike Olfield, Music of Spheres, el tema en concreto recibe el nombre de Shabda. Aprovecho para agradecerle a Mariel que me haya informado sobre la existencia de este nuevo trabajo de Oldfield. Espero que lo disfruteis.

“Heard melodies are sweet, but those unheard
Are sweeter; therefore, ye soft pipes, play on;
Not to the sensual ear, but, more endear'd,
Pipe to the spirit ditties of no tone”
Jonh Keats, Ode to a Gresian Um (1918)

El arte perdido

2008-10-27T18:58:00.004+01:00

Dibujo dende podemos ver el hecho histórico de la Hoguera de las Vanidades en la Piazza della Signoria, Firenze

Desde hace un tiempo me he aficionado a la novela histórica. No es que vaya buscando los libros porque sí, sino que por casualidad todos los libros que me han ido interesando por su sinopsis trataban, en cierto modo, de historia y de arte.

El último que me he leído es el que inspira el artículo de hoy. La novela tiene como titulo Amor y muerte en Florencia, su autora es Sarah Dunant.

“La historia de éste libro transcurre en la Florencia del 1492 cuando la cultura está en su momento máximo de esplendor gracias al mecenazgo de los Medicis.
La protagonista, Alexandra Cecchi, a punto de cumplir los quince años, recibe la visita de un pintor del norte de Europa, contratado por su padre un importante comercial de telas, para que pintara la capilla privada de la familia. La chica es una amante de la cultura y en especial del arte de su época, acción mal vista al tratarse de una mujer. Tiene una habilidad especial para el dibujo y queda fascinada por el trabajo que realiza el joven pintor además se por su persona. Pero una gran crisis acecha a la ciudad. Los temores y los supuestos pronósticos realizados por el monje dominico Savonarola destapan la curiosidad a los ciudadanos y amenazan en cambiar la vida de éstos.”

De la novela hay muchos aspectos que serían dignos de estudio y como no de escritura. Pero hay uno que me llamó la atención, sobretodo al ser mencionado en algunas de las clases que hago en la universidad. El aspecto que quiero centrarme es en el de la Hoguera de las Vanidades y la persona que provocó que mucho patrimonio artístico, lamentablemente, se perdiera: Girolamo Savonarola.

Antes de centrarme en el hecho de la hoguera me gustaría hablaros un poco de quien era Savonarola.

Nacido en Ferrara el 1452, estudió a los clásicos como Platón, Aristóteles y santo Tomas de Aquino, su posición tras sus estudios era de denuncia sobre la decadencia política de Italia y la corrupción de la iglesia. Tras escuchar palabras de un predicador decidió a la edad de 22 años ser trasladado a la orden de los dominicos.
La orden lo mandó al convento de San Marcos en Florencia donde viviría bajo una estricta educación religiosa. Como ya es conocido por todo el mundo en el Quatrocentto Florencia era la capital del arte por excelencia pero a la vez se encontraba bajo una importante crisis económica. Gracias a este hecho aparecen algunos predicadores que se dedicaban a anunciar el fin del mundo, entre ellos encontramos a Savonarola el cual destacó por su gran retórica a la hora de hablar. En sus discursos convencía al pueblo que viviera de una forma más “sana” aunque los sermones que tenían más éxito fueron los apocalípticos, los cuales reunían muchísimas personas y entre ellas algunos personajes muy conocidos del panorama artístico.
En 1494 el Rey de Francia Carlos VII reclamaba el trono de Nápoles como derecho hereditario, Evidentemente entraba por Italia y pasaba por Florencia. Pdero de Medicis, estaba en esos momentos a la cabeza de la republica, llegó a un acuerdo con Carlos VII de ceder varias plazas al ejército francés. Como era de esperar los ciudadanos no se tomaron demasiado bien esta decisión, se le señaló de traidor y fue expulsado del territorio.
La alta burguesía, cansada del gobierno de los Medicis, pensó que la mejor opción para el cambio era Savonarola. Aunque estos se confundieron pensando que sería una persona fácil de dominar ya que tenía estrechos lazos con el rey francés y le permitió una entrada triunfal a la ciudad. Por lo cual, Savonarola quedó como máximo exponente político de la ciudad. De este modo suprimo el ordenamiento político y creó una “institución” conocida como el Gran Consejo, conocido popularmente como la democracia teológica. Por su relación tan estricta con la iglesia prohibió, bajo su gobierno, la aparición de desnudos artísticos, artículos de lujo, representaciones con temas mitológicos, libros… en resumen todo aquello que pudiera suponer una vanidad o un pecado a los ojos de la iglesia. Por este motivo decidió que todo esto quemara en la popularmente conocida Hoguera de las Vanidades en plena Piazza Della Signoria, para el monje tosas esas representaciones y todo lo relacionado con el antiguo suponían una reencarnación del mismo diablo.
Una vez se libró de los Medici inició su batalla contra los Borgia y más en concreto en contra el papa Alessandro VI. Tras muchos ires y venires el papa decide excomulgarlo y en 1495 se produce un cambio de alianzas de los estados italianos y provoca que el monje quedara solo y sin protección. Además se había ganado que la gente no lo viera con los mismos ojos tras todo lo que había hecho.
Tras ello, el papa abrió un proceso durante el fraile fue torturado acusado por herejía y traición. Lo condenaron a muerte, ahorcado y su cuerpo quemado en una hoguera, sus cenizas fueron echadas al Arno. Finalmente en el 1512 los Medici volvieron a Florencia.

En la novela se hace un gran trabajo al hablar del fraile y de todos los hechos históricos de la invasión francesa en la ciudad. El hecho histórico de la Hoguera de las Vanidades me sorprendió muchísimo. Además en la novela se explicaba como los seguidores de Savonarola iban casa por casa recogiendo todo aquello que podía alimentar a las llamas si alguien se negaba, estas personas entraban inspeccionaban la casa y se llevaban lo que creían que era más oportuno.
En clase fue donde nos acabaron de dar datos algo más concretos sobre el hecho. Nos contaron como obras de Botticelli quemaron en las llamas y nos hemos quedado con las ganas de conocer. Cabe decir que Botticelli era antes de nada un pintor que se basaba en pintura religiosa aunque lo que ha pervivido o se le ha dado más nombre han sido a las representaciones mitológicas.
Pensar en éste hecho histórico, personalmente me llena de tristeza. Pensar la cantidad de arte perdido, la cantidad de obras que podían haber sido eclipsantes sobre los grandes iconos renacentistas que conocemos hoy en día… me llena de tristeza.

Para acabar me gustaría recomendar la lectura del libro citado anteriormente. Hace una introducción al mundo del Renacimiento de una forma muy buena y la descripción de los hechos históricos es realmente muy buena.

La vanidad hace siempre traición a nuestra prudencia y aún a nuestro interés
Jacinto Benavente, escritor

Las mujeres y el Arte - Preámbulo -

2008-10-23T23:30:00.004+02:00

El texto de hoy será el primero de un tema que estoy interesada abordar en éste pequeño rincón de internet, las mujeres en el arte. Próximamente os hablaré de diferentes mujeres artistas que lucharon en su día en un mundo dónde estaban mal vistas por llevar a cabo un “trabajo de hombres” pero aun y así consiguieron hacerse un hueco.

Es muy probable que las entradas siguientes a este artículo aun no hablen de éste tema pero simplemente quería introducir una de las muchas ideas que tengo en mente. Una vez documentada correctamente hablaré de ello y como no, siempre que sea posible, os mostraré las obras de éstas grandes artistas: Artemisa Gentileschi y Sofonisba Anguissola serán algunas de ellas.

A continuación os dejo un video donde se puede ver toda una evolución de rostros femeninos en la pintura universal. Deseo que os guste.

No es necesario creer en lo que dice un artista, sino en lo que hace.

David Hockney, pintor y dibujante inglés

Anéctdotas que enriquecen la historia

2008-10-22T17:37:00.007+02:00

Scuola di Atenas, Rafael Sanzio, 1510 - 1511, stanza della Segnatura, Il Vaticano

El artículo de hoy no es que pretenda filosofar o expresar mi punto de vista sobre un tema de una forma explicita, simplemente me gustaría contar una pequeña anécdota que nos contaron la semana pasada en clase de Historia del Arte en la Edad Moderna. Son esas pequeñas partes de la historia que no se conocen pero una vez llegan a tus oídos hacen que las obras de arte tomen un calibre diferente y pases a mirarlas con otros ojos.

Para explicar la historia nos tenemos que remontar en pleno Renacimiento (s. XVI) a la ciudad de Roma, más concretamente en el Vaticano. Nuestros protagonistas serán los dos grandes magos de la pintura de ésta época: Michael Angelo Buonarroti y Rafael Sanzio. Las dos obras de las cuales haremos mención: la sublime Capilla Sextina (1508-1512) y la Escuela de Atenas (1510-1511).

“Cuenta la historia que Michael Angelo nunca tuvo un carácter amable con la gente que le rodeaba, y mucho menos si eran colegas de profesión, además de ser una persona muy individualista, este hecho nos refuta la idea que siempre le gustaba trabajar sólo, sin la ayuda de nadie. Siempre se le puso en duda su capacidad de pintor ya que en la época se le consideraba buen dibujante, pero no un buen pintor. Éste fue el motivo por el que, durante la creación de los frescos de la capilla sextina, se encerraba allí, pintaba totalmente sólo y cubría las partes realizadas con una tela para que nadie pudiera ver el resultado de lo que estaba haciendo.

Mientras, Rafael inició, 1510, su pintura de la Escuela de Atenas en otra de las estancias del Vaticano, en la Stanza Della Signatura. En el fresco quería representar a todos los grandes de la filosofía durante una reunión de los grandes filósofos.

Un día el papa Julio II della Rovere pidió a Michael Angelo que le mostrara el estado de la obra para hacerse una idea de lo que estaba pintando el artista, ya que éste desestimó el proyecto que le planteó dicho papa porque le parecía bastante pobre para la estancia. A regañadientes, Michael Angelo aceptó la propuesta del papa de enseñarle la capilla. Lo que no supo Michael Angelo es que Rafael también vio los frescos, eso si entró a la sala sin que nadie lo viera, porque como cabe suponer en aquel tiempo Rafael era uno de los rivales de Michael Angelo.

Rafael quedó boquiabierto después de que Buonarroti quitara parte de la sabana que cubría el techo. La creencia de que Michael Angelo no era un buen pintor quedó aparcada para Rafael tras ver lo visto. Éste fue directamente a la estancia dónde pintó la Escuela de Antenas, la miró de frente y escogió una parte de ella, la parte central izquierda, y decidió que ese era el lugar ideal para pintar a Michael Angelo.

Lo pintó meditando, gesto muy importante para los artistas porque en aquella época ya no se les consideraba uno meros artesanos sino que su estatus se elevó al de artistas/ intelectuales. Su gesto melancolico se representaba encima de una estructura cúbica, forma geométrica perfecta según Michael Angelo.”

En la escuela de Atenas no sólo vemos claramente la figura de Miguel Angelo, el cual ocupaba un lugar “privilegiado” en la composición, sino que también encontramos a artistas como: Leonardo Da Vinci; Bramante y el propio Rafael. (Se tiene que decir que todos ellos eran conocidos con el nombre de un filósofo ya que representa que se basó en ellos para representar a los antiguos)

Una vez nos contaron la historia toda la clase nos quedamos mudos… nos pareció especialmente bonita, y porque no… nos imaginamos entre los pasillos del Vaticano observando la cara de sorpresa de Rafael y seguidamente verle correr hacia la Stanza y ver como miraba de incluir a Michael Angelo en el fresco.
Ver que a pesar de la rivalidad entre genios se reconoció el gran talento de uno de ellos es algo digno de admirar.

Para acabar, me gustaría dedicar el artículo de hoy a M@riel porque, aunque hace muy poquito tiempo que nos conocemos, le expliqué esta anécdota y quedó maravillada.

"La belleza está en el ojo de quien la mira"

Fra Luca Pacioli (1445 - 1514)

Del Supermercado al Museo

2008-10-21T10:47:00.004+02:00

Brillo Box, Andy Warhol, 1964, Tate Modern of London

Siempre que pensamos o nos referimos una obra de arte nos viene a la mente imágenes como por ejemplo los cuadros de Caravaggio; David; Gauguin; Van Gogh… esculturas como las de Bernini; Canova; Rodin; Cellini… y si evidentemente son maravillosos artistas con unas obras ejemplares pero si decimos que Warhol es una artista como los anteriores ya ponemos en duda el concepto de artista.

El Pop Art es otro de los muchos mundos de la pintura universal con grandes artistas como Andy Warhol, Juan Gris, Roy Lichtenstein, Carl Oldenburg entre muchísimos otros. En la universidad, frecuentemente en asignaturas de la talla como Teoría del Arte, nos formulan las preguntas de qué es arte y qué no lo es, quién es artista y quién no, que entendemos cómo obra de arte. No sé porque pero siempre aparece la típica pregunta y la típica apreciación de si el Pop Art se puede considerar arte o no… hay muchas hipotesis sobrte el significado de éste genero de la pintura, yo tengo mi propia opinión sobre el movimiento. Siempre he afirmado que lo que pretende hacer creer el artista al espectador es que todo es arte, la descontextualización del objeto o del icono de la persona hace que pasen de ser algo común a algo singular y a ser, en consecuencia, admirado y estudiado.
Pasar de la estantería de un supermercado a la vitrina de un museo, transformado en una obra artística, hace que todo tome una nueva dimensión… Alguien se ha molestado en tomar un objeto del día a día; lo ha vuelto a crear magnificando, o no, su tamaño (o repitiendo el objeto hasta la saciedad); y finalmente lo ha puesto en un museo. Pasa a ser algo que nos puede pasar desapercibido a algo que nos llame la atención y admirarlo durante un rato. Al menos el artista consigue que el espectador se pare a mirarlo cosa que en un ámbito cotidiano sería impensable.

Desde hace mucho tiempo que soy una gran admiradora de Andy Warhol. Empecé simplemente por goce estético de sus obras, me parecían originales y diferentes al resto. Mucha gente que tienen colgado en su casa una reproducción de Warhol es simplemente por eso, por estetica o por apuntarse al carro del mundo pop. Cuando veo mis dos reproducciones (Marilyn y 100 Cans -Sopas Campbell's-) no veo solo las diferentes variaciones de colores en la faz de Marilyn Monroe ni las 100 latitas de sopas. Veo las excentridades del Andy, sus locuras en sus videos, veo su forma de crear… Respeto a su forma de crear me gustaría comentar un documental que vi por casualidad hace un tiempo en el Canal de Historia de Digital Plus. En el reportaje/ documental se mostraban varios videos hechos por el propio Andy de cómo realizaba sus series. En el video se tomaba la imagen de Liz Taylor. El procedimiento de Warhol era tomar una foto de una imagen de una persona conocida (normalmente lo hacia mediante una polaroid) de ahí creaba un fotolito (más grande o más pequeño dependiendo de lo que le interesaba crear) y finalmente lo empapaba con la tinta y lo estampaba. Era un reportaje muy interesante, lástima que no tenga la referencia para citarla y para poderlo volverlo a ver de nuevo. La gente normalmente desconoce el proceso de creación de las obras de éste artista y piensan que lo que simplemente hace es ampliar una imagen y pintar encima... no es así, como ya he citado el proceso es más largo de lo que realmente uno cree y eso es lo que, personalmente, valoro en su obra.

Recuerdo como si fuera hoy la primera vez que vi en directo una obra de Warhol. Fue en la Tate Modern de Londres en el 2006. Entré en una sala y a mano izquierda quedaba una sala más estrecha y estaba allí, la Caja Brillo. No sabía que hacer, ni que decir… me apresuré a verla de más cerca, la rodeé, la miré cenitalmente, por los lados… era genial. La perfección del dibujo del logo de la caja de jabón parecía totalmente real… daban ganas de abrir el cubo y mirar si dentro se encontraba el detergente. En la sala contigua a la de la Caja Brillo me encontré con una nueva sorpresa dos obras más: Marilyn Diptych (1962) y la obra Double Elvis (1964). Me impresionaron por el gran tamaño de la tela y además me fijé desde el punto de vista de la edición, porque al haber visto el reportaje, que he comentado anteriormente, vas a ver los detalles que se comentaban en él. La progressión de la perdida de pintura de la primera estampación a la última era evidente, de repente Warhol apareción en mi mente de rodillas en el suelo usando la gran plancha del fotolito como un tampón. Para cualquier otra persona, tener una obra de Warhol delate suya le puede llegar a ser totalmente indiferente o no puede transmitir nada, pero en mi caso no me dejó plantada enfrente de la obra durante un buen rato.

Lo importante de la obra no es solo lo que se ve sino también su historia, su proceso de creación, su mensaje, la vida de su creador… todos los factores son importantes para entender en conjunto la obra y darle un valor u otro a ésta.

El arte no siempre es lo que se enmarca dentro de unos canones preestablecidos sino que a veces éste “nuevo” arte toma una carretera secundaria que conduce a un mundo nuevo por con maravillosos elementos que lo configuran.

" La inspiración es la televisión."
Andy Warhol, artista

Sin necesidad de hablar

2008-10-20T09:51:00.004+02:00

Dos fotogramas de El Gabinete del Dr. Caligari (Wiene, 1919) i Nosfetau (Murnau, 1922)

Cine mudo, a todos nos viene a la mente las películas típicas de Charlot y de Keaton andando con los pies abiertos o bien conduciendo a toda maquina una locomotora, pero no solo el género cómico es cine mudo tenemos que mirar más atrás de los clásicos.

El año pasado pude ampliar mucho mi visón del cine, lo hice al ver películas anteriores al popularmente conocido cine de oro o el cine clásico de Hollywood de de los años 40 y 50. Tuve la gran oportunidad de descubrir el magnífico mundo del cine de los origines… De Lumière hasta Eisentein hay un mundo, desgraciadamente, desconocido por la gran mayoría de la gente de la calle.

Sinceramente en un principio pensaba que todo este mundo sería un poco palo pero tuve que rectificar mis palabras y afirmar todo lo contrario.
La calidad con que están hechas las pelis y con los medios que tenían en aquella época fue lo que más me llamó la atención supongo porqué siempre me he mirado los films no sólo des del punto de vista de la narración que nos ofrece la película sino, también, des del punto de vista de su producción.

Dos de las grandes maravillas de los años 20 son las que hicieron que cayera rendida a este género cinematográfico. El Gabinete del Dr. Caligari (Wiene, 1919) y Nosferatu (Murnau 1922)
La primera de ella se podría denominar como el impulso hacia el nuevo género cinematográfico, el expresionismo. La segunda una gran obra maestra y, como popularmente se dice, la cuna del cine de terror.

El Gabinete del Dr. Caligari, tras recoger las bases impuestas por Griffith en El Nacimiento de una Nación (1915) Wiene, crea esta historia sobre el Doctor i el Sonámbulo que iban de feria en feria a exhibirse. Al verla entera me quedé literalmente pegada en la silla… la gente de la clase iba murmurando sobre momentos o escenas de la película durante la proyección, yo no podía articular palabra. La puesta en escena de los actores, los decorados pintados (con esas líneas tan marcadas que te hacen dirigir la vista hacia lo que el director quiere que veas), los filtros que teñían los fotogramas para dar un sentido u otro a la peli, la rotulación de los intertítulos… si duda fantástica. Muchos que me conocéis sabéis mi pasión por la fotografía y sobre todo por los autorretratos… me hice una sesión de autorretratos como un tributo a ésta película y en especial a Cesare, el sonámbulo.

Atrapada -Tributo al Caligari-, Glo Ribas (julio 2008)

Por lo que hace al Nosferatu en clase simplemente vimos la escena del contrapicado en el barco. No fue esa escena la que me llamó la atención para interesarme por el film sino la historia que nos contaron: la primera de las diferentes versiones de la película Drácula; el hecho de cambiar el nombre del protagonista (en lugar de Drácula le asignaron el nombre de Nosferatu) para no pagar derechos de autor; el juego de las luces y las sombras; los diferentes planos y encuadres…
Una vez la vi tuve la misma sensación que en el Caligari, sorpresa. Sorpresa al ver la gran calidad de este tipo de cine y las grandes obras maestras que había en los años 20. Tras verla me vino a la mente de hacer un pequeño estudio/ ciclo cinematográfico con las diferentes versiones de Drácula… Desde Murnau a Coppola. Mirarlas una por una, tomar notas de los aspectos más importantes y finalmente ver entre ellas que puntos hay en común y cuáles no. Se necesita tiempo para hacerlo y como no paciencia pero sé que algún día lo haré y si lo hago ya escribiré un artículo para explicaros el resultado del estudio.

Para acabar, me gustaría recomendar a todos aquellos que no han tenido la oportunidad de poder disfrutar de esta rama del cine en mirar alguna película. No os decantéis por nada extremadamente largo como sería el caso de El Nacimiento de una Nación de Griffith, Pasión y muerte de Juana de Arco de Dreyer (1928- sin ningún tipo de música instrumental que acompaña las imágenes -ésta es una de las condiciones que puso el director para ver la película- 82 minutos) i mucho menos por el Napoleon de Gance (1922/1927 ésta personalmente tengo ganas de verla aunque su durada de 333 minutos me haga reflexionar…) Para empezar hay películas de Méliès en Youtube (un día dedicaré una artículo al cine de atracciones para contaros lo que se puede llegar a encontrar) y si os atrevéis con alguna de una durada algo más extensa que los máximos 10 minutos de duración de las películas de Méliès os recomiendo alguna de las dos citadas, principalmente.

“Es imposible hacer una buena película sin una cámara que sea como un ojo en el corazón de un poeta.”
Orson Welles (1915-1985)

Vista atrás

2008-10-19T14:24:00.004+02:00

Tiras de Mafalda, Mafalda nº6

Ayer hice un viaje al pasado. Fui a visitar las ruinas de Empúries. Realmente hacía muchísimo tiempo que no pisaba el yacimiento arqueológico y, además, hacía mucho tiempo que no recordaba el arte antiguo. Hace tiempo que en la universidad traté las asignaturas dedicadas a éste periodo artístico y me sorprendí, gratamente, al ver que buena parte de la cultura clásica, el vocabulario específico grecorromano, el urbanismo de las ciudades y algunos datos históricos no se me habían olvidado.

Impresiona ver que parte del legado griego y romano nos ha llegado a nosotros. Impresiona ver que enfrente de ti tienes unas piedras de siglos antes de Cristo. Impresiona la capacidad de organización y las infraestructuras urbanísticas que tenían a pesar de los pocos medios que disponían. Pero siempre hay un factor que hace complicado al visitante introducirse mucho más al yacimiento, las ruinas. Por desgracia mucha gente no tiene la capacidad de poder imaginar todo aquello erigido y por desgracia, también, solo ven lo que ven: piedras. Es sumamente complicado poder ver en la mente el templo erigido, las tabarnaes abiertas con gente comprando artículos, las diferentes clases sociales, cada una en su horario, en las termas haciendo deporte o simplemente descansando, el foro con los hombres más importantes de la ciudad discutiendo de los temas más candentes en la sociedad... y aun más... todos los edificios y esculturas policromados con colores vivos (azules, rojos, amarillos...) hecho que hoy por hoy ni se nos pasa por la mente.

Ayer mi sensación al pasear por lo que habían sido unas Domus me hizo reflexionar. Reflexionar en la cantidad de personas que podían haber pasado por el mismo lugar por el que estaba andando yo, pensar en el día a día que se podía haber llevado dentro de esa casa, pensar como podían haber sido las caras de los primeros arqueólogos al descubrir que debajo de sus pies había mucho más que tierra...
Pero por contra era complicado de imaginar una casa como tal era con sus paredes sus estancias y sus patios ya que a veces lo que realmente vemos nos contamina nuestra mente mucho más de lo que imaginamos.

2 grandes culturas que nos han aportado a nuestro día a día todo lo que tenemos. 2 culturas que las tenemos en el olvido porque son simplemente pasado. Una de estas culturas recuperada tras los años, estudiada y la utilización de nuevo de sus valores, sobretodo arquitectónicos, para construir parte de los edificios que admiramos en la mayoría de las calles de las grandes ciudades europeas.

Pero como todo se tiene que mirar hacia adelante, sin quedarnos anclados en el pasado ni querer idear aquella vida como algo mejor que la que tenemos ahora. Por eso me quedo con la última tira de Mafalada que os he colgado:

“Como pasado estas muy bien pero sos ruinas. En cambio el futuro está todavía sin construir por eso le tenemos fe. Porque uno lo mira y no ve ruinas.”

La perfección hecha mármol

2008-10-18T22:40:00.000+02:00

Piazza della Signoria, Reproducción del David de Michael Angelo

FOTO: Glo Ribas, Firenze 2007

Creo que uno de los mayores aciertos que he hecho nunca ha sido viajar a la magnífica ciudad de Firenze. Toda ella es una maravilla y no pasa un día que no recuerde sus calles, sus plazas, sus puentes, sus edificios, su arte, su gente...

Normalmente la gente que la visita sufre el conocido Síndrome de Sthendal por la acumulación de belleza y cosas por ver. Pero a mí me pasó todo lo contrario, fue al llegar a mi ciudad que me ocurrió... De repente mi ciudad se convirtió fea, sin apenas contenido por ver y sin ningún aliciente estético- artístico para lanzarte a la calle y explorar cada rincón. Sinceramente sólo llegar quería volverme a ir... complicado de explicar y más difícil de entender.

De la ciudad, como he dicho, destacaría miles de cosas (supongo que no será la única vez que hable de ella así que ya os iré comentando) pero quiero centrarme hoy en una escultura, mejor dicho la escultura por excelencia del Renacimiento: el David de Michael Angelo Buonarroti.
Del David no quiero haceros una explicación formal porque una explicación de éste tipo se puede encontrar en cualquier enciclopedia o en cualquier manual de arte, sino que me gustaría contaros mis sensaciones al verlo y admirarlo.

Recuerdo entrar en la Galería de los Esclavos, esta conduce a la Tribuna del David. Al andar entre ellos, inacabados, me daba la sensación que tenía que explotar la masa de mármol que apretujaba sus músculos y se echaran a andar... parece que estén colocados allí para proteger, vigilar o estar al servicio de la gran estrella de la Galleria dell'Accademia.
Al fondo del corredor está Él. Cuando te sitúas enfrente de la escultura no sabes por dónde empezar a mirar... toda ella es sublime, perfecta.
Lo primero que hice fue sentarme en la parte posterior de ella. Des de allí admiré toda la musculatura, los dedos de la mano, la textura del mármol... me quedé literalmente sin palabras. Sin decir nada, y sin apartarle la vista, le rodeé por la parte trasera hasta colocarme enfrente de él. Me senté en uno de los bancos, me cogí la cara entre mis manos con los codos reposando en mis rodillas y le volví a admirar. Sin prisa, sin ganas que nadie me estropeara este momento, mi momento... Lo analicé por partes: la cabeza, el torso, los brazos, las manos, las piernas, los pies... todo era perfecto. Los huesos marcados, las venas en tensión, su mirada al infinito mostrando una fuerza y una astucia sin igual...

Llegaba la hora de irme, no por ganas porque cada vez que le miraba cada vez que apreciaba un detalle nuevo. Salí por donde entré, por la Galería de los Esclavos. Iba andando hacia la salida pero no podía evitar girarme y mirarle de nuevo como si tuviera miedo que al salir por la puerta su imagen se me borrara de mi mente como por arte de magia.

Al verle tuve la misma sensación que al ver la Capilla Sixtina: aparte del hecho de no poder dejarlo de mirar, la sensación de ponerme a llorar. Sé que suena infantil, por decirlo de algún modo, pero el hecho de ver uno de los mayores iconos de la historia del arte enfrente de mí me supone un respeto impresionante y automáticamente me traslado a su época e imagino al autor trabajar en esa obra...

Me gustaría terminar hoy con una de las grandes frases de Michael Angelo:

"Con el toque del cincel la piedra cruda y fría se convierte en un molde viviente. Cuanto más se gasta en mármol, más crece la estatua"