viernes, 31 de octubre de 2008

El segundo plano también es importante

Émile Zola en el estudio, Edouard Manet, 1868, Museo d'Orsay, Paris

Hace tiempo que conozco está obra, ni más ni menos que la descubrí hace unos 6 años en clase de Arte Contemporáneo con el profesor Félix Fanés. Al principio de conocer la obra completa de Manet, si tener más conocimientos que lo que simplemente vemos, no era uno de los pintores que me llamaran la atención. Sus obras eran bonitas pero para mi eran eso, bonitas simplemente.

Fue gracias a Fanés, y su gran forma de explicar algo tan complejo como el arte, que descubrí un Manet más profundo. Un Manet que no pintaba las cosas por pintar sino que cada elemento en su lienzo estaba por un motivo y tenía un significado.

Ésta obra le tengo un cariño especial. Sí, suena extraño pero siempre recordaré que fue la obra que marcó mi camino como universitaria. En el primer examen de carrera me preguntaron sobre esta obra. Era un examen sencillo, simplemente la foto del cuadro y explicar todo lo que sabíamos. Parece sencillo pero se puede estar 3h de examen escribiendo sin parar sobre ella y sobre su autor.

Aquí simplemente me dedicaré a la descripción de la obra y a contaros los pequeños detalles de la iconografía de ésta que para muchos es desconocida.

Como vemos en primer plano encontramos a Émile Zola sentado en su estudio, bueno eso es lo que nos hace creer Manet en el titulo de la obra pero en realidad era el estudio de Manet, el cual poso siete u ocho veces para realizar la obra. Enfrente de Zola vemos una mesa repleta de libros. Estos libros hacen referencia a la profesión de Zola, escritor. La colocación de estos libros y el tintero no solo eluden a la profesión del retratado sino que estaban colocados allí y de esa forma ya que fue una de las composiciones que se heredaron de la tradición flamenca y hace referencia a la simpatía que le tenía Manet a este tipo de pintura.
No es en el primer plano donde hay la miga de al obra sino que tenemos que mirar en el fondo para poder observar las grandes inquietudes del artista y que nos quiere hacer saber.
Si empezamos a analizar el fondeo desde la parte izquierda vemos la aparición en escena de un biombo y de una xilografía japonesa. La aparición de estos dos elementos viene dado por la admiración que se tenía en aquella época por el arte asiático que no solo compartían el artista y el escritor sino que otros artistas de al talla de Van Gogh también admiraban. (Este último reprodujo varias estampas japonesas y se encuentran en su catalogo de oras, eso sí de las menos conocidas)
Al lado de la xilografía del samurai podemos observar dos postales más. En la parte superior hay representada la obra de Velásquez: Los Borrachos. ¿Por qué aparecen Los Borrachos en éste cuadro? Manet consideraba a Velázquez el pintor de pintores y bien se cree que tenia la estampa o bien como motivo de inspiración o como tributo al artista español. Finalmente bajo Los Borrachos encontramos la Olimpia. Su obra más polémica. Manet siempre defendió esta obra porqué fue de las que más ataques recibió respeto a su significado.

Como se puede observar en la descripción Manet no es solo aquello que se puede apreciar a través de los sentidos sino también en el trasfondo de su obra. Esto no solo ocurre con él sino con la mayoría de los artistas. Nos limitamos a decir si nos gusta o no solo por la sensación sensorial pero pocas son las veces que nos detenemos a leer sobre la obra o bien sobre el artista.

El año pasado tuve la oportunidad de ver la obra en directo en el Museo d’Orsay en Paris. Realmente impresiona. Impresiona ver que el lienzo no era tan pequeño como nos podemos imaginar, impresiona poder ver las texturas de la pintura, impresiona recordar todos los detalles de la pintura y tenerla enfrente tuyo en esos momentos.

Como bien me dijo no hace muchos días una persona al tener enfrente al obra real muchas veces no te paras a pensar en que aquella tela fue la que tocó, dibujó y pintó el artista, y, cuando caes en la cuenta de que eso es así, es cuando aparecen todas las sensaciones que se deberían tener siempre cuando se está enfrente de una obra de ese calibre.

El talento no se enseña, crece en el sentido que le place
Émile Zola, escritor

jueves, 30 de octubre de 2008

Las Mujeres y el Arte: Mary Pickford

Mary Pickford (1892-1979)

En este primer episodio sobre las mujeres y el arte me gustaría dedicarlo a una de las primeras actrices de cine de nuestros tiempos, Mary Pickford.

¿Por qué dedicarle a ella el primer capitulo de la saga de artículos dedicados al tema de las mujeres en el arte? Simplemente porqué fue una de las mujeres que pudo ver como se le reconocía su talento en vida y no cayó en el olvido como otras muchas mujeres que en otros escritos hablare de ellas.

Era complicado ser mujer e introducirse en el mundo del cine ya que era un lugar “dominado” totalmente por hombres, sobretodo en la época de los primeros tiempos. Los inicios del cine, como ya es conocido por una gran mayoría, fue como una evolución de lo que se estaba habituado ver en los escenarios teatrales. A menudo muchos de los espectáculos eran los mismos pero, eso sí, vistos sobre una gran sabana blanca.

Gladys Louise Smith, más tarde conocida como Mary Pickford era canadiense de nacimiento (1892-1979) resultó ser uno de los iconos del cine mudo interpretando la mayoría de sus películas entre los años 1915 y 1925. Se convirtió en el mito cinematográfico de los años 20 y la llegaron a llamar la “Novia de América”. Logró, gracias a su fama, la remuneración económica adecuada para los actores de Hollywood.

Caundo apenas Gladys tenía 6 años su padre falleció de alcoholismo y quedó junto a su madre y a sus dos hermanos. A esa edad, se introdujo en el mundo del teatro, por consejo de una compañera de trabajo de la madre de Gladys, resultó tener madera de actriz y se convirtió en todo un fenómeno. A la vez fue un punto positivo porque gracias a lo poco que ganaba con sus representaciones podía ayudar, en medida de lo posible, a su familia económicamente, pronto la empezaron a llamar Baby Gladys. Cabe decir que fu la pionera de una familia de actores ya que sus dos hermanos menores, Lottie y Jack, también se dedicaron al mundo de la interpretación.

Con 15 años emprende un viaje hacia Nueva York donde se encuentra con el productor David Belasco para pedirle trabajo y éste la hace triunfar en los escenarios Brodway (1907). Fue por recomendación de Belasco que Gladys se cambió el nombre por el de Mary Pickford (Pickford resultaba ser el apellido de soltera de su madre). Fue en esta epoca teatral en la que conoció a las hermana Gish, una de ellas Lillian también llegará a trabajar en la gran pantalla. Poco después conoció el mundo del cine gracias a David Wark Griffith con el que posteriormente grabo varios cortos. La primera película que grabo junto Griffith fue en el 1909. Ésta recibía por titulo “Mrs Jones Entertains”


En el 1911 se trasladó a la compañía de Carl Leammle pero en el 1912 volvió con Grffith para cambiarse de nuevo en el 1913 con Adolf Zucker para forma parte de los Famous Players.
En los años 20 las apariciones de Mary en la gran pantalla disminuyeron sobretodo por la participación en la producción y en la creación de guiones después de fundar junto Charles Chaplin, Duglas Fairbanks y David Wark Griffith la United Artists.


Contrajo matrimonio el 28 de marzo de 1920 por segunda vez con el prestigioso actor Duglas Fairbanks. Anteriormente estuvo casada con Owen Moore, desde 1911 hasta 1920, compañero de reparto en su primera época como actriz.

Tras co-protagonizar varias películas con Fairbanks, en 1937 su relación se rompió y ella contrajo por tercera y última vez matrimonio con Charles Rogers, con quien descubrió el verdadero sentimiento del amor y adoptan a dos niños Ronald y Roxanne

Con la llegada del cine sonoro el mito de la Novia de América fue desapareciendo. Aun y así fue ganadora de un oscar en el 1929 por su interpretación en “Coquette”. En 1933 apareció por última vex en pantalla con la película “Secrets” posteriormente se centraría a la producción cinematográfica poniendo como emblema su nombre.

En el 1935 Chaplin y Pickford se hacen con la parte de Griffith y Fairbanks de la United Artists y fue en 1953 cuando la vendieron e incrementaron sus ganancias.

Como colofón final de su carrera cinematográfica le atorgaron en 1975 el Oscar honorífico por su contribución al desarrollo de la industria del cine. Cuatro años más tarde, la gran Mary Pickford nos dejaba el 29 de mayo de 1979, a la edad de 86 años, en la ciudad estadounidense de Santa Mónica a causa de un derrame cerebral .

Como se ha podido mostrar en esta pequeña biografía de la artista, no era una mujer cualquiera y como se ha dicho en un principio fue de las pioneras en el mundo cinematográfico a dar pasos e iniciativas no solo delante de la cámara sino que también tras ella.

Wilful Peggy, David Wark Griffith, 1910

"Make them laugh, make them cry, and hack to laughter. What do people go to the theatre for? An emotional exercise. . . . I am a servant of the people. I have never forgotten that."
Mary Pickford

miércoles, 29 de octubre de 2008

La filosofia de la música

Los pitagóricos fueron los primeros que se plantearon la idea de música. Para nosotros ya escuchamos y concebimos la idea de música como una cosa habitual pero para ellos resultaba ser una disciplina singular. Escribieron varias teorias respeto al tema. Una de las teorías que formularon, y que para mi es una de las teorías filosóficas más bonitas que he escuchado nunca, nos sólo evoca la idea de belleza sino que nos además transmite una idea de como ellos podían concebirla.

Esta teoría decía que las esferas cósmicas estaban unidas mediante la música. Estas esferas cósmicas al moverse transmitían melodías ya que los antiguos creían que el universo estaba cerrado. Ellos lo concebían como un conjunto de diez esferas que rodeaban la tierra que de forma concéntrica.

Diorama del sistema Tolomaico, Armengol de Béziers, Breviari d'amor, s. XIV

Lo que nos aportaron los Pitagóricos en esta concepción del universo era que al moverse las esferas producían unos sonidos armónicos y según ellos eran las melodías más perfectas que nadie podía escuchar. Estos decían que Pitágoras las podía escuchar y eso significaba que era sensible a las demás armonías. No todo el mundo las escuchaba porque eran muy sutiles, también se justificaban de ello diciendo que al no haber un silencio permanente les era imposible poder escuchar.
Ésta idea tuvo una herencia muy sensible en las teorías/ estéticas musicales. La belleza no solo la podemos ver sino que también la tenemos que sentir ya que todo es música. El hecho de poder escuchar la belleza es de origen divino y si esto se puede llevar a cabo significa que hay inteligencia.

En los textos antiguos aparece otra teoría que trata sobre la ejecución y descubrimiento de las armonías básicas de los instrumentos musicales en relación al peso de las materias. Pitágoras relacionaba los sonidos, con los números y la teoría de los instrumentos musicales. Esta además de ser una teoría filosófica tiene un punto un poco más científico. Pitágoras escuchó un herrero golpeando un yunque mientras fabricaba herramientas. Se fijó en que dependiendo el peso del martillo sonaba de una forma u otra. Estudió el peso de los martillos y el sonido que producían lo relacionó directamente con una nota musical.

Theoria musice, Franchino Gaffurio, 1492

La música según los pitagóricos tiene efectos terapéuticos. En el libro de la República de Platón amplia la idea de la pedagogía i respeto al tema terapéutico mencionaba que la música adecuada podía calmar las penas y las pasiones de la alma.

Estos son de los primeros conceptos sobre la música. Realmente son pensamientos que nos hacen parar y pensar de una forma muy distinta a la que estamos acostumbrados hoy entenderla en día.

Para finalizar os dejo con un pqueño clip de sonido. Se trata de uno de los temas del ultimo trabajo de Mike Olfield, Music of Spheres, el tema en concreto recibe el nombre de Shabda. Aprovecho para agradecerle a Mariel que me haya informado sobre la existencia de este nuevo trabajo de Oldfield. Espero que lo disfruteis.




“Heard melodies are sweet, but those unheard
Are sweeter; therefore, ye soft pipes, play on;
Not to the sensual ear, but, more endear'd,
Pipe to the spirit ditties of no tone”
Jonh Keats, Ode to a Gresian Um (1918)

lunes, 27 de octubre de 2008

El arte perdido

Dibujo dende podemos ver el hecho histórico de la Hoguera de las Vanidades en la Piazza della Signoria, Firenze

Desde hace un tiempo me he aficionado a la novela histórica. No es que vaya buscando los libros porque sí, sino que por casualidad todos los libros que me han ido interesando por su sinopsis trataban, en cierto modo, de historia y de arte.

El último que me he leído es el que inspira el artículo de hoy. La novela tiene como titulo Amor y muerte en Florencia, su autora es Sarah Dunant.

“La historia de éste libro transcurre en la Florencia del 1492 cuando la cultura está en su momento máximo de esplendor gracias al mecenazgo de los Medicis.
La protagonista, Alexandra Cecchi, a punto de cumplir los quince años, recibe la visita de un pintor del norte de Europa, contratado por su padre un importante comercial de telas, para que pintara la capilla privada de la familia. La chica es una amante de la cultura y en especial del arte de su época, acción mal vista al tratarse de una mujer. Tiene una habilidad especial para el dibujo y queda fascinada por el trabajo que realiza el joven pintor además se por su persona. Pero una gran crisis acecha a la ciudad. Los temores y los supuestos pronósticos realizados por el monje dominico Savonarola destapan la curiosidad a los ciudadanos y amenazan en cambiar la vida de éstos.”

De la novela hay muchos aspectos que serían dignos de estudio y como no de escritura. Pero hay uno que me llamó la atención, sobretodo al ser mencionado en algunas de las clases que hago en la universidad. El aspecto que quiero centrarme es en el de la Hoguera de las Vanidades y la persona que provocó que mucho patrimonio artístico, lamentablemente, se perdiera: Girolamo Savonarola.

Antes de centrarme en el hecho de la hoguera me gustaría hablaros un poco de quien era Savonarola.

Nacido en Ferrara el 1452, estudió a los clásicos como Platón, Aristóteles y santo Tomas de Aquino, su posición tras sus estudios era de denuncia sobre la decadencia política de Italia y la corrupción de la iglesia. Tras escuchar palabras de un predicador decidió a la edad de 22 años ser trasladado a la orden de los dominicos.
La orden lo mandó al convento de San Marcos en Florencia donde viviría bajo una estricta educación religiosa. Como ya es conocido por todo el mundo en el Quatrocentto Florencia era la capital del arte por excelencia pero a la vez se encontraba bajo una importante crisis económica. Gracias a este hecho aparecen algunos predicadores que se dedicaban a anunciar el fin del mundo, entre ellos encontramos a Savonarola el cual destacó por su gran retórica a la hora de hablar. En sus discursos convencía al pueblo que viviera de una forma más “sana” aunque los sermones que tenían más éxito fueron los apocalípticos, los cuales reunían muchísimas personas y entre ellas algunos personajes muy conocidos del panorama artístico.
En 1494 el Rey de Francia Carlos VII reclamaba el trono de Nápoles como derecho hereditario, Evidentemente entraba por Italia y pasaba por Florencia. Pdero de Medicis, estaba en esos momentos a la cabeza de la republica, llegó a un acuerdo con Carlos VII de ceder varias plazas al ejército francés. Como era de esperar los ciudadanos no se tomaron demasiado bien esta decisión, se le señaló de traidor y fue expulsado del territorio.
La alta burguesía, cansada del gobierno de los Medicis, pensó que la mejor opción para el cambio era Savonarola. Aunque estos se confundieron pensando que sería una persona fácil de dominar ya que tenía estrechos lazos con el rey francés y le permitió una entrada triunfal a la ciudad. Por lo cual, Savonarola quedó como máximo exponente político de la ciudad. De este modo suprimo el ordenamiento político y creó una “institución” conocida como el Gran Consejo, conocido popularmente como la democracia teológica. Por su relación tan estricta con la iglesia prohibió, bajo su gobierno, la aparición de desnudos artísticos, artículos de lujo, representaciones con temas mitológicos, libros… en resumen todo aquello que pudiera suponer una vanidad o un pecado a los ojos de la iglesia. Por este motivo decidió que todo esto quemara en la popularmente conocida Hoguera de las Vanidades en plena Piazza Della Signoria, para el monje tosas esas representaciones y todo lo relacionado con el antiguo suponían una reencarnación del mismo diablo.
Una vez se libró de los Medici inició su batalla contra los Borgia y más en concreto en contra el papa Alessandro VI. Tras muchos ires y venires el papa decide excomulgarlo y en 1495 se produce un cambio de alianzas de los estados italianos y provoca que el monje quedara solo y sin protección. Además se había ganado que la gente no lo viera con los mismos ojos tras todo lo que había hecho.
Tras ello, el papa abrió un proceso durante el fraile fue torturado acusado por herejía y traición. Lo condenaron a muerte, ahorcado y su cuerpo quemado en una hoguera, sus cenizas fueron echadas al Arno. Finalmente en el 1512 los Medici volvieron a Florencia.

En la novela se hace un gran trabajo al hablar del fraile y de todos los hechos históricos de la invasión francesa en la ciudad. El hecho histórico de la Hoguera de las Vanidades me sorprendió muchísimo. Además en la novela se explicaba como los seguidores de Savonarola iban casa por casa recogiendo todo aquello que podía alimentar a las llamas si alguien se negaba, estas personas entraban inspeccionaban la casa y se llevaban lo que creían que era más oportuno.
En clase fue donde nos acabaron de dar datos algo más concretos sobre el hecho. Nos contaron como obras de Botticelli quemaron en las llamas y nos hemos quedado con las ganas de conocer. Cabe decir que Botticelli era antes de nada un pintor que se basaba en pintura religiosa aunque lo que ha pervivido o se le ha dado más nombre han sido a las representaciones mitológicas.
Pensar en éste hecho histórico, personalmente me llena de tristeza. Pensar la cantidad de arte perdido, la cantidad de obras que podían haber sido eclipsantes sobre los grandes iconos renacentistas que conocemos hoy en día… me llena de tristeza.

Para acabar me gustaría recomendar la lectura del libro citado anteriormente. Hace una introducción al mundo del Renacimiento de una forma muy buena y la descripción de los hechos históricos es realmente muy buena.

La vanidad hace siempre traición a nuestra prudencia y aún a nuestro interés
Jacinto Benavente, escritor

jueves, 23 de octubre de 2008

Las mujeres y el Arte - Preámbulo -

El texto de hoy será el primero de un tema que estoy interesada abordar en éste pequeño rincón de internet, las mujeres en el arte. Próximamente os hablaré de diferentes mujeres artistas que lucharon en su día en un mundo dónde estaban mal vistas por llevar a cabo un “trabajo de hombres” pero aun y así consiguieron hacerse un hueco.

Es muy probable que las entradas siguientes a este artículo aun no hablen de éste tema pero simplemente quería introducir una de las muchas ideas que tengo en mente. Una vez documentada correctamente hablaré de ello y como no, siempre que sea posible, os mostraré las obras de éstas grandes artistas: Artemisa Gentileschi y Sofonisba Anguissola serán algunas de ellas.

A continuación os dejo un video donde se puede ver toda una evolución de rostros femeninos en la pintura universal. Deseo que os guste.




No es necesario creer en lo que dice un artista, sino en lo que hace.
David Hockney, pintor y dibujante inglés

miércoles, 22 de octubre de 2008

Anéctdotas que enriquecen la historia

Scuola di Atenas, Rafael Sanzio, 1510 - 1511, stanza della Segnatura, Il Vaticano

El artículo de hoy no es que pretenda filosofar o expresar mi punto de vista sobre un tema de una forma explicita, simplemente me gustaría contar una pequeña anécdota que nos contaron la semana pasada en clase de Historia del Arte en la Edad Moderna. Son esas pequeñas partes de la historia que no se conocen pero una vez llegan a tus oídos hacen que las obras de arte tomen un calibre diferente y pases a mirarlas con otros ojos.

Para explicar la historia nos tenemos que remontar en pleno Renacimiento (s. XVI) a la ciudad de Roma, más concretamente en el Vaticano. Nuestros protagonistas serán los dos grandes magos de la pintura de ésta época: Michael Angelo Buonarroti y Rafael Sanzio. Las dos obras de las cuales haremos mención: la sublime Capilla Sextina (1508-1512) y la Escuela de Atenas (1510-1511).

“Cuenta la historia que Michael Angelo nunca tuvo un carácter amable con la gente que le rodeaba, y mucho menos si eran colegas de profesión, además de ser una persona muy individualista, este hecho nos refuta la idea que siempre le gustaba trabajar sólo, sin la ayuda de nadie. Siempre se le puso en duda su capacidad de pintor ya que en la época se le consideraba buen dibujante, pero no un buen pintor. Éste fue el motivo por el que, durante la creación de los frescos de la capilla sextina, se encerraba allí, pintaba totalmente sólo y cubría las partes realizadas con una tela para que nadie pudiera ver el resultado de lo que estaba haciendo.

Mientras, Rafael inició, 1510, su pintura de la Escuela de Atenas en otra de las estancias del Vaticano, en la Stanza Della Signatura. En el fresco quería representar a todos los grandes de la filosofía durante una reunión de los grandes filósofos.

Un día el papa Julio II della Rovere pidió a Michael Angelo que le mostrara el estado de la obra para hacerse una idea de lo que estaba pintando el artista, ya que éste desestimó el proyecto que le planteó dicho papa porque le parecía bastante pobre para la estancia. A regañadientes, Michael Angelo aceptó la propuesta del papa de enseñarle la capilla. Lo que no supo Michael Angelo es que Rafael también vio los frescos, eso si entró a la sala sin que nadie lo viera, porque como cabe suponer en aquel tiempo Rafael era uno de los rivales de Michael Angelo.

Rafael quedó boquiabierto después de que Buonarroti quitara parte de la sabana que cubría el techo. La creencia de que Michael Angelo no era un buen pintor quedó aparcada para Rafael tras ver lo visto. Éste fue directamente a la estancia dónde pintó la Escuela de Antenas, la miró de frente y escogió una parte de ella, la parte central izquierda, y decidió que ese era el lugar ideal para pintar a Michael Angelo.
Lo pintó meditando, gesto muy importante para los artistas porque en aquella época ya no se les consideraba uno meros artesanos sino que su estatus se elevó al de artistas/ intelectuales. Su gesto melancolico se representaba encima de una estructura cúbica, forma geométrica perfecta según Michael Angelo.”

En la escuela de Atenas no sólo vemos claramente la figura de Miguel Angelo, el cual ocupaba un lugar “privilegiado” en la composición, sino que también encontramos a artistas como: Leonardo Da Vinci; Bramante y el propio Rafael. (Se tiene que decir que todos ellos eran conocidos con el nombre de un filósofo ya que representa que se basó en ellos para representar a los antiguos)

Una vez nos contaron la historia toda la clase nos quedamos mudos… nos pareció especialmente bonita, y porque no… nos imaginamos entre los pasillos del Vaticano observando la cara de sorpresa de Rafael y seguidamente verle correr hacia la Stanza y ver como miraba de incluir a Michael Angelo en el fresco.
Ver que a pesar de la rivalidad entre genios se reconoció el gran talento de uno de ellos es algo digno de admirar.

Para acabar, me gustaría dedicar el artículo de hoy a M@riel porque, aunque hace muy poquito tiempo que nos conocemos, le expliqué esta anécdota y quedó maravillada.
"La belleza está en el ojo de quien la mira"
Fra Luca Pacioli (1445 - 1514)

martes, 21 de octubre de 2008

Del Supermercado al Museo

Brillo Box, Andy Warhol, 1964, Tate Modern of London

Siempre que pensamos o nos referimos una obra de arte nos viene a la mente imágenes como por ejemplo los cuadros de Caravaggio; David; Gauguin; Van Gogh… esculturas como las de Bernini; Canova; Rodin; Cellini… y si evidentemente son maravillosos artistas con unas obras ejemplares pero si decimos que Warhol es una artista como los anteriores ya ponemos en duda el concepto de artista.

El Pop Art es otro de los muchos mundos de la pintura universal con grandes artistas como Andy Warhol, Juan Gris, Roy Lichtenstein, Carl Oldenburg entre muchísimos otros. En la universidad, frecuentemente en asignaturas de la talla como Teoría del Arte, nos formulan las preguntas de qué es arte y qué no lo es, quién es artista y quién no, que entendemos cómo obra de arte. No sé porque pero siempre aparece la típica pregunta y la típica apreciación de si el Pop Art se puede considerar arte o no… hay muchas hipotesis sobrte el significado de éste genero de la pintura, yo tengo mi propia opinión sobre el movimiento. Siempre he afirmado que lo que pretende hacer creer el artista al espectador es que todo es arte, la descontextualización del objeto o del icono de la persona hace que pasen de ser algo común a algo singular y a ser, en consecuencia, admirado y estudiado.
Pasar de la estantería de un supermercado a la vitrina de un museo, transformado en una obra artística, hace que todo tome una nueva dimensión… Alguien se ha molestado en tomar un objeto del día a día; lo ha vuelto a crear magnificando, o no, su tamaño (o repitiendo el objeto hasta la saciedad); y finalmente lo ha puesto en un museo. Pasa a ser algo que nos puede pasar desapercibido a algo que nos llame la atención y admirarlo durante un rato. Al menos el artista consigue que el espectador se pare a mirarlo cosa que en un ámbito cotidiano sería impensable.

Desde hace mucho tiempo que soy una gran admiradora de Andy Warhol. Empecé simplemente por goce estético de sus obras, me parecían originales y diferentes al resto. Mucha gente que tienen colgado en su casa una reproducción de Warhol es simplemente por eso, por estetica o por apuntarse al carro del mundo pop. Cuando veo mis dos reproducciones (Marilyn y 100 Cans -Sopas Campbell's-) no veo solo las diferentes variaciones de colores en la faz de Marilyn Monroe ni las 100 latitas de sopas. Veo las excentridades del Andy, sus locuras en sus videos, veo su forma de crear… Respeto a su forma de crear me gustaría comentar un documental que vi por casualidad hace un tiempo en el Canal de Historia de Digital Plus. En el reportaje/ documental se mostraban varios videos hechos por el propio Andy de cómo realizaba sus series. En el video se tomaba la imagen de Liz Taylor. El procedimiento de Warhol era tomar una foto de una imagen de una persona conocida (normalmente lo hacia mediante una polaroid) de ahí creaba un fotolito (más grande o más pequeño dependiendo de lo que le interesaba crear) y finalmente lo empapaba con la tinta y lo estampaba. Era un reportaje muy interesante, lástima que no tenga la referencia para citarla y para poderlo volverlo a ver de nuevo. La gente normalmente desconoce el proceso de creación de las obras de éste artista y piensan que lo que simplemente hace es ampliar una imagen y pintar encima... no es así, como ya he citado el proceso es más largo de lo que realmente uno cree y eso es lo que, personalmente, valoro en su obra.

Recuerdo como si fuera hoy la primera vez que vi en directo una obra de Warhol. Fue en la Tate Modern de Londres en el 2006. Entré en una sala y a mano izquierda quedaba una sala más estrecha y estaba allí, la Caja Brillo. No sabía que hacer, ni que decir… me apresuré a verla de más cerca, la rodeé, la miré cenitalmente, por los lados… era genial. La perfección del dibujo del logo de la caja de jabón parecía totalmente real… daban ganas de abrir el cubo y mirar si dentro se encontraba el detergente. En la sala contigua a la de la Caja Brillo me encontré con una nueva sorpresa dos obras más: Marilyn Diptych (1962) y la obra Double Elvis (1964). Me impresionaron por el gran tamaño de la tela y además me fijé desde el punto de vista de la edición, porque al haber visto el reportaje, que he comentado anteriormente, vas a ver los detalles que se comentaban en él. La progressión de la perdida de pintura de la primera estampación a la última era evidente, de repente Warhol apareción en mi mente de rodillas en el suelo usando la gran plancha del fotolito como un tampón. Para cualquier otra persona, tener una obra de Warhol delate suya le puede llegar a ser totalmente indiferente o no puede transmitir nada, pero en mi caso no me dejó plantada enfrente de la obra durante un buen rato.

Lo importante de la obra no es solo lo que se ve sino también su historia, su proceso de creación, su mensaje, la vida de su creador… todos los factores son importantes para entender en conjunto la obra y darle un valor u otro a ésta.

El arte no siempre es lo que se enmarca dentro de unos canones preestablecidos sino que a veces éste “nuevo” arte toma una carretera secundaria que conduce a un mundo nuevo por con maravillosos elementos que lo configuran.

" La inspiración es la televisión."
Andy Warhol, artista

lunes, 20 de octubre de 2008

Sin necesidad de hablar

Dos fotogramas de El Gabinete del Dr. Caligari (Wiene, 1919) i Nosfetau (Murnau, 1922)
Cine mudo, a todos nos viene a la mente las películas típicas de Charlot y de Keaton andando con los pies abiertos o bien conduciendo a toda maquina una locomotora, pero no solo el género cómico es cine mudo tenemos que mirar más atrás de los clásicos.

El año pasado pude ampliar mucho mi visón del cine, lo hice al ver películas anteriores al popularmente conocido cine de oro o el cine clásico de Hollywood de de los años 40 y 50. Tuve la gran oportunidad de descubrir el magnífico mundo del cine de los origines… De Lumière hasta Eisentein hay un mundo, desgraciadamente, desconocido por la gran mayoría de la gente de la calle.

Sinceramente en un principio pensaba que todo este mundo sería un poco palo pero tuve que rectificar mis palabras y afirmar todo lo contrario.
La calidad con que están hechas las pelis y con los medios que tenían en aquella época fue lo que más me llamó la atención supongo porqué siempre me he mirado los films no sólo des del punto de vista de la narración que nos ofrece la película sino, también, des del punto de vista de su producción.

Dos de las grandes maravillas de los años 20 son las que hicieron que cayera rendida a este género cinematográfico. El Gabinete del Dr. Caligari (Wiene, 1919) y Nosferatu (Murnau 1922)
La primera de ella se podría denominar como el impulso hacia el nuevo género cinematográfico, el expresionismo. La segunda una gran obra maestra y, como popularmente se dice, la cuna del cine de terror.

El Gabinete del Dr. Caligari, tras recoger las bases impuestas por Griffith en El Nacimiento de una Nación (1915) Wiene, crea esta historia sobre el Doctor i el Sonámbulo que iban de feria en feria a exhibirse. Al verla entera me quedé literalmente pegada en la silla… la gente de la clase iba murmurando sobre momentos o escenas de la película durante la proyección, yo no podía articular palabra. La puesta en escena de los actores, los decorados pintados (con esas líneas tan marcadas que te hacen dirigir la vista hacia lo que el director quiere que veas), los filtros que teñían los fotogramas para dar un sentido u otro a la peli, la rotulación de los intertítulos… si duda fantástica. Muchos que me conocéis sabéis mi pasión por la fotografía y sobre todo por los autorretratos… me hice una sesión de autorretratos como un tributo a ésta película y en especial a Cesare, el sonámbulo.


Atrapada -Tributo al Caligari-, Glo Ribas (julio 2008)

Por lo que hace al Nosferatu en clase simplemente vimos la escena del contrapicado en el barco. No fue esa escena la que me llamó la atención para interesarme por el film sino la historia que nos contaron: la primera de las diferentes versiones de la película Drácula; el hecho de cambiar el nombre del protagonista (en lugar de Drácula le asignaron el nombre de Nosferatu) para no pagar derechos de autor; el juego de las luces y las sombras; los diferentes planos y encuadres…
Una vez la vi tuve la misma sensación que en el Caligari, sorpresa. Sorpresa al ver la gran calidad de este tipo de cine y las grandes obras maestras que había en los años 20. Tras verla me vino a la mente de hacer un pequeño estudio/ ciclo cinematográfico con las diferentes versiones de Drácula… Desde Murnau a Coppola. Mirarlas una por una, tomar notas de los aspectos más importantes y finalmente ver entre ellas que puntos hay en común y cuáles no. Se necesita tiempo para hacerlo y como no paciencia pero sé que algún día lo haré y si lo hago ya escribiré un artículo para explicaros el resultado del estudio.

Para acabar, me gustaría recomendar a todos aquellos que no han tenido la oportunidad de poder disfrutar de esta rama del cine en mirar alguna película. No os decantéis por nada extremadamente largo como sería el caso de El Nacimiento de una Nación de Griffith, Pasión y muerte de Juana de Arco de Dreyer (1928- sin ningún tipo de música instrumental que acompaña las imágenes -ésta es una de las condiciones que puso el director para ver la película- 82 minutos) i mucho menos por el Napoleon de Gance (1922/1927 ésta personalmente tengo ganas de verla aunque su durada de 333 minutos me haga reflexionar…) Para empezar hay películas de Méliès en Youtube (un día dedicaré una artículo al cine de atracciones para contaros lo que se puede llegar a encontrar) y si os atrevéis con alguna de una durada algo más extensa que los máximos 10 minutos de duración de las películas de Méliès os recomiendo alguna de las dos citadas, principalmente.

“Es imposible hacer una buena película sin una cámara que sea como un ojo en el corazón de un poeta.”
Orson Welles (1915-1985)

domingo, 19 de octubre de 2008

Vista atrás

Tiras de Mafalda, Mafalda nº6

Ayer hice un viaje al pasado. Fui a visitar las ruinas de Empúries. Realmente hacía muchísimo tiempo que no pisaba el yacimiento arqueológico y, además, hacía mucho tiempo que no recordaba el arte antiguo. Hace tiempo que en la universidad traté las asignaturas dedicadas a éste periodo artístico y me sorprendí, gratamente, al ver que buena parte de la cultura clásica, el vocabulario específico grecorromano, el urbanismo de las ciudades y algunos datos históricos no se me habían olvidado.

Impresiona ver que parte del legado griego y romano nos ha llegado a nosotros. Impresiona ver que enfrente de ti tienes unas piedras de siglos antes de Cristo. Impresiona la capacidad de organización y las infraestructuras urbanísticas que tenían a pesar de los pocos medios que disponían. Pero siempre hay un factor que hace complicado al visitante introducirse mucho más al yacimiento, las ruinas. Por desgracia mucha gente no tiene la capacidad de poder imaginar todo aquello erigido y por desgracia, también, solo ven lo que ven: piedras. Es sumamente complicado poder ver en la mente el templo erigido, las tabarnaes abiertas con gente comprando artículos, las diferentes clases sociales, cada una en su horario, en las termas haciendo deporte o simplemente descansando, el foro con los hombres más importantes de la ciudad discutiendo de los temas más candentes en la sociedad... y aun más... todos los edificios y esculturas policromados con colores vivos (azules, rojos, amarillos...) hecho que hoy por hoy ni se nos pasa por la mente.

Ayer mi sensación al pasear por lo que habían sido unas Domus me hizo reflexionar. Reflexionar en la cantidad de personas que podían haber pasado por el mismo lugar por el que estaba andando yo, pensar en el día a día que se podía haber llevado dentro de esa casa, pensar como podían haber sido las caras de los primeros arqueólogos al descubrir que debajo de sus pies había mucho más que tierra...
Pero por contra era complicado de imaginar una casa como tal era con sus paredes sus estancias y sus patios ya que a veces lo que realmente vemos nos contamina nuestra mente mucho más de lo que imaginamos.

2 grandes culturas que nos han aportado a nuestro día a día todo lo que tenemos. 2 culturas que las tenemos en el olvido porque son simplemente pasado. Una de estas culturas recuperada tras los años, estudiada y la utilización de nuevo de sus valores, sobretodo arquitectónicos, para construir parte de los edificios que admiramos en la mayoría de las calles de las grandes ciudades europeas.

Pero como todo se tiene que mirar hacia adelante, sin quedarnos anclados en el pasado ni querer idear aquella vida como algo mejor que la que tenemos ahora. Por eso me quedo con la última tira de Mafalada que os he colgado:

“Como pasado estas muy bien pero sos ruinas. En cambio el futuro está todavía sin construir por eso le tenemos fe. Porque uno lo mira y no ve ruinas.”

sábado, 18 de octubre de 2008

La perfección hecha mármol

Piazza della Signoria, Reproducción del David de Michael Angelo
FOTO: Glo Ribas, Firenze 2007

Creo que uno de los mayores aciertos que he hecho nunca ha sido viajar a la magnífica ciudad de Firenze. Toda ella es una maravilla y no pasa un día que no recuerde sus calles, sus plazas, sus puentes, sus edificios, su arte, su gente...

Normalmente la gente que la visita sufre el conocido Síndrome de Sthendal por la acumulación de belleza y cosas por ver. Pero a mí me pasó todo lo contrario, fue al llegar a mi ciudad que me ocurrió... De repente mi ciudad se convirtió fea, sin apenas contenido por ver y sin ningún aliciente estético- artístico para lanzarte a la calle y explorar cada rincón. Sinceramente sólo llegar quería volverme a ir... complicado de explicar y más difícil de entender.

De la ciudad, como he dicho, destacaría miles de cosas (supongo que no será la única vez que hable de ella así que ya os iré comentando) pero quiero centrarme hoy en una escultura, mejor dicho la escultura por excelencia del Renacimiento: el David de Michael Angelo Buonarroti.
Del David no quiero haceros una explicación formal porque una explicación de éste tipo se puede encontrar en cualquier enciclopedia o en cualquier manual de arte, sino que me gustaría contaros mis sensaciones al verlo y admirarlo.

Recuerdo entrar en la Galería de los Esclavos, esta conduce a la Tribuna del David. Al andar entre ellos, inacabados, me daba la sensación que tenía que explotar la masa de mármol que apretujaba sus músculos y se echaran a andar... parece que estén colocados allí para proteger, vigilar o estar al servicio de la gran estrella de la Galleria dell'Accademia.
Al fondo del corredor está Él. Cuando te sitúas enfrente de la escultura no sabes por dónde empezar a mirar... toda ella es sublime, perfecta.
Lo primero que hice fue sentarme en la parte posterior de ella. Des de allí admiré toda la musculatura, los dedos de la mano, la textura del mármol... me quedé literalmente sin palabras. Sin decir nada, y sin apartarle la vista, le rodeé por la parte trasera hasta colocarme enfrente de él. Me senté en uno de los bancos, me cogí la cara entre mis manos con los codos reposando en mis rodillas y le volví a admirar. Sin prisa, sin ganas que nadie me estropeara este momento, mi momento... Lo analicé por partes: la cabeza, el torso, los brazos, las manos, las piernas, los pies... todo era perfecto. Los huesos marcados, las venas en tensión, su mirada al infinito mostrando una fuerza y una astucia sin igual...
Llegaba la hora de irme, no por ganas porque cada vez que le miraba cada vez que apreciaba un detalle nuevo. Salí por donde entré, por la Galería de los Esclavos. Iba andando hacia la salida pero no podía evitar girarme y mirarle de nuevo como si tuviera miedo que al salir por la puerta su imagen se me borrara de mi mente como por arte de magia.

Al verle tuve la misma sensación que al ver la Capilla Sixtina: aparte del hecho de no poder dejarlo de mirar, la sensación de ponerme a llorar. Sé que suena infantil, por decirlo de algún modo, pero el hecho de ver uno de los mayores iconos de la historia del arte enfrente de mí me supone un respeto impresionante y automáticamente me traslado a su época e imagino al autor trabajar en esa obra...

Me gustaría terminar hoy con una de las grandes frases de Michael Angelo:
"Con el toque del cincel la piedra cruda y fría se convierte en un molde viviente. Cuanto más se gasta en mármol, más crece la estatua"